Les sculptures humaines de Jonathan Borofsky

Lorsqu'il a commencé sa carrière artistique dans les années 1960, Jonathan Borofsky aspirait à trouver un moyen d'unifier le minimalisme et le pop art ; fusionner des notions essentiellement abstraites comme la pureté et la simplicité avec un langage visuel qui pourrait plaire au grand public. Au fil des années, Borofsky a parcouru de nombreuses œuvres distinctes à la recherche de cet objectif insaisissable. Une idée qu'il a poursuivie concernait les nombres, qui, selon lui, ont une sorte de pouvoir quasi spirituel : ils relient les personnes, les lieux et les choses de manière concrète et déterminent tous les aspects des domaines physique et métaphysique. Pendant des années, Borofsky a noté son décompte croissant chaque jour et a réalisé plusieurs œuvres d'art indiquant simplement le numéro sur lequel il se trouvait à un moment donné. Il a signé d'autres œuvres d'art qui semblaient autrement sans rapport avec des chiffres, non pas avec sa signature, mais avec son décompte numérique du jour où l'œuvre était terminée. En plus de ses séries de numéros, Borofsky a créé un ensemble d'œuvres basées sur des déclarations textuelles simples faites sur des surfaces bidimensionnelles, comme des signes. Un autre ensemble d'œuvres recréait des images et des objets que Borofsky voyait dans ses rêves. Chacune de ces expériences abordait diversement les notions d'abstraction et de figuration. Chacun, à sa manière, était à la fois hautement conceptuel et tout à fait littéral. Pourtant, aucun n’a vraiment réalisé ce qu’il désirait – une incarnation du minimalisme et du pop art qui pourrait être instantanément comprise. Borofsky a finalement atteint son objectif en se concentrant sur ce qui est peut-être le sujet le plus modeste imaginable : la forme humaine. En commençant par des sculptures à petite échelle pour les galeries, en passant par des installations complexes mettant en scène des centaines de formes humaines, pour finalement s'étendre au domaine public, Borofsky a créé un corps massif de sculptures humaines. Beaucoup de spectateurs qui rencontrent ces sculptures les lisent comme de simples œuvres figuratives, et pourtant, répondant à son ambition, beaucoup d'autres y trouvent également des qualités qui révèlent les mystères amples et complexes du monde invisible.

Essence matérielle et picturale

L'une des manières les plus évidentes par lesquelles Borofsky a unifié les méthodes du Minimalisme avec celles du Pop Art est en dotant ses sculptures humaines d'une essence matérielle succincte. Les matériaux et les processus sont des aspects clés de l'éthique minimaliste. Des artistes comme Donald Judd valorisaient des matériaux industriels tels que le métal, le plastique et le béton pour leurs qualités impersonnelles, qui, par leur nature, rejetaient la virtuosité en déguisant la "main de l'artiste". Les processus industriels sont également préférés par les artistes minimalistes car ils démocratisent l'art. Au lieu qu'une œuvre d'art soit idolâtrée en raison de sa rareté, elle peut être appréciée pour le fait qu'elle pourrait être reproduite à l'infini – un véritable reflet de l'ère moderne. Avec la défaite de la virtuosité et de la rareté, le minimalisme prône également la simplicité, cherchant à atteindre la pureté par l'élimination des détails superflus. Bien que ses sculptures humaines prennent une grande variété de qualités physiques et visuelles, Borofsky veille toujours à choisir des matériaux et des processus industriels et à simplifier ses formes, s'assurant que l'œuvre exprime ces trois idéaux minimalistes : démocratie, abondance et pureté.

Jonathan Borofsky - Walking Man, 17 mètres de haut, structure intérieure en acier avec coque extérieure en fibre de verre. Installation permanente, bâtiment Munich Re, Munich, Allemagne, 1995. © Jonathan Borofsky

Une différence essentielle entre le Pop Art et le Minimalisme est que les artistes minimalistes ont tendance presque exclusivement à réaliser des œuvres non narratives et non figuratives, tandis que les artistes pop ont tendance à faire exactement le contraire, en prenant effrontément le contenu narratif et figuratif directement de la culture populaire. De la manière la plus générale possible, la figure humaine peut être considérée comme l’exemple ultime d’un objet culturel approprié. Mais Borofsky ne s’arrête pas là. Pour ses sculptures humaines, il recherche des manifestations particulières de la figure humaine qui se rapportent à la culture populaire d'autres manières, ajoutant à l'œuvre des couches qui se rapportent non seulement à l'humanité en général, mais à des moments humains spécifiques. Souvent, les éléments les plus narratifs de l’œuvre révèlent les aspects les plus cachés, et parfois les plus cyniques, de la nature humaine. Par exemple, une sculpture humaine qu’il a installée une fois à Los Angeles fait référence à des athlètes s’enlaçant après un match. Faisant partie de la série « Molecule Men », la sculpture présente des centaines de trous percés à travers les formes. Un critique l'a grossièrement interprété comme un monument destiné à éviter les fusillades, considérant les trous comme des impacts de balle et supposant que le métal noirci était une déclaration sur la race.

Jonathan Borofsky - Tour du Peuple. 20 mètres de haut, en acier peint. Installation permanente, Parc olympique, Pékin, Chine, 2008. © Jonathan Borofsky

Tout sur les relations

À certains égards, avec ses sculptures humaines, on pourrait dire que Borofsky imite, ou du moins s'efforce d'imiter, l'ensemble du potentiel humain. Même lorsqu’il distingue un acte humain spécifique, comme avec ses sculptures « Hammering Man » qui montrent une personne engagée dans l’acte quotidien d’un travail manuel, il parvient à évoquer les deux extrêmes du spectre de la culture humaine. D’un point de vue matériel, le « Hammering Man » est extrêmement austère. Toutefois, compte tenu de son ampleur et de ses ramifications politiques potentielles, elle est potentiellement ostentatoire. En présentant la combinaison des deux extrêmes dans le cadre de la figure humaine, Borofsky invite les spectateurs à spéculer non seulement sur ce qu'est la sculpture, mais aussi sur ce qu'elle représente pour eux. Cette vaste déclaration sociale fait écho aux mots de Walt Whitman : « Je contient des multitudes ».

Jonathan Borofsky - Hammering Man, Musée d'art de Seattle. © Jonathan Borofsky

Le plus fascinant est de voir comment les éléments les plus abstraits des sculptures humaines finissent souvent par influencer le récit public qui évolue autour de l’œuvre. Dans le cas de la sculpture de Los Angeles mentionnée précédemment, la couleur et la forme – deux des éléments les plus abstraits de l’œuvre – sont devenues plus importantes que la véritable histoire derrière l’œuvre. Pendant ce temps, d’autres œuvres, comme celles de la série « People Walking to the Sky », présentent d’énormes poteaux diagonaux en argent sur lesquels de petites formes humaines marchent vers le haut. Le sujet narratif est facilement identifiable, mais ce qui donne à l’œuvre sa puissance et sa présence, ce sont ses fortes qualités linéaires et sa finition métallique. Ces aspects définissent la relation de l'œuvre avec l'architecture environnante. Ils définissent également sa relation avec le spectateur, car nous réalisons que ce que nous regardons réellement est le reflet de nous-mêmes. C’est nous qui traversons un terrain facile à décrire tout en marchant joyeusement vers l’inconnu.

Image en vedette : Jonathan Borofsky - Les structures humaines et la lumière de la conscience. Jardins et parc de sculptures Frederik Meijer - 30 janvier - 10 mai 2009. © Jonathan Borofsky
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio