À la galerie Yossi Milo, une exposition collective d'artistes peignant avec la lumière

Le 17 janvier 2019, la galerie Yossi Milo à New York ouvrira une exposition collective examinant l'état contemporain de la photographie concrète. Intitulée Peindre avec la lumière, l'exposition comprendra des œuvres de plus de 25 artistes qui rejettent les stratégies photographiques traditionnelles au profit de méthodes abstraites, conceptuelles ou expérimentales mobilisant la lumière pour altérer une surface. Bien que le terme n'ait été inventé que dans les années 1960, l'idée de la photographie concrète existe depuis plus d'un siècle. Elle diffère à bien des égards de la photographie documentaire, et même de nombreux types de photographie abstraite. Le but de la plupart des photographies documentaires est de prendre un enregistrement d'un moment fugace dans le temps, capturant une image partielle de la réalité alors qu'elle passe devant l'objectif d'une caméra. La photographie abstraite peut également documenter la réalité, mais plutôt que d'essayer de capturer des images reconnaissables du monde ou de raconter une histoire narrative, l'intention derrière une photographie abstraite peut être d'exprimer des éléments formels tels que la ligne, le ton, la forme, la couleur ou la forme d'une manière symbolique ou purement plastique. Ce qui distingue la photographie concrète, c'est aussi l'intention de l'artiste, ainsi que la manière dont les matériaux, les outils et les techniques de la photographie sont employés. La photographie concrète élimine la notion de "prendre une photo" et la remplace par l'idée d'utiliser la lumière pour "faire une photo" sur une surface sensible à la lumière, ou de permettre autrement à une composition visuelle de voir le jour à travers une combinaison de lumière, d'une surface, d'une caméra, de produits chimiques ou d'autres matériaux. Les photographies concrètes pourraient être considérées comme pures dans le sens où leur mission n'est pas de faire référence à autre chose, mais plutôt de permettre à quelque chose d'auto-référentiel de voir le jour. Ici, nous examinons les méthodes de sept des artistes présentés dans Peindre avec la lumière : Richard Caldicott, Gottfried Jäger, Luuk de Haan, Jessica Eaton, Tenesh Webber, Sheree Hovsepian et Alison Rossiter. Chacun de ces artistes possède une méthode unique et s'efforce d'atteindre un objectif idiosyncratique. Et pourtant, chacun suit également un fil conceptuel similaire : la croyance qu'une photographie ne doit pas être un enregistrement de quoi que ce soit d'autre que de sa propre existence, ou des matériaux et des processus de sa propre création.

Richard Caldicott

Richard Caldicott utilise parfois un appareil photo analogique dans le cadre de son processus, mais ses photogrammes et photographies ne sont pas ancrés dans l'intention de documenter. Au lieu de cela, Caldicott construit méticuleusement des compositions qui sont minimales, colorées, géométriques et autoréférentielles. Dans l'une de ses séries, par exemple, il crée un tirage photogramme à partir d'un négatif en papier découpé, puis affiche le tirage et le négatif côte à côte dans un diptyque, soulevant des questions sur la nature de l'objet et du sujet en photographie, et critiquant de manière fantaisiste où pourraient se situer les points de départ et d'arrivée du processus photographique.

Richard Caldicott - Sans titre 110/5, 1999. C-Print. 35,5 x 27,9 cm

Gottfried Jäger

Le père de la "Photographie Générative", Gottfried Jäger est considéré comme l'un des pionniers les plus importants de la Photographie Concrète. Jäger aborde la création d'une photographie non pas du point de vue de la représentation des formes du monde naturel, mais plutôt à partir d'un système mathématique qu'il conçoit, qui détermine ensuite l'évolution de l'image. Malgré leur rejet de l'imagerie naturelle, ses Photographies Génératives révèlent des systèmes fantastiques et complexes qui évoquent néanmoins les aspects les plus essentiels sous-jacents de l'univers physique.

Luuk de Haan

Dans un retournement conceptuel des tendances contemporaines, Luuk de Haan commence son processus sur un ordinateur et le termine avec un appareil photo. Il crée une composition minimale et géométrique à l'aide d'un logiciel numérique, puis photographie l'image directement depuis l'écran de l'ordinateur. En modifiant les conditions d'éclairage sous lesquelles la photographie est prise, et en effectuant des mouvements gestuels avec l'appareil photo, il obtient des résultats inattendus qui donnent un sens de dynamisme à ses compositions.

Luuk De Haan - deux carrés reliés 1, 2013. Unique. Encre Ultrachrome HD sur papier Hahnemühle. 42 x 57,8 cm

Jessica Eaton

À l'aide d'un appareil photo grand format traditionnel, Jessica Eaton utilise des techniques telles que le flou de mouvement et les expositions multiples pour créer des compositions ultra-lumineuses qui font souvent référence aux langages visuels de l'histoire de l'art moderniste. Elle utilise le procédé photographique lui-même pour défier son rôle d'indexeur. Plutôt que de contempler le sujet de ses photographies ou les méthodes utilisées dans leur création, ses tirages invitent les spectateurs dans un royaume visuel transcendant et conceptuel.

Tenesh Webber

Pour créer ses photographies sans caméra, Tenesh Webber superpose du fil, du papier, des objets faits main et des feuilles de verre marquées sur du papier photosensible, qu'elle expose ensuite à la lumière dans une chambre noire. Les photogrammes résultants enregistrent une image négative des matériaux physiques utilisés dans leur création. L'image finale va au-delà d'un simple enregistrement des matériaux et des processus. Des motifs, des lignes, des formes et des vides conspirent pour créer un sens de profondeur et de complexité, évoquant des pensées sur l'immensité des mondes physique et conceptuel.

Tenesh Webber -Shift, 2004. Photographie en noir et blanc. 20,5 x 20,5 cm

Sheree Hovsepian

Plutôt que de donner du poids à l’idée qu’une photographie peut raconter une histoire complète, Sheree Hovsepian souligne le fait que même la photographie la plus réaliste ne révèle que des fragments de vérité. Ses photogrammes sont créés en exposant sélectivement à la lumière des zones de papier photosensible. Elle expose parfois l'objet image résultant seul, et d'autres fois utilise l'épreuve à la gélatine argentique comme élément unique dans un assemblage plus vaste, qui pourrait également inclure une gamme de matériaux comme du nylon, des épingles, des clous, de la ficelle, du bois, du ruban adhésif ou objets trouvés.

Alison Rossiter

À certains égards, Allison Rossiter pourrait être décrite davantage comme une chercheuse d’images que comme une créatrice d’images. Depuis 2007, Rossiter collecte des rouleaux de films périmés et inutilisés, remontant parfois à près d'un siècle. Elle imprime le film non exposé, permettant aux éléments picturaux de se manifester alors que les ravages du temps s'expriment sur le papier. Les images obsédantes et dramatiques qui émergent de ce processus pourraient être considérées comme une collaboration entre le fabricant du film, celui qui l'a stocké et manipulé au fil des décennies, et Rossiter, qui prend les décisions esthétiques et techniques concernant le moment et la manière dont l'image finale arrive. en être.

Peinture avec la lumière sera exposée du 17 janvier au 23 février 2019 à la Yossi Milo Gallery, 245 Tenth Avenue, dans le quartier de Chelsea à New York.

Image en vedette : Liz Nielsen - Stone Arch Toro, 2018, photogramme chromogénique analogique, unique, sur Fujiflex, 30 x 40. © Liz Nielsen. Avec l'aimable autorisation de la Danziger Gallery, New York
Par Phillip Barcio