Chiffres clés du mouvement du motif et de la décoration
Le mouvement des motifs et décorations occupe une place particulière dans l'histoire de l'art contemporain. Issu du mouvement artistique féministe des années 1960, le motif et la décoration se présentent comme une sorte de « troisième méthode » entre figuration et abstraction. Les dirigeants du mouvement ont reconnu que l’instinct de création d’art décoratif était un aspect essentiel de toute culture humaine depuis le début de la civilisation. Pourtant, ils se sont également rendu compte que la civilisation patriarcale occidentale avait, pour une raison ou pour une autre, adopté la position selon laquelle les arts décoratifs devaient être soumis comme étant moins importants et moins sérieux que les autres soi-disant Beaux-Arts. Les fondateurs du mouvement Pattern and Decoration ont catégoriquement rejeté cette hypothèse, déclarant que leur approche formaliste du travail décoratif était tout aussi pertinente, significative et historiquement importante que toute autre position esthétique. La philosophie globale du mouvement Pattern and Décoration a été exposée en 1978 par deux des fondatrices du mouvement, Valerie Jaudon et Joyce Kozloff, dans leur manifeste merveilleusement grandiloquent, Art Hysterical Notions of Progress and Culture. Son premier paragraphe déclare : « En tant que féministes et artistes explorant le décoratif dans nos propres peintures, nous étions curieuses de connaître l’utilisation péjorative du mot « décoratif » dans le monde de l’art contemporain. En relisant les textes fondamentaux de l’Art Moderne, nous nous sommes rendu compte que les préjugés contre le décoratif ont une longue histoire et reposent sur des hiérarchies : les beaux-arts au-dessus de l’art décoratif, l’art occidental au-dessus de l’art non occidental, l’art des hommes au-dessus de l’art des femmes. En nous concentrant sur ces hiérarchies, nous avons découvert un système de croyance inquiétant basé sur la supériorité morale de l’art de la civilisation occidentale. Les dirigeants du mouvement ont donc entrepris de jeter ces hiérarchies dépassées et inutiles dans les cendres de l’histoire. L’héritage de leur travail est d’une beauté viscérale et d’un émerveillement intellectuel. Ce n’est que maintenant, en fait, que le public absorbe véritablement la puissance de ce mouvement vital et le rôle qu’il continue de jouer aujourd’hui pour rendre le domaine de l’art contemporain plus équitable, plus ouvert d’esprit et plus complet.
Cinq leaders du mouvement
Dès 1960, Miriam Schapiro abandonnait les tendances esthétiques dominantes de l'époque pour découvrir une voix visuelle unique et personnelle, basée en grande partie sur son identité d'artiste. femme. Ses premières œuvres proto-féministes furent ses « Sanctuaires », qui agissaient comme une sorte de pont sanctifié entre la féminité, la spiritualité et le langage moderniste compartimenté de la grille. Elle a ensuite créé plusieurs autres œuvres typiquement féministes, notamment ses monumentaux « Fans » et une série d’œuvres abstraites géométriques et tranchantes qui présentent des images audacieuses et lumineuses de la symbologie féminine archétypale. En 1973, Schapiro participe à « Womanhouse », l’une des œuvres d’art féministes les plus importantes de tous les temps. Elle a également inventé plus tard le terme « Femmage » pour sa méthode distinctive consistant à mélanger des techniques des Beaux-Arts comme le collage et l'assemblage avec des techniques artisanales comme la couture.
Miriam Schapiro - Dormer, 1979. Acrylique, textiles, papier sur toile. 178,5 x 102 cm. Ludwig Forum pour l'art international d'Aix-la-Chapelle. Photo : Carl Brunn / Ludwig Forum pour l'art international d'Aix-la-Chapelle © Succession Miriam Schapiro / Bildrecht Vienne, 2019.
Joyce Kozloffa eu sa révélation sur le déclin historique des arts décoratifs après avoir vécu au Mexique puis visité le Maroc et la Turquie au début des années 1970. Inspirée par la façon dont les anciennes traditions esthétiques de ces lieux étaient encore vivantes et prospères dans la vie quotidienne, elle a poursuivi ses propres idées sur ce sujet sur différents fronts. Elle a commencé à réaliser des peintures à grande échelle et des installations multimédias utilisant des méthodes et des matériaux traditionnellement attribués à l'artisanat décoratif ; elle rejoint le Collectif Heresies, qui participe à des actions sociales féministes et publie la revue HERESIES : A Feminist Publication on Art and Politics ; et elle a co-écrit le manifeste Pattern and Decoration susmentionné. Au cours des décennies qui ont suivi la fondation du mouvement, Kozloff est devenu plus actif dans le domaine de l’art public et a développé une voix esthétique distinctive fondée sur l’idée de cartographie, à la fois cartographique et culturelle.
Joyce Kozloff - Si j'étais une botaniste méditerranéenne. 3 panneaux d'une pièce de 9 panneaux. Acrylique, impression jet d'encre numérique d'archives et collage sur toile. 54″ x 360″. © Joyce Kozloff
En plus d'avoir co-écrit le manifeste Pattern and Decoration, Valérie Jaudon s'est imposée comme l'une des voix esthétiques les plus confiantes du mouvement. Son style distinctif mélange des marques calligraphiques avec des motifs et des dessins évoquant les styles décoratifs du Moyen-Orient. En plus de ses peintures et œuvres sur papier, Jaudon a réalisé plus d'une douzaine de projets publics à grande échelle, depuis les sols marquetés jusqu'aux peintures murales sur les plafonds, en passant par d'immenses installations dans des parcs publics. Le plus grand de ces projets est le monumental « Philippine Garden (2004), un chemin en ciment sur le terrain du palais de justice fédéral de St. Louis, Missouri. Sa composition est typique de son œuvre dans la mesure où elle semble à la fois familière et exotique ; ses racines sont magnifiquement floues, elle s'intègre parfaitement dans le cadre naturel et architectural.
Valerie Jaudon - Hattiesburg, 1979. Huile sur toile. 223,5 x 335,5 cm. Ludwig Forum pour l'art international d'Aix-la-Chapelle. Photo : Carl Brunn / Ludwig Forum pour l'art international d'Aix-la-Chapelle. © Bildrecht Vienne, 2019.
Dès la fin des années 1960, Susan Michod a commencé à développer une position esthétique à mi-chemin entre l'abstraction moderniste et les tendances esthétiques de diverses anciennes traditions indigènes. Son travail se situe à cheval entre ces deux perspectives coopératives, rappelant à la fois les merveilles hypnotiques de l’Op Art et les sombres motifs géométriques propres aux formes d’art de l’Amérique centrale précolombienne. En plus de ses contributions au mouvement des motifs et de la décoration en tant qu'artiste, Michod a été co-fondatrice de la galerie Artemisia à Chicago, un espace d'exposition influent pour les artistes féminines, où des sommités telles que Judy Chicago, Miriam Schapiro, Joyce Kozloff et Nancy Spero, parmi tant d'autres, ont montré leurs premiers travaux.
Susan Michod - Azteca Shroud, 2003. Acrylique sur papier. 40 x 30 po. © Susan Michod
Avec Miriam Schapiro, Robert Kushner a aidé à organiser certaines des premières expositions de Pattern and Decoration. Kushner est venu dans le domaine de l'art depuis le monde de l'illustration publicitaire, qu'il a quitté en 1961 après avoir vu une exposition des œuvres de Franz Kline. Cependant, il lui a fallu quelques années avant de gagner la confiance nécessaire pour développer sa propre voix unique. Après avoir expérimenté une gamme de styles, allant de l'Expressionnisme Abstrait, au Minimalisme, jusqu'à la Peinture de Champ de Couleur, il a finalement abandonné les tendances dominantes pour faire un saut stylistique personnel en 1972, appliquant des "formes" en pochoir sur ses toiles dans un motif "tout-en-un". Tout au long des années 1970, ces peintures en pochoir à motifs ont évolué pour inclure plus d'images florales, embrassant un terrain d'entente entre les célébrations formalistes de la décoration et les représentations figuratives de jardins symétriques.
Robert Kushner - Feuilles roses, 1979. Acrylique, divers textiles. 205 x 330,5 cm. Avec la courtoisie du Ludwig Museum – Musée d'Art Contemporain, Budapest, don de Peter et Irene Ludwig / donation de Peter et Irene Ludwig. Photo : Ludwig Museum – Musée d'Art Contemporain, Budapest. © Robert Kushner
Image en vedette : Susan Michod - Sans titre, 1977. Aquarelle sur papier. 30 po x 22,5 po (76,2 cm x 57,15 cm). RoGallery à Long Island City, New York. © Susan Michod
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio
