Parcourir les œuvres du domaine de l’art abstrait numérique

Le développement rapide de la technologie numérique a eu un impact profond sur tous les aspects de notre existence et l'art n'a guère pu échapper à son influence perturbatrice. L'art d'aujourd'hui émerge par un clic de souris - ou plus récemment, par un toucher sur l'écran - tandis que les logiciels et les applications permettant aux artistes de créer dans le domaine numérique se multiplient à un rythme explosif. Grâce à sa nature non représentative et non mimétique, l'art abstrait a tiré le meilleur parti de cette transformation technologique sans précédent. L'art abstrait numérique prospère alors que de nouvelles fonctionnalités logicielles offrent une myriade de choix esthétiques captivants - à portée de clic. Le logiciel est indéniablement le lieu central de l'art abstrait numérique et il a aidé à élargir les horizons de la créativité de manière inégalée. Bien que de nombreux artistes mélangent le numérique avec la peinture traditionnelle, la sculpture ou la photographie, ils ont finalement recours au logiciel pour construire l'essence de leur travail et explorer de nouvelles frontières artistiques. Alors que Photoshop, Adobe Illustrator et Corel Painter étaient largement utilisés par des illustrateurs et photographes réalistes et figuratifs, beaucoup de ses filtres (comme Photoshop Wave) sont notoires pour créer une immense variété de motifs abstraits. Cependant, beaucoup croient que seuls des algorithmes génératifs pourraient créer un véritable art abstrait (basé sur le code) et le nombre croissant d'outils, de programmes, de frameworks et de langages est déployé pour accueillir cette croyance. Chez IdeelArt, nous accueillons des artistes qui décrivent leur travail comme de l'art des nouveaux médias et utilisent la technologie numérique la plus divergente pour le créer. Cette semaine, nous présentons fièrement cinq œuvres d'art abstrait numérique les plus captivantes que vous pouvez ajouter à votre collection.

Luuk de Haan - Rue 26

Partie de sa série vectorielle Straec, Straec 26 incarne le sens original capturé dans un mot vieil anglais stræc - quelque chose qui est rigide après avoir été étiré - car ses images semblent étirées mais rigides. De Haan a expérimenté l'idée des vecteurs dans sa précédente série abstraite géométrique, puisque les vecteurs, en tant que quantité mathématique, communiquent une trajectoire vers un point dans un espace tridimensionnel. Son processus créatif commence par le choix d'une palette de couleurs, puis utilise un logiciel d'imagerie pour créer des rectangles sur une surface. Ces rectangles sont le point de départ à partir duquel il se plonge dans la génération de triangles aléatoires et d'autres formes géométriques évoquant l'essence des vecteurs. Inspiré par le travail abstrait géométrique de Malevich et Mondrian, de Haan révèle avec justesse son esthétique minimaliste et une composition définie par des formes géométriques confiantes, des lignes claires, des surfaces lisses qui résonnent rapidement avec son vocabulaire visuel. De Haan est largement célébré pour son expression distincte de la création de compositions géométriques en utilisant un logiciel d'imagerie qu'il photographie directement depuis l'écran. Il modifie les conditions physiques sous lesquelles la photographie est prise, soulignant l'incertitude et l'élément erratique de surprise qui se dévoile à travers l'interaction avec l'image numérique. Les images nouvellement émergées captivent l'éloquence visuelle naturelle et organique ainsi qu'une exploration graphique rigoureuse de la forme, de la couleur, de la géométrie et de la ligne. De Haan est né à Vlaardingen, Hollande-Méridionale, Pays-Bas. Il est artiste visuel et designer sonore. Son art visuel repose sur les médiums de la photographie, du dessin et des outils numériques pour créer des compositions abstraites géométriques organiques.

Luuk De Haan - Straec 26, 2016. Art des nouveaux médias. 100 x 72,5 cm.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3

Partie de Kane’s dernière série Emanations, EM-78 Vajra 3, explore la lumière comme l'aspect le plus essentiel de la photographie. En s'interrogeant visuellement sur l'ambiguïté de la dualité du sens du mot sanskrit vajra - une arme mythique maniée par le dieu Indra qui symbolise à la fois les propriétés d'un diamant (indestructibilité) et d'un éclair (force irrésistible) - Kane scanne l'image de vajra, la floute jusqu'à ses possibilités les plus finies, puis l'étire jusqu'à ce qu'il ne reste qu'une image distillée de couleur et de forme. Il utilise méticuleusement des logiciels informatiques pour exprimer le potentiel spirituel de la lumière comme élément définissant de la photographie. Pour lui, c'est un point de départ pour des expériences perceptuelles plus larges et son intention avec la série Emanation était de traduire un phénomène spirituel unique en quelque chose de séculier, contemporain et universel. Kane est un artiste multimédia américain dont le travail intersecte les frontières de la photographie, de la peinture et de l'estampe dans le but d'examiner l'idée de ce qu'est une image et ce qu'elle peut être. Il vit et travaille en Californie, près de San Francisco.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3, 2019. Pigment sur toile. 213,36 x 60,96 x 3,81 cm.

Bill Kane - EM2020-59

Une autre œuvre de Kane qui fait partie de sa dernière série Emanations, EM2020-59, explore davantage les qualités de la lumière en tant qu'élément éthéré qui transpose les propriétés matérielles de la photographie dans le domaine métaphysique/spirituel. Une image scannée d'un thangka bouddhiste - une peinture représentant une divinité bouddhiste - est à nouveau floue et étirée, ne résultant qu'en une image distillée de couleur et de forme. Kane imprime ces images réduites sur du papier aquarelle comme des représentations élémentaires des corps de lumière des Bouddhas qui confèrent une bénédiction à ceux qui les regardent. Il interprète ces bénédictions comme des moments de tranquillité et de pleine conscience et pour susciter la même expérience de paix et de sérénité que le spectateur vit en rencontrant l'art de Rothko ou Turrell. Kane a été profondément inspiré par la notion qu'un objet inanimé créé par l'application de la technologie pouvait conférer un tel sentiment à un spectateur.

Bill Kane - EM2020-59, 2019. Pigment sur papier aquarelle. 50,8 x 50,8 cm.

Jesús Perea - M338

Dans sa quête de beauté à travers la géométrie, Perea examine la structure rationnelle qui sous-tend la nature imprévisible et affective de l'intelligence. Imprimé sur Hahnemuhle photo rag, M338 incarne la manifestation la plus unique de l'abstraction graphique de Perea. Il oscille entre illustration et expressionnisme, synthétisant le monde de la raison et le monde des émotions dans une création numérique expressive et persuasive. Située entre le géométrique et le biomorphe, une beauté mathématique de la nature émerge, révélant les mystères à la fois de la structure et de l'expression. La vibrance de ses œuvres créées numériquement évoque un sens de mouvement constant - même lorsqu'elles sont achevées, elles semblent vivantes avec du potentiel. Il chasse délibérément des images qui flottent entre le passé et le futur ; entre les mondes architectoniques et naturels. En 2018, après trois ans à n'utiliser qu'un ordinateur comme outil de composition et de création, il a ressenti le besoin de revivre le rythme et le développement de la fusion des processus créatifs manuels et numériques, et M338 illustre son retour à la mixité de ces deux royaumes dans sa quête sans fin de beauté et d'émotion pure. Perea est un artiste abstrait multidisciplinaire vivant et travaillant à Madrid, en Espagne. Avec Richard Caldicott, Luuk de Haan et Pieter Bijwaard, Perea est membre du collectif d'art abstrait contemporain Mother Universe.

Jesús Perea - M338, 2018. Création numérique, imprimée sur Hahnemuhle Photo Rag de 308 gr. 100 x 70 cm.

Paul Snell - Saigner # 202001

Cette dernière œuvre de Snell révèle des structures visuelles rythmiques et harmonieuses qui transposent le spectateur dans les profondeurs de la pensée pure. Il crée des suggestions visuelles qui traduisent la réflexion en un état authentiquement méditatif. Bleed # 202001 révèle le dynamisme des relations colorées de Snell qui découle d'une combinaison d'aspects architecturaux de ses compositions et de ses surfaces vibrantes et lumineuses. L'absence de méta-sémantique et de représentation entraîne le spectateur au cœur de la matière esthétique primale et tonale. Dans cette expérience primordiale, le spectateur est immergé dans la couleur, le rythme et l'espace qui s'ouvrent à sa réflexion interprétative, éclaircissant ainsi le chemin vers la pure transcendance. Il capture un objet ou un lieu avec un appareil photo traditionnel, décode numériquement l'information visuelle en réduisant et simplifiant les couleurs et les formes jusqu'à ce que ces éléments réduits se déploient dans leurs relations auto-référentielles. Ce processus de déploiement cartographie l'ambiguïté et les états transitoires intrinsèques au médium. Snell combine des techniques traditionnelles et numériques pour explorer les possibilités d'abstraction et de minimalisme dans la photo-média contemporaine. Il vit et travaille à Launceston, Tasmanie.

Paul Snell - Bleed # 202001, 2020. Impression chromogénique montée sur plexiglas mat de 3 mm. 180 x 115 cm.

Image à la une : Paul Snell - Bleed # 202001, 2020, vue d'installation.
Par Jovana Vuković