Chiffres clés du mouvement du motif et de la décoration
Le mouvement Pattern and Decoration occupe une place particulière dans l'histoire de l'art contemporain. Né du Mouvement d'Art Féministe des années 1960, Pattern and Decoration s'est présenté comme une sorte de « troisième voie » entre la figuration et l'abstraction. Les chefs de file du mouvement reconnaissaient que l'instinct de créer un art décoratif a été un aspect essentiel de chaque culture humaine depuis le début de la civilisation. Pourtant, ils ont aussi compris que la civilisation occidentale patriarcale avait, pour une raison quelconque, adopté en chemin la position selon laquelle les arts décoratifs devaient être subordonnés, considérés comme moins importants et moins sérieux que les autres soi-disant Beaux-Arts. Les fondateurs du mouvement Pattern and Decoration ont catégoriquement rejeté cette hypothèse, déclarant que leur approche formaliste du travail décoratif était tout aussi pertinente, significative et historiquement importante que toute autre position esthétique. La philosophie générale du mouvement Pattern and Decoration a été exposée en 1978 par deux de ses fondatrices — Valerie Jaudon et Joyce Kozloff — dans leur manifeste merveilleusement grandiloquent, Art Hysterical Notions of Progress and Culture. Son premier paragraphe affirme : « En tant que féministes et artistes explorant le décoratif dans nos propres peintures, nous étions curieuses de l'usage péjoratif du mot ‘décoratif’ dans le monde de l'art contemporain. En relisant les textes fondamentaux de l'Art Moderne, nous avons réalisé que le préjugé contre le décoratif a une longue histoire et repose sur des hiérarchies : les beaux-arts au-dessus des arts décoratifs, l'art occidental au-dessus de l'art non occidental, l'art des hommes au-dessus de l'art des femmes. En nous concentrant sur ces hiérarchies, nous avons découvert un système de croyances troublant fondé sur la supériorité morale de l'art de la civilisation occidentale. » Les chefs de file du mouvement se sont donc attelés à reléguer ces hiérarchies dépassées et inutiles au rebut de l'histoire. L'héritage de leur travail est une beauté viscérale et une merveille intellectuelle. Ce n'est qu'à présent, en fait, que le public saisit pleinement la puissance de ce mouvement vital, et le rôle qu'il continue de jouer aujourd'hui pour rendre le domaine de l'art contemporain plus équitable, plus ouvert d'esprit et plus complet.
Cinq chefs de file du mouvement
Dès 1960, Miriam Schapiro abandonnait les tendances esthétiques dominantes de l'époque pour découvrir une voix visuelle singulièrement personnelle, fondée en grande partie sur son identité de femme. Ses premières œuvres proto-féministes furent ses « Sanctuaires », qui servaient de pont sanctifié entre la féminité, la spiritualité et le langage moderniste compartimenté de la grille. Elle a ensuite créé plusieurs autres corpus distinctement féministes, notamment ses monumentaux « Éventails », ainsi qu'une série d'œuvres abstraites géométriques aux contours nets présentant des images audacieuses et lumineuses de la symbolique féminine archétypale. En 1973, Schapiro participa à « Womanhouse », l'une des œuvres féministes les plus importantes de tous les temps. Elle a également inventé plus tard le terme « Femmage » pour sa méthode distinctive mêlant des techniques des Beaux-Arts comme le collage et l'assemblage à des techniques artisanales comme la couture.
Miriam Schapiro - Dormer, 1979. Acrylique, textiles, papier sur toile. 178,5 x 102 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Photo : Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen © Succession de Miriam Schapiro / Bildrecht Wien, 2019.
Joyce Kozloff a eu son épiphanie sur la dévalorisation historique des arts décoratifs après avoir vécu au Mexique puis visité le Maroc et la Turquie au début des années 1970. Inspirée par la manière dont les traditions esthétiques anciennes dans ces lieux étaient encore vivantes et florissantes dans la vie quotidienne, elle a poursuivi ses propres idées sur ce sujet sur plusieurs fronts différents. Elle a commencé à réaliser de grandes peintures et des installations multimédias utilisant des méthodes et matériaux traditionnellement assignés aux arts décoratifs ; elle a rejoint le collectif Heresies, qui participait à des actions sociales féministes et publiait la revue HERESIES : A Feminist Publication on Art and Politics ; et elle a coécrit le manifeste Pattern and Decoration mentionné plus haut. Depuis la fondation du mouvement, Kozloff est devenue plus active dans le domaine de l'art public et a développé une voix esthétique distinctive fondée sur l'idée de cartographie, à la fois au sens géographique et culturel.
Joyce Kozloff - If I Were a Botanist Mediterranean. 3 panneaux d'une œuvre de 9 panneaux. Acrylique, impression numérique archivistique à jet d'encre et collage sur toile. 54″ x 360″. © Joyce Kozloff
En plus d'avoir coécrit le manifeste Pattern and Decoration, Valerie Jaudon s'est imposée comme l'une des voix esthétiques les plus assurées du mouvement. Son style distinctif mêle des marques calligraphiques à des motifs et dessins évoquant les styles décoratifs du Moyen-Orient. Outre ses peintures et œuvres sur papier, Jaudon a réalisé plus d'une douzaine de projets publics de grande envergure, allant de sols incrustés à des fresques de plafond, en passant par d'immenses installations dans des parcs publics. Le plus grand de ces projets est le monumental « Filippine Garden » (2004), un chemin en ciment sur le terrain du Palais de Justice fédéral à St. Louis, Missouri. Sa composition est typique de son œuvre en ce qu'elle semble à la fois familière et exotique ; ses racines, magnifiquement floues, s'intègrent parfaitement dans le cadre naturel et architectural.
Valerie Jaudon - Hattiesburg, 1979. Huile sur toile. 223,5 x 335,5 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Photo : Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. © Bildrecht Wien, 2019.
Dès la fin des années 1960, Susan Michod a commencé à développer une position esthétique à mi-chemin entre l'abstraction moderniste et les tendances esthétiques de diverses traditions indigènes anciennes. Son travail oscille entre ces deux perspectives coopératives, rappelant à la fois l'émerveillement hypnotique de l'Op Art et les motifs géométriques sobres propres aux formes artistiques de l'Amérique centrale précolombienne. En plus de ses contributions en tant qu'artiste au mouvement Pattern and Decoration, Michod a cofondé la galerie Artemisia à Chicago, un espace d'exposition influent pour les artistes féminines, où des figures telles que Judy Chicago, Miriam Schapiro, Joyce Kozloff et Nancy Spero, entre autres, ont présenté leurs premiers travaux.
Susan Michod - Azteca Shroud, 2003. Acrylique sur papier. 40 x 30 pouces. © Susan Michod
Avec Miriam Schapiro, Robert Kushner a aidé à organiser certaines des premières expositions Pattern and Decoration. Kushner est venu du monde de l'illustration publicitaire, qu'il a quitté en 1961 après avoir vu une exposition des œuvres de Franz Kline. Il lui a cependant fallu plusieurs années avant de prendre confiance pour développer sa propre voix unique. Après avoir expérimenté une gamme de styles, de l'expressionnisme abstrait au minimalisme, en passant par la peinture de champ coloré, il a finalement abandonné les tendances dominantes pour faire un saut stylistique personnel en 1972, appliquant des « formes » pochoirées sur ses toiles selon un motif « all-over ». Tout au long des années 1970, ces peintures à pochoirs évoluèrent pour inclure davantage d'images florales, embrassant un terrain d'entente entre les célébrations formalistes de la décoration et les représentations figuratives de jardins symétriques.
Robert Kushner - Pink Leaves, 1979. Acrylique, divers textiles. 205 x 330,5 cm. Avec l'aimable autorisation du Ludwig Museum – Musée d'Art Contemporain, Budapest, don de Peter et Irene Ludwig. Photo : Ludwig Museum – Musée d'Art Contemporain, Budapest. © Robert Kushner
Image en vedette : Susan Michod - Sans titre, 1977. Aquarelle sur papier. 30 pouces x 22,5 pouces (76,2 cm x 57,15 cm). RoGallery à Long Island City, NY. © Susan Michod
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio
