Quand Piero Manzoni faisait de l'art abstrait avec des Achromes

Le 14 février 2019, Hauser & Wirth Los Angeles ouvrira une exposition consacrée aux « Achromes » de Piero Manzoni. Intitulée Piero Manzoni : Matériaux de son temps, et organisée par Rosalia Pasqualino di Marineo, directrice de la Fondation Piero Manzoni à Milan, l'exposition offre une occasion rare au public américain de se confronter à un corps légendaire d'art conceptuel. Commencés en 1957, les Achromes ont joué un rôle essentiel dans l'exaltation de l'avant-garde italienne durant le soi-disant « miracle économique italien », une période de reconstruction après la Seconde Guerre mondiale où la vie quotidienne et le niveau de vie des Italiens ont changé plus rapidement et plus dramatiquement que jamais auparavant. C'était une époque où des millions de migrants économiques affluaient des campagnes vers les villes, provoquant des changements irrévocables dans l'architecture, le flux de circulation, les habitudes alimentaires et de consommation, et bien sûr dans les arts et la culture. Né en 1933, Manzoni s'est affirmé en tant qu'artiste au milieu de cette époque. Son monde brisé était marqué par le traumatisme, l'incertitude et une peur omniprésente de la guerre nucléaire. Sa première exposition, tenue en 1956, se composait de peintures figuratives hantées d'objets quotidiens réduits à l'ombre, sur des fonds de lueurs ardentes et radioactives. Cependant, tout dans sa méthode a changé en 1957, lorsqu'une exposition de peintures monochromes bleues d'Yves Klein est arrivée à Milan. Manzoni a vu l'exposition comme un appel aux armes. Il a abandonné sa recherche de l'image peinte, se consacrant plutôt à une quête de ce qui pourrait être considéré comme un véritable art, ou un art qui incarnait l'originalité et l'intemporalité de la nature. Ses Achromes étaient un premier pas vers quelque chose de complètement original. Ils ont conduit Manzoni vers le développement de chaque autre corps de travail qu'il a créé, et l'ont mis sur la voie pour devenir l'un des artistes les plus influents du XXe siècle.

La surface incolore

Manzoni avait créé et exposé des œuvres d'art blanches solides – ce que nous appelons maintenant sa série "Achrome" – pendant deux ans avant de finalement trouver le nom "Superfici Acrome", ou Surface Incolore, en 1959. Il y a de l'ironie dans ce nom. Les scientifiques considèrent l'absence de couleur comme une noirceur, et non une blancheur, puisque la couleur nécessite de la lumière pour être perçue, et le noir absorbe toute la lumière. Les premières soi-disant Surfaces Incolores que Manzoni a réalisées ont été créées en recouvrant simplement des toiles de gesso blanc, un pigment blanc crayeux normalement utilisé par les peintres pour préparer une surface à peindre. En appliquant simplement du gesso sur une toile et en l'appelant terminée, Manzoni a surpassé Yves Klein, qui avait beaucoup accompli en réduisant la peinture à une seule teinte, mais laissait encore place à la simplification.

Piero Manzoni- Achrome, 1961. Fibre synthétique. 42 x 33 cm / 16 1/2 x 13 po. Musée d'art contemporain de Herning (COEUR). Photo : Soren Krogh. © Fondation Piero Manzoni, Milan

Même après avoir complètement éliminé la teinte, Manzoni a constaté que la marque de sa main était toujours visible sur l'œuvre, puisqu'il avait appliqué le gesso sur la surface. Il avait envie de quelque chose d'irreproductible, de véritablement original, ce qui l'obligeait à se retirer de l'œuvre et à laisser la nature s'exprimer sans interférence. Pour ses Achromes suivants, il verse du kaolin liquide, une substance semblable à de l'argile blanche, sur des feuilles de toile brute, puis laisse le poids du médium manipuler la surface à volonté. Au fil du temps, le matériau a provoqué le plissement et la déformation de la surface, à la manière du lit rongé par l'eau d'une rivière ou des crêtes balayées par le vent d'un désert de sable. Mais même cette intervention semblait de trop pour Manzoni. Dans sa recherche d'un Achrome qui cachait complètement les traces de sa présence, il a recouvert des petits pains de kaolin, enduit des feuilles de polystyrène de peinture phosphorescente et cousu des sections de toile blanche ensemble pour former une grille. Ses tentatives les plus réussies furent peut-être les Achromes qui utilisaient des matériaux déjà blancs, comme le coton, la fibre de verre et la fourrure de lapin. Pour ceux-là, il organisait simplement des compositions puis laissait la matière parler d'elle-même.

Piero Manzoni - Achrome, 1961. Ouate carrée en coton et chlorure de cobalt. 56,2 x 47,2 cm / 22 1/8 x 18 5/8 po. Musée d'art contemporain de Herning (COEUR). Photo : Soren Krogh. © Fondazione Piero Manzoni, Milan

Vraiment vrai

Ce que Manzoni espérait accomplir avec son « Superfici Acrome » était quelque chose de vraiment vrai : l’expression artistique de la tautologie – quelque chose de si original qu’elle continue à exprimer sa vérité inhérente de manière redondante, quelle que soit la réaction de chacun. La gravité est tautologique, tout comme le passage du temps. C’est indéniable, authentique et complètement unique. Certains artistes pensent que la création d’un art tautologique est un objectif futile et impossible. Ils croient que dès qu’une idée humaine se manifeste dans le monde physique, elle révèle son caractère artificiel, devenant une parodie de la nature et de la vérité plutôt qu’un représentant de celle-ci. Manzoni n’était cependant pas si cynique. Il croyait qu'il était possible de créer des œuvres d'art inimitables et, outre ses Achromes, il s'est efforcé d'atteindre cet objectif avec plusieurs autres œuvres.

Piero Manzoni - Achrome, v. 1960. Ouate. 31 x 25 cm / 12 1/4 x 9 7/8 po. Avec l'aimable autorisation de la Fondazione Piero Manzoni, Milan et Hauser & Wirth. Photo : Geneviève Hanson. © Fondation Piero Manzoni, Milan

Dans une série intitulée « Fiato d'Artista » (Souffle d'un artiste), il vendait des ballons qui pouvaient être gonflés soit par l'acheteur, soit par l'artiste, le prix augmentant en conséquence dans le second cas. Le souffle emprisonné dans chaque ballon était irreproductible, et la taille et la forme exactes de chaque ballon étaient uniques. Mieux encore, ces œuvres se sont estompées avec le temps, libérant finalement leur précieuse marchandise par un processus naturel d’autodestruction. Dans une autre série intitulée « Consommation de l’art par le public dévoreur d’art », Manzoni a imprimé sa propre empreinte digitale sur des œufs qu’il a ensuite invité les spectateurs à consommer avec lui. Pour sa « Sculture viventi » (Sculptures vivantes), il fait appel à des êtres humains pour lui permettre de signer leur corps. Et dans le cas de sa série la plus tristement célèbre, « Merda d’Artista » (Merde d’artiste), Manzoni a séché et emballé 90 boîtes de ses propres excréments puis les a vendues au prix actuel de l’or. Cependant, Manzoni s'est peut-être le plus rapproché de son objectif d'inimitable lorsqu'il a créé le «Socle du Monde», un socle à l'envers situé dans un champ au Danemark. En présentant le monde entier comme une œuvre d'art, cette pièce suggère que ce n'est qu'en acceptant l'autorité finale de la nature qu'un artiste peut véritablement exprimer sa vérité.

Piero Manzoni Matériaux de Son Temps sera exposé à Hauser & Wirth Los Angeles du 14 février au 7 avril 2019.

Image présentée : Piero Manzoni - Achrome, 1961. Paille, poudre réfléchissante et kaolin, socle en bois brûlé. 68,3 x 45,8 x 44,5 cm / 26 7/8 x 18 x 17 1/2 po. Musée d'art contemporain de Herning (COEUR). Photo : Soren Krogh. © Fondazione Piero Manzoni, Milan
Par Phillip Barcio