Art abstrait avec une touche d'originalité - Nos œuvres en techniques mixtes à vendre !

La fusion de deux médiums ou plus dans une seule œuvre est devenue de plus en plus populaire au XXe siècle. La Nature morte à la chaise cannée de Picasso est communément considérée comme le premier collage moderne (ou plutôt un assemblage, car il a transformé la peinture à l'huile, la toile cirée, le papier collé et la corde en une œuvre en bas-relief, tridimensionnelle), tout comme le papier peint à grain de bois de Braque dans une série de dessins au fusain. Les dadaïstes Kurt Schwitters et Max Ernst ont poussé cette technique plus loin, leur association hasardeuse d’images juxtaposées exprimant une critique puissante et perspicace de la société et de l’art lui-même. Ces tentatives audacieuses ont ouvert la voie à l’art abstrait en techniques mixtes qui a exploré davantage les frontières poreuses du mélange de plusieurs médiums et matériaux. Depuis ses premiers efforts pour capturer les objets autour de lui dans des collages à la structure simple de grille carrée jusqu’aux systèmes symbiotiques imprévisibles et aux arrangements aléatoires, la fascination durable d’Ellsworth Kelly pour le collage a également influencé ses peintures ultérieures sur panneaux séparés et recombinables. Robert Rauschenberg et Frank Stella étaient particulièrement célèbres pour leur examen audacieux des possibilités inexplorées contenues dans l’art abstrait en techniques mixtes. Dans sa série hybride Combines, Rauschenberg utilisait des photographies, du tissu, un extrait de journal et de la peinture ainsi que des plumes, des cailloux, de l’or et de la terre pour composer ses énigmes visuelles métaphoriques, tandis que Frank Stella créait des reliefs en techniques mixtes aux couleurs sensuelles d’arabesques, de courbes françaises et de formes organiques en utilisant de l’aluminium, du verre et de la fibre de verre. Les techniques mixtes continuent d’inspirer les artistes abstraits d’aujourd’hui qui fuient les contraintes rigides des formes artistiques et recherchent la liberté sans entrave de l’expression artistique. Pour notre sélection hebdomadaire des œuvres les plus captivantes en art abstrait en techniques mixtes, veuillez faire défiler ci-dessous.

Daniel Göttin - Double Grid 4

Double Grid 4 est l’un des quatre objets muraux de même taille composés de deux rubans adhésifs colorés qui créent un motif régulier en grille sur un panneau en aluminium anodisé. Les rubans bleu et rose ajoutent une profondeur visuelle et spatiale entre eux lorsqu’ils croisent le panneau en aluminium réfléchissant. Inspiré par l’Art Minimal, l’Art Concret et l’Art Conceptuel, Göttin travaille avec des matériaux industriels courants choisis pour résonner avec les exigences spécifiques d’un site et d’un espace architecturaux, tout en examinant habilement la nature subjective de la perception dans un environnement changeant. Si son travail est itératif et en harmonie, l’immobilité de l’objet physique final est riche de clarté et de réflexion. C’est cette immobilité qui invite à une variété d’interprétations qui émergent en évoquant la nature expressive du spectateur. Daniel Göttin est un artiste suisse dont le travail se partage entre œuvres spécifiques au lieu et objets colorés ou peints pour murs. Il vit et travaille à Bâle.

 

Daniel Göttin - Double Grid 4, 2016. Ruban adhésif sur aluminium anodisé. 80 x 40 cm.

 

Fieroza Doorsen - Sans titre (Id. 1293)

Dans cette œuvre en papier de soie sur papier, Doorsen s’inspire de l’héritage de l’Arte Povera qui utilisait des matériaux jetables et triviaux pour défier les normes artistiques dominantes. Pour Doorsen, l’utilisation du papier de soie met particulièrement en lumière le contraste entre tensions et harmonies qui naissent de la dichotomie apparemment conflictuelle entre structure et intuition. La surface de cette œuvre est tactile et encapsule sa propre présence, Doorsen elle-même agissant comme un médium entre ses matériaux et les motifs et formes qu’ils révèlent. Sans titre (Id. 1293) transcende les contradictions entre l’organique et le géométrique, le systémique et l’aléatoire. Le travail de Doorsen repose sur son esthétique inhérente et visuellement inscrite tout en nourrissant une multitude de perspectives et en suscitant la contemplation. Doorsen est une artiste abstraite anglaise qui a développé son propre langage personnel avec un accent sur les motifs et les formes colorées. Elle vit et travaille à Londres.

 

Fieroza Doorsen - Sans titre (Id. 1293), 2016. Papier de soie sur papier. 29,5 x 21 cm.

 

Jean Feinberg - DD2.15

Réalisé sur un papier acaba fin et délicat, DD2.15 a été créé à Dieu Donné à New York, un atelier à but non lucratif dédié à l’art du papier fait main. Alors que Feinberg fabriquait initialement le papier pour peindre dessus, elle est devenue fascinée par les accidents, marques et textures apparus sur un morceau séché et pressé et a décidé de l’assembler. La franchise de son travail s’incarne profondément dans les objets physiques de sa création et une forme tridimensionnelle lui permet d’exprimer son moi authentique de la manière la plus sincère. Les implications poétiques de son approche simple et économique se manifestent dans un sens accentué de la matérialité qui invite les spectateurs à un voyage contemplatif et immatériel qui implose en émotions et en réflexion personnelle. Feinberg est une peintre abstraite américaine qui utilise peinture, bois, toile et papier pour explorer l’intersection entre peinture et objet. Utilisant du bois récupéré, elle construit des peintures incorporant des qualités sculpturales, brouillant les frontières entre représentation en deux et trois dimensions. Elle vit et travaille à New York.

 

Jean Feinberg - DD2.15, 2015. Papier acaba fait main. 36,2 x 29,3 cm.

 

Deanna Sirlin - And Back Again

And Back Again est une œuvre intime et colorée en techniques mixtes sur film d’archives qui illustre la quête durable de Sirlin pour le moi dans son propre art. Elle utilise le processus créatif pour redéfinir et réarticuler son être alors que son esthétique idiosyncratique de couleurs sensuelles enveloppe le spectateur et le place au centre de l’œuvre de Sirlin. Là, au centre de son travail, une dimension éthérée et contemplative se révèle. Au-delà des photographies découpées, des matériaux trouvés et des toiles recyclées, il y a un monde personnel qui attire le spectateur à retracer et partager son sens de la découverte et de la révélation dans l’acte même de peindre. Sirlin est une artiste abstraite américaine surtout connue pour ses peintures gestuelles et ses installations monumentales. Son travail privilégie la couleur. Dans ses peintures, elle explore comment la texture et la composition influencent les relations colorées. Elle vit et travaille dans une ferme équestre près d’Atlanta, en Géorgie.

 

Deanna Sirlin - And Back Again, 2015. Techniques mixtes sur film d’archives. 45,7 x 45,7 cm.

 

Peter Soriano - L.I.C. (Blue)

Inspiré par son propre atelier situé à Long Island City (L.I.C) et les objets qui s’y trouvent, en particulier les restes d’anciens placards qui ont été retirés, Soriano utilise de la peinture en aérosol, de l’encre, du crayon et des aquarelles pour exprimer sa nostalgie de la réalité qui a cessé d’exister. Il s’inspire de son environnement immédiat en essayant de se situer dans la configuration qui est le sujet de son œuvre. L.I.C. (Blue) révèle clairement son intérêt pour les objets attachés à d’autres objets, comme les plans architecturaux. Soriano plie et retravaille une pièce plusieurs fois. La forme finale est le résultat d’un dialogue intérieur intense ainsi que de la mise en valeur et du repositionnement des relations entre les formes. Soriano est un artiste abstrait franco-américain né aux Philippines qui partage son temps entre New York et Penobscot, dans le Maine. Bien qu’il ait commencé sa carrière comme sculpteur, son travail est désormais bidimensionnel. Il est connu pour ses fresques murales audacieuses peintes à la bombe et pour ses œuvres plus intimes sur papier. Le travail de Soriano est gestuel et géométrique, dominé par un lexique graphique de marques et de notations.

 

Peter Soriano - L.I.C. (Blue), 2015. Peinture en aérosol, crayon, encre, aquarelle sur papier. 96 x 98 cm.

 

Pierre Auville - White Stripes

Ayant exercé plusieurs métiers avant de se consacrer à l’art, Auville est à l’aise avec la création à partir de matériaux les plus inhabituels. Dans White Stripes, il choisit le ciment, l’acrylique et l’acier en tige sur panneau de mousse, explorant les qualités les plus cachées et l’usage multifonctionnel de chaque matériau. Dans son travail, il met l’accent sur le moment où la couleur et les matériaux fusionnent et retournent à leur essence minérale originelle. Inspiré par les peintures rupestres préhistoriques, les routes en béton ou les blockhaus abandonnés, il reste fidèle à l’abstraction géométrique, à l’Arte Povera et à l’Art de la rue. Dans White Stripes, il applique un ciment à haute densité et laisse les couleurs du ciment déterminer l’œuvre. Lorsque le ciment sèche, il ajoute de l’acrylique pour intensifier la luminosité de l’œuvre. Auville est un artiste français dont le travail explore et intègre les qualités esthétiques et conceptuelles des matériaux manufacturés tels que le ciment, le béton et l’acier. Il est né au Havre et vit et travaille près de Paris.

 

Pierre Auville - White Stripes, 2016. Ciment, acrylique et acier en tige sur panneau de mousse. 104 x 60 x 6 cm.

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Image en vedette : Peter Soriano - L.I.C. (Blue), 2015, vue d’installation.
Par Jovana Vuković