Parcourir les œuvres du domaine de l’art abstrait numérique

Le développement rapide de la technologie numérique a eu un impact profond sur tous les aspects de notre existence et l’art n’a guère pu échapper à son influence perturbatrice. L’art d’aujourd’hui émerge par un clic de souris - ou plus récemment, par une touche sur l’écran - tandis que les logiciels et applications permettant aux artistes de créer dans le domaine numérique se multiplient à un rythme effréné. En raison de sa nature même non représentative et non mimétique, l’art abstrait a tiré le plus grand profit de cette transformation technologique sans précédent. L’art abstrait numérique prospère alors que les nouvelles fonctionnalités des logiciels offrent une myriade de choix esthétiques captivants - à portée de clic. Le logiciel est indéniablement le centre névralgique de l’art abstrait numérique et il a permis d’élargir les horizons de la créativité de manière inégalée. Bien que de nombreux artistes mêlent le numérique à la peinture traditionnelle, à la sculpture ou à la photographie, ils recourent finalement au logiciel pour saisir l’essence de leur œuvre et explorer de nouveaux horizons artistiques. Alors que Photoshop, Adobe Illustrator et Corel Painter étaient largement utilisés par les illustrateurs et photographes réalistes et figuratifs, beaucoup de leurs filtres (comme Photoshop Wave) sont réputés pour créer une immense variété de motifs abstraits. Cependant, beaucoup estiment que seuls les algorithmes génératifs peuvent créer un véritable art abstrait (basé sur le code) et le nombre croissant d’outils, programmes, cadres et langages est déployé pour répondre à cette conviction. Chez IdeelArt, nous accueillons des artistes qui décrivent leur travail comme de l’art des nouveaux médias et utilisent les technologies numériques les plus diverses pour le créer. Cette semaine, nous présentons fièrement cinq œuvres abstraites numériques parmi les plus fascinantes que vous pouvez ajouter à votre collection.

Luuk de Haan - Straec 26

Faisant partie de sa série Straec basée sur des vecteurs, Straec 26 incarne le sens original capturé dans un mot vieil anglais stræc - quelque chose de rigide après avoir été étiré - car ses images paraissent étirées mais rigides. De Haan a expérimenté l’idée des vecteurs dans sa précédente série d’abstractions géométriques puisque les vecteurs, en tant que grandeur mathématique, indiquent une trajectoire vers un point dans un espace tridimensionnel. Son processus créatif commence par le choix d’une palette de couleurs puis l’utilisation d’un logiciel d’imagerie pour créer des rectangles sur une surface. Ces rectangles sont le point de départ d’où il génère des triangles aléatoires et d’autres formes géométriques évoquant l’essence des vecteurs. Inspiré par les œuvres abstraites géométriques de Malevich et Mondrian, de Haan révèle habilement son esthétique minimaliste et une composition définie par des formes géométriques assurées, des lignes claires, des surfaces lisses qui résonnent vivement avec son vocabulaire visuel. De Haan est largement reconnu pour son expression distincte de compositions géométriques réalisées à l’aide de logiciels d’imagerie qu’il photographie directement à l’écran. Il modifie les conditions physiques sous lesquelles la photographie est prise, mettant en avant l’incertitude et l’élément erratique de surprise qui se dévoile à travers l’interaction avec l’image numérique. Les images ainsi créées captivent par leur éloquence visuelle naturelle et organique ainsi que par une exploration graphique rigoureuse de la forme, de la couleur, de la géométrie et de la ligne. De Haan est né à Vlaardingen, en Hollande-Méridionale, aux Pays-Bas. Il est artiste visuel et concepteur sonore. Son art visuel repose sur les médiums de la photographie, du dessin et des outils numériques pour créer des compositions abstraites organiques et géométriques.

Luuk De Haan - Straec 26, 2016. Art des nouveaux médias. 100 x 72,5 cm.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3

Faisant partie de la dernière série Emanations de Kane, EM-78 Vajra 3 explore la lumière comme l’aspect le plus essentiel de la photographie. En interrogeant visuellement la dualité ambiguë du sens du mot sanskrit vajra - une arme mythique maniée par le dieu Indra qui symbolise à la fois les propriétés du diamant (indestructibilité) et du coup de tonnerre (force irrésistible) - Kane scanne l’image du vajra, la floute jusqu’à ses possibilités les plus fines puis l’étire jusqu’à ne laisser qu’une image distillée de couleur et de forme. Il utilise méticuleusement un logiciel informatique pour exprimer le potentiel spirituel de la lumière comme élément déterminant de la photographie. Pour lui, c’est un point de départ pour des expériences perceptives plus vastes et son intention avec la série Emanation était de traduire un phénomène spirituel unique en quelque chose de profane, contemporain et universel. Kane est un artiste multimédia américain dont le travail croise les frontières de la photographie, de la peinture et de la gravure dans un effort d’examiner l’idée de ce qu’est une image et ce qu’elle peut être. Il vit et travaille en Californie, près de San Francisco.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3, 2019. Pigment sur toile. 213,36 x 60,96 x 3,81 cm.

Bill Kane - EM2020-59

Une autre œuvre de Kane faisant partie de sa dernière série Emanations, EM2020-59 approfondit les qualités de la lumière en tant qu’élément éthéré qui transpose les propriétés matérielles de la photographie vers le domaine métaphysique/spirituel. Une image scannée d’un thangka bouddhiste - une peinture représentant une divinité bouddhiste - est à nouveau floutée et étirée, ne laissant qu’une image distillée de couleur et de forme. Kane imprime ces images réduites sur papier aquarelle comme représentations élémentaires des corps de lumière des Bouddhas qui accordent une bénédiction à ceux qui les regardent. Il interprète ces bénédictions comme des moments de tranquillité et de pleine conscience et comme un déclencheur de la même expérience de paix et de sérénité que vit un spectateur lorsqu’il rencontre l’art de Rothko ou Turrell. Kane a été profondément inspiré par l’idée qu’un objet inanimé créé par l’application de la technologie puisse conférer un tel sentiment à un spectateur.

Bill Kane - EM2020-59, 2019. Pigment sur papier aquarelle. 50,8 x 50,8 cm.

Jesús Perea - M338

Dans sa quête de beauté à travers la géométrie, Perea examine la ou les structures rationnelles qui sous-tendent la nature imprévisible et affective de l’intelligence. Imprimé sur Hahnemuhle photo rag, M338 incarne la manifestation la plus unique de l’abstraction graphique de Perea. Il oscille entre illustration et expressionnisme, synthétisant le monde de la raison et celui des émotions dans une création numérique expressive et persuasive. Située entre le géométrique et le biomorphique, une beauté mathématique de la nature émerge, révélant les mystères à la fois de la structure et de l’expression. La vivacité de ses œuvres créées numériquement évoque un sens du mouvement constant - même achevées, elles semblent vivantes de potentiel. Il cherche délibérément des images qui flottent entre le passé et le futur ; entre les mondes architectoniques et naturels. En 2018, après trois ans d’utilisation exclusive de l’ordinateur comme outil de composition et de création, il a ressenti le besoin de retrouver le rythme et le développement du mélange des processus créatifs manuels et numériques, et M338 illustre son retour à la fusion de ces deux domaines dans sa quête sans fin de beauté et d’émotion pure. Perea est un artiste abstrait multidisciplinaire vivant et travaillant à Madrid, en Espagne. Avec Richard Caldicott, Luuk de Haan et Pieter Bijwaard, Perea est membre du collectif d’art abstrait contemporain Mother Universe.

Jesús Perea - M338, 2018. Création numérique, imprimée sur Hahnemuhle Photo Rag de 308 gr. 100 x 70 cm.

Paul Snell - Bleed # 202001

Cette dernière œuvre de Snell révèle des structures visuelles rythmiques et harmonieuses qui transportent le spectateur dans les profondeurs de la pensée pure. Il crée des suggestions visuelles qui traduisent la réflexion en un état authentiquement méditatif. Bleed # 202001 révèle le dynamisme des relations colorées de Snell qui naît de la combinaison des aspects architecturaux de ses compositions et de ses surfaces vibrantes et lumineuses. L’absence de méta-sémantique et de représentation plonge le spectateur au cœur de la matière esthétique primordiale et tonale. Dans cette expérience primordiale, le spectateur est immergé dans la couleur, le rythme et l’espace qui s’ouvrent à sa réflexion interprétative, ouvrant ainsi la voie à la pure transcendance. Il capture un objet ou un lieu avec un appareil photo traditionnel, décode numériquement l’information visuelle en réduisant et simplifiant les couleurs et formes jusqu’à ce que ces éléments réduits se déploient dans leurs relations autoréférentielles. Ce processus de déploiement cartographie l’ambiguïté et les états transitoires intrinsèques au médium. Snell combine techniques traditionnelles et numériques pour explorer les possibilités de l’abstraction et du minimalisme dans la photo-média contemporaine. Il vit et travaille à Launceston, en Tasmanie.

Paul Snell - Bleed # 202001, 2020. Tirage chromogénique sous plexiglas mat de 3 mm. 180 x 115 cm.

Image en vedette : Paul Snell - Bleed # 202001, 2020, vue d’installation.
Par Jovana Vuković