Les sculptures humaines de Jonathan Borofsky

Lorsqu'il a commencé sa carrière artistique dans les années 1960, Jonathan Borofsky aspirait à trouver un moyen d'unifier le minimalisme avec l'art populaire ; fusionner des notions essentiellement abstraites comme la pureté et la simplicité avec un langage visuel pouvant toucher un large public. Au fil des années, Borofsky a traversé de nombreux ensembles d'œuvres distincts à la recherche de cet objectif insaisissable. Une idée qu'il a poursuivie concernait les nombres, qu'il considère comme ayant une sorte de pouvoir quasi spirituel : ils relient les personnes, les lieux et les choses de manière concrète et déterminent chaque aspect des domaines physique et métaphysique. Pendant des années, Borofsky notait son compte croissant chaque jour et réalisait plusieurs œuvres qui indiquaient simplement le nombre auquel il en était à un moment donné. Il signait d'autres œuvres apparemment sans rapport avec les nombres non pas avec sa signature, mais avec son décompte numérique du jour où l'œuvre était terminée. En plus de sa série de nombres, Borofsky a créé un ensemble d'œuvres basées sur des déclarations simples, textuelles, faites sur des surfaces bidimensionnelles, comme des panneaux. Un autre ensemble d'œuvres recréait des images et objets que Borofsky voyait dans ses rêves. Chacune de ces expériences touchait à divers degrés aux notions d'abstraction et de figuration. Chacune, à sa manière, était à la fois très conceptuelle et tout à fait littérale. Pourtant, aucune n'a vraiment atteint ce qu'il désirait – une incarnation du minimalisme et de l'art populaire pouvant être comprise instantanément. Borofsky a finalement atteint son but en se concentrant sur ce qui est peut-être le sujet le plus modeste imaginable : la forme humaine. Commençant par de petites sculptures pour galeries, passant à des installations complexes comprenant des centaines de formes humaines, puis s'étendant enfin dans le domaine public, Borofsky a créé un vaste ensemble de sculptures humaines. Nombre des spectateurs qui rencontrent ces sculptures les lisent comme des œuvres figuratives simples, et pourtant, en accomplissement de son ambition, beaucoup d'autres y trouvent aussi des qualités révélant les vastes et complexes mystères du monde invisible.

Essence matérielle et picturale

L'une des manières les plus évidentes par lesquelles Borofsky a uni les méthodes du minimalisme à celles de l'art populaire est en dotant ses sculptures humaines d'une essence matérielle succincte. Les matériaux et les procédés sont des aspects clés de l'esprit minimaliste. Des artistes comme Donald Judd appréciaient les matériaux industriels tels que le métal, le plastique et le béton pour leurs qualités impersonnelles, qui par nature rejetaient la virtuosité en dissimulant la « main de l'artiste ». Les procédés industriels sont également préférés par les artistes minimalistes car ils démocratisent l'art. Au lieu qu'une œuvre soit idolâtrée pour sa rareté, elle peut être appréciée pour le fait qu'elle pourrait être reproduite à l'infini – un véritable reflet de l'époque moderne. Avec la défaite de la virtuosité et de la rareté, le minimalisme prône aussi la simplicité, cherchant à atteindre la pureté par l'élimination des détails superflus. Bien que ses sculptures humaines prennent une grande variété de qualités physiques et visuelles, Borofsky prend toujours soin de choisir des matériaux et procédés industriels et de simplifier ses formes, garantissant que l'œuvre exprime ces trois idéaux minimalistes : démocratie, abondance et pureté.

Jonathan Borofsky - Homme qui marche, 17 mètres de haut, structure intérieure en acier avec coque extérieure en fibre de verre. Installation permanente, bâtiment Munich Re, Munich, Allemagne, 1995. © Jonathan Borofsky

Une différence essentielle entre l'art populaire et le minimalisme est que les artistes minimalistes tendent presque exclusivement à créer des œuvres non narratives, non figuratives, tandis que les artistes populaires font généralement le contraire, prenant hardiment des contenus narratifs et figuratifs directement issus de la culture populaire. De la manière la plus générale possible, la figure humaine peut être considérée comme l'exemple ultime de sujet culturel approprié. Mais Borofsky ne s'arrête pas là. Pour ses sculptures humaines, il cherche des manifestations particulières de la figure humaine qui se rapportent à la culture populaire d'autres façons, ajoutant des couches à l'œuvre qui concernent non seulement l'humanité en général, mais des moments humains spécifiques. Souvent, les éléments les plus narratifs de l'œuvre révèlent les aspects les plus cachés, et parfois les plus cyniques, de la nature humaine. Par exemple, une sculpture humaine qu'il a installée à Los Angeles fait référence à des athlètes s'embrassant après un match. Faisant partie de la série « Molecule Men », la sculpture présente des centaines de trous percés dans les formes. Un critique l'a interprétée grossièrement comme un monument aux fusillades en voiture, voyant les trous comme des impacts de balles et supposant que le métal assombri était une déclaration sur la race.

Jonathan Borofsky - Tour de personnes. 20 mètres de haut, acier peint. Installation permanente, Parc olympique, Pékin, Chine, 2008. © Jonathan Borofsky

Tout est question de relations

À certains égards, avec ses sculptures humaines, on pourrait dire que Borofsky imite, ou du moins s'efforce d'imiter, toute l'étendue du potentiel humain. Même lorsqu'il met en avant un acte humain spécifique, comme avec ses sculptures « Homme martelant » montrant une personne engagée dans l'acte quotidien du travail manuel, il parvient à évoquer les deux extrêmes du spectre de la culture humaine. Sur le plan matériel, « Homme martelant » est extrêmement austère. En termes d'échelle et de ramifications politiques potentielles, cependant, il peut être ostentatoire. En présentant la combinaison des deux extrêmes dans le cadre de la figure humaine, Borofsky invite les spectateurs à réfléchir non seulement à ce qu'est la sculpture, mais à ce qu'elle représente pour eux. Cette large déclaration sociale fait écho aux mots de Walt Whitman : « Je contiens des multitudes. »

Jonathan Borofsky - Homme martelant, Musée d'art de Seattle. © Jonathan Borofsky

Ce qui est le plus fascinant, c'est que les éléments les plus abstraits des Sculptures humaines finissent souvent par être ceux qui influencent le plus le récit public qui évolue autour de l'œuvre. Dans le cas de la sculpture de Los Angeles mentionnée précédemment, la couleur et la forme – deux des éléments les plus abstraits de la pièce – sont devenus plus importants que la véritable histoire derrière l'œuvre. Par ailleurs, d'autres œuvres, comme celles de la série « People Walking to the Sky », présentent d'immenses poteaux diagonaux argentés avec de petites formes humaines marchant vers le haut dessus. Le sujet narratif est facilement accessible, mais ce qui donne à l'œuvre sa puissance et sa présence, ce sont ses fortes qualités linéaires et sa finition métallique. Ces aspects définissent la relation de l'œuvre à l'architecture environnante. Ils définissent aussi sa relation aux spectateurs, car nous réalisons que ce que nous regardons vraiment est un reflet de nous-mêmes. Nous sommes ceux qui parcourons un chemin facilement décrit tout en marchant joyeusement vers l'inconnu.

Image en vedette : Jonathan Borofsky - Structures humaines et la lumière de la conscience. Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park - 30 janvier - 10 mai 2009. © Jonathan Borofsky
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio