Pourquoi Jackie Winsor est excentriquement abstraite

Le travail de Jackie Winsor constitue une formidable toile de fond aux théories académiques sur l'abstraction contemporaine. Le débat qui anime la plupart des conversations actuelles sur l’art abstrait tourne inévitablement autour de la différence entre l’abstraction pure – un art qui n’a aucun rapport avec le soi-disant monde réel – et l’abstraction qui est dérivée ou abstraite de quelque chose de figuratif. Depuis plus de cinq décennies, Winsor a réalisé des travaux qui pourraient, en théorie, s’inscrire dans l’un ou l’autre côté de ce débat. Par exemple, la présence étrange de « Chunk Piece » (1970), une bûche de chanvre enroulée, pourrait être considérée comme quelque chose d’abstrait du monde réel, malgré le fait que rien de tel n’existe dans la réalité. Pendant ce temps, « Pink and Blue Piece » (1985), un cube en miroir, pourrait être qualifié de pure abstraction formaliste, puisqu’il ne s’agit que d’une forme géométrique simple reposant dans l’espace. Pourtant, ces deux œuvres pourraient également être décrites d’innombrables autres manières. Le cube prétendument formaliste pourrait être figuratif, puisqu'il ressemble à de nombreux autres objets du monde réel ; et le journal prétendument abstrait peut ne pas être abstrait du tout – il peut s’agir d’un objet concret et autoréférentiel qui n’existe pour aucune autre raison que d’exprimer ses propres qualités. Les sculptures de Winsor sont si excentriques et individualistes qu’elles dénouent complètement le débat sur l’abstraction. Ils existent en dehors de la conversation, la rendant hors de propos. Pourtant, ils sont si convaincants à un niveau viscéral – si sublimement déclaratifs de quelque chose d’essentiel, mais au-delà de notre intellect – que je ne peux m’empêcher de penser qu’ils sont essentiels à notre compréhension de l’abstraction. Comme deux autres visionnaires de sa génération, Richard Serra et Eva Hesse, Winsor représente la promesse que l'art abstrait peut être à la fois incroyablement ésotérique et indéniablement humain.

Exister obstinément

En 1979, à l'âge de 37 ans, Winsor a eu une exposition personnelle au Museum of Modern Art de New York. L'exposition présentait 24 œuvres. Dans l'essai du catalogue pour le spectacle, Winsor était décrit comme « l'un des sculpteurs plus jeunes les plus accomplis d'aujourd'hui. » L'essai ne fournit cependant pas beaucoup de clarté sur ce qui a exactement poussé les conservateurs à penser que le travail de Winsor était si important. Évitant tout hyperbole, il souligne simplement à propos de l'œuvre « son object-ness ou, comme le dit Ellen Johnson, en citant Rilke, son ‘existence obstinée.’ » Les pièces de l'exposition du MoMA partageaient une qualité universelle mieux décrite comme étant communicative d'un effort méticuleux et prolongé : elles étaient la preuve d'un travail. « Bound Square » (1972) semble aussi basique qu'un simple cadre en bois, mais les kilomètres de ficelle enroulés autour de ses coins démentent le fait que Winsor a passé d'innombrables heures à lier méthodiquement la pièce ensemble. « Four Corners » (1972) est un simple agencement de quatre formes rondes sur le sol, mais combien d'heures ont été nécessaires pour rouler les balles en forme ? De même, les innombrables clous enfoncés dans le dessus en bois de « Nail Piece » (1970) suggèrent une qualité maniaque, tandis que le titre auto-référentiel « 30 to 1 Bound Trees » (1971-72) semble interroger la valeur de tout travail humain par rapport à la nature.

Jackie Winsor - Bound Square, 1972. Bois et ficelle. 6' 3 1/2" x 6' 4" x 14 1/2" (191,8 x 193 x 36,8 cm). Joseph G. Mayer Foundation, Inc., en l'honneur de James Thrall Soby et Grace M. Mayer Fund en l'honneur d'Alfred H. Barr, Jr. Collection MoMA © 2019 Jackie Winsor.

La première réaction que l'on pourrait avoir en rencontrant des sculptures comme "Bound Square", "Four Corners", "Nail Piece" et "30 to 1 Bound Trees" est d'admirer la simplicité abstraite des formes. Peut-être qu'ensuite, on pourrait ressentir une attraction viscérale pour la physicalité brute des matériaux : le bois, le chanvre et le métal. Mais c'est dans le processus d'imaginer enfin l'effort qui a été nécessaire à la création des sculptures que notre connexion humaine à ces formes et à ces matériaux atteint son apogée. C'est alors que nous réalisons que les simples formes géométriques n'ont pas été choisies uniquement pour leurs qualités abstraites formelles, mais parce qu'elles se prêtent le mieux à un travail répétitif et monotone. Imaginer la sensation de tenir le bois, le chanvre, le marteau et les clous dans nos mains heure après heure relie les sculptures à notre humanité charnelle. Les pièces existent en effet obstinément malgré notre capacité à les décrire, à les valider ou à leur attribuer un sens ; elles occupent également obstinément un territoire intellectuel, célébrant par leur existence la nature intrinsèquement belle mais déroutante de tout effort.

Jackie Winsor - Pièce brûlée, 1977-78. Ciment, bois brûlé et treillis métallique. 33 7/8 x 34 x 34" (86,1 x 86,4 x 86,4 cm). Don d'Agnes Gund. Collection MoMA. © 2019 Jackie Winsor

La fin des étiquettes

L'un des labels les plus douteux qui a souvent été attribué à Winsor est "l'Art de Processus", qui est une façon de décrire des phénomènes esthétiques pour lesquels l'objet final n'est pas important - c'est le processus de création qui compte le plus. Ce qui confond les gens, sans aucun doute, à propos de Winsor, c'est que le processus est si manifestement vital pour ses créations. En effet, rien de ce qu'elle crée ne pourrait se produire sans qu'elle invente souvent des processus entièrement nouveaux, qui intègrent des méthodes et des techniques novatrices spécifiques, peut-être, uniquement à la création d'une sculpture particulière. Aussi importants que soient ses processus, cependant, l'objet final reste vital. Oui, c'est le résultat du processus, et la validation du processus, mais c'est aussi le raison d'être du processus. Sans la vision que Winsor avait pour un objet, obstinément existant dans l'espace et le temps réels, le processus n'aurait aucune raison d'exister.

Jackie Winsor - Contreplaqué laminé, 1973. Contreplaqué. 7 1/2 x 48 x 48" (19,1 x 121,9 x 121,9 cm). Don de la Fondation Gilman à la mémoire de J. Frederic Byers III. Collection MoMA. © 2019 Jackie Winsor

Un autre label fréquemment attribué à Winsor est le post-minimalisme. Ce label a également peu d’impact sur son travail. L'art post-minimaliste utilise le minimalisme comme point de départ ou de référence, mais n'embrasse pas toutes ses croyances conceptuelles. Winsor se démarque de cette description confuse et de toutes les autres étiquettes à moitié cuites. Comme Marcel Duchamp, elle est un mouvement artistique dirigé par une seule femme. Elle donne naissance à des sculptures qui parlent avec assurance de ce que signifie avoir une présence ; contenir de la texture; occuper de l'espace; être le résultat d'un travail. Elle crée un art qui déclare qu'elle a autant le droit d'être ici que n'importe quel rocher, arbre ou créature. Ses sculptures n'ont pas besoin d'être validées par la théorie, ni expliquées académiquement, pour revendiquer leur autorité. Ils nous libèrent du besoin de catégoriser, voire de comprendre. Tout ce que nous devons faire pour apprécier son travail, c'est simplement l'apprécier pour ce qu'il est indéniablement : concret ; abstrait; ésotérique; excentrique; et humain.

Image en vedette : Jackie Winsor - Chunk Piece, 1970. Chanvre. 36 x 38 po (91,4 x 96,5 cm). Galerie Paula Cooper. © Jackie Winsor
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio