Quand Piero Manzoni faisait de l'art abstrait avec des Achromes
Le 14 février 2019, Hauser & Wirth Los Angeles ouvrira une exposition consacrée aux « Achromes » de Piero Manzoni. Intitulée Piero Manzoni : Matériaux de son temps, et organisée par Rosalia Pasqualino di Marineo, directrice de la Fondation Piero Manzoni à Milan, l'exposition offre une rare occasion au public américain de découvrir de près un ensemble légendaire d'art conceptuel. Commencés en 1957, les Achromes ont joué un rôle clé dans l'essor de l'avant-garde italienne durant ce que l'on appelle le « miracle économique italien », une période de reconstruction après la Seconde Guerre mondiale où la vie quotidienne et le niveau de vie des Italiens ont changé plus vite et plus profondément que jamais auparavant. C'était une époque où des millions de migrants économiques affluaient des campagnes vers les villes, provoquant des changements irréversibles dans l'architecture, la circulation, les habitudes alimentaires et bien sûr les arts et la culture. Né en 1933, Manzoni s'est affirmé comme artiste au cœur de cette époque. Son monde brisé était marqué par le traumatisme, l'incertitude et une peur constante de la guerre nucléaire. Sa première exposition, tenue en 1956, présentait des peintures figuratives hantées d'objets quotidiens réduits à l'ombre, sur des fonds de lueurs ardentes et radioactives. Cependant, tout son procédé a changé en 1957, lorsqu'une exposition de peintures monochromes bleues d'Yves Klein est arrivée à Milan. Manzoni a vu cette exposition comme un appel aux armes. Il a abandonné sa recherche de l'image peinte pour se consacrer à la quête de ce qui pouvait être considéré comme le véritable art, ou un art incarnant l'originalité et l'intemporalité de la nature. Ses Achromes furent une première étape vers quelque chose de totalement original. Ils ont conduit Manzoni au développement de toutes ses autres séries d'œuvres, et l'ont mis sur la voie pour devenir l'un des artistes les plus influents du XXe siècle.
La surface incolore
Manzoni réalisait et exposait des œuvres blanches unies – ce que nous appelons aujourd'hui sa série « Achrome » – depuis deux ans avant de finalement trouver le nom « Superfici Acrome », ou Surface Incolore, en 1959. Il y a une ironie dans ce nom. Les scientifiques considèrent l'absence de couleur comme du noir, non du blanc, puisque la couleur nécessite la lumière pour être perçue, et le noir absorbe toute la lumière. Les premières surfaces dites incolores que Manzoni a créées consistaient simplement à recouvrir des toiles de gesso blanc, un pigment blanc crayeux normalement utilisé par les peintres pour préparer une surface à la peinture. En appliquant simplement du gesso sur une toile et en la déclarant terminée, Manzoni surpassait Yves Klein, qui avait accompli beaucoup en réduisant la peinture à une seule teinte, mais laissait encore place à la simplification.
Piero Manzoni - Achrome, 1961. Fibre synthétique. 42 x 33 cm / 16 1/2 x 13 po. Musée d'art contemporain de Herning (HEART). Photo : Søren Krogh. © Fondazione Piero Manzoni, Milan
Même après avoir éliminé totalement la teinte, Manzoni constata que la trace de sa main restait visible dans l'œuvre, puisqu'il avait appliqué le gesso sur la surface. Il aspirait à quelque chose d'irréprochable, véritablement original, ce qui signifiait qu'il devait s'effacer de l'œuvre et laisser la nature s'exprimer librement, sans son intervention. Pour ses Achromes suivants, il versa du kaolin liquide, une substance blanche semblable à de l'argile, sur des toiles brutes puis laissa le poids du médium manipuler la surface à sa guise. Avec le temps, le médium fit plier et déformer la surface de manière similaire au lit d'une rivière usé par l'eau ou aux crêtes balayées par le vent dans un désert de sable. Mais même cette intervention semblait trop pour Manzoni. Dans sa quête d'un Achrome qui cacherait complètement toute trace de sa présence, il recouvrit des petits pains de kaolin, enduisit des feuilles de polystyrène de peinture phosphorescente, et cousit des sections de toile blanche en une grille. Ses tentatives les plus réussies furent peut-être les Achromes utilisant des matériaux déjà blancs, tels que le coton, la fibre de verre et la fourrure de lapin. Pour ceux-ci, il se contenta d'organiser les compositions puis laissa le matériau s'exprimer lui-même.
Piero Manzoni - Achrome, 1961. Carré de ouate de coton et chlorure de cobalt. 56,2 x 47,2 cm / 22 1/8 x 18 5/8 po. Musée d'art contemporain de Herning (HEART). Photo : Søren Krogh. © Fondazione Piero Manzoni, Milan
Véritablement vrai
Ce que Manzoni espérait accomplir avec ses « Superfici Acrome » était quelque chose de véritablement vrai : l'expression artistique de la tautologie – quelque chose d'aussi original qu'il continue à exprimer sa vérité inhérente de manière redondante pour toujours, peu importe la réaction de quiconque. La gravité est tautologique, tout comme le passage du temps. C'est indéniable, authentique et totalement unique. Certains artistes pensent que créer un art tautologique est un but vain, impossible. Ils croient que dès qu'une idée humaine se manifeste dans le monde physique, elle révèle son artificialité, devenant une parodie de la nature et de la vérité plutôt qu'une représentation de celles-ci. Manzoni n'était pas aussi cynique. Il croyait qu'il était possible de créer des œuvres d'art inimitables, et en plus de ses Achromes, il s'efforça d'atteindre cet objectif avec plusieurs autres séries d'œuvres.
Piero Manzoni - Achrome, vers 1960. Ouate de coton. 31 x 25 cm / 12 1/4 x 9 7/8 po. Avec l'aimable autorisation de la Fondazione Piero Manzoni, Milan et Hauser & Wirth. Photo : Genevieve Hanson. © Fondazione Piero Manzoni, Milan
Dans une série intitulée « Fiato d'Artista » (Souffle d'un artiste), il vendait des ballons que l'acheteur pouvait gonfler lui-même ou que l'artiste gonflait, le prix augmentant dans ce second cas. Le souffle emprisonné dans chaque ballon était irréprochable, et la taille et la forme exactes de chaque ballon étaient uniques. Mieux encore, ces œuvres s'estompaient avec le temps, libérant finalement leur précieux contenu par un processus naturel d'autodestruction. Dans une autre série appelée « Consommation de l'art par le public dévoreur d'art », Manzoni imprimait son propre empreinte digitale sur des œufs qu'il invitait ensuite les spectateurs à consommer avec lui. Pour ses « Sculture viventi » (Sculptures vivantes), il faisait appel à des êtres humains pour lui permettre de signer leur corps. Et dans le cas de sa série la plus célèbre, « Merda d’Artista » (Merde d'artiste), Manzoni sécha et emballa 90 boîtes de ses propres excréments qu'il vendit au prix courant de l'or. Peut-être que le plus proche que Manzoni ait jamais été de réaliser son but d'inimitabilité fut lorsqu'il créa le « Socle du Monde », un socle renversé installé dans un champ au Danemark. En présentant le monde entier comme une œuvre d'art, cette pièce suggère que ce n'est qu'en acceptant l'autorité finale de la nature qu'un artiste peut véritablement exprimer sa vérité.
Piero Manzoni Matériaux de son temps sera visible à Hauser & Wirth Los Angeles du 14 février au 7 avril 2019.
Image en vedette : Piero Manzoni - Achrome, 1961. Paille, poudre réfléchissante et kaolin, socle en bois brûlé. 68,3 x 45,8 x 44,5 cm / 26 7/8 x 18 x 17 1/2 po. Musée d'art contemporain de Herning (HEART). Photo : Søren Krogh. © Fondazione Piero Manzoni, Milan
Par Phillip Barcio
