Pat Passlof - Six décennies d'art important

Pat Passlof m’a offert l’un des dons les plus précieux qu’un artiste puisse faire à un spectateur d’art, en plus du don du pur plaisir sensoriel : elle m’a convaincu de remettre en question mon propre goût. Ma première rencontre avec son œuvre (j’ai honte de l’admettre) remonte à décembre 2019, lorsque, près d’une décennie après sa mort au terme d’une carrière de six décennies, l’exposition « Pat Passlof : Cinquante ans sur papier » s’est ouverte à la New York Studio School. Les œuvres présentées m’ont déconcerté lors de leur première découverte. J’ai perçu leur palette de couleurs comme boueuse, et leurs compositions comme disharmonieuses, à tel point que je leur ai consacré presque aucun temps. Ma réaction fut si négative, et si forte, en fait, qu’elle m’a entraîné dans une enquête pour découvrir qui était cette artiste, ce qu’elle avait accompli d’autre, et pourquoi je n’avais jamais vu son travail auparavant. J’ai appris que ces œuvres sur papier étaient en effet destinées à être oniriques — bien que peut-être pas cauchemardesques, mais ce mot reste relatif. J’ai aussi appris que pendant plus de 40 ans, Passlof fut mariée au peintre Milton Resnick, et qu’elle avait la réputation de détourner l’attention d’elle-même vers son mari. (Elle avait cependant été exposée dans plus de 50 expositions, donc la faute de ne jamais avoir remarqué son travail avant m’incombe entièrement.) Enfin, j’ai appris que pendant la majeure partie de sa carrière, Passlof s’était consacrée à l’abstraction. Joyeuse, tapageuse, assurée et brute, l’énergie indéniable de ses peintures abstraites m’a inspiré à revenir jeter un second regard aux œuvres quasi-figuratives sur papier que j’avais vues au départ. Ce second regard a révélé des mondes de nuances et de maîtrise que j’avais auparavant négligés. Plus je fixais la peinture, plus la palette atténuée se transformait, révélant des couches lumineuses de sous-couche, et élargissant des mondes intérieurs de profondeur. Une fois que j’ai accordé aux œuvres le temps qu’elles méritaient, les compositions se sont révélées non seulement harmonieuses, mais presque classiques. Comme la plupart des gens, je ne reviens presque jamais regarder à nouveau des peintures que j’avais d’abord rejetées. Passlof m’a rappelé à quel point cela est absurde, et de ne pas tomber victime de la prétendue autorité de mon propre goût.

Évasion de la New York School

Passlof a commencé sa carrière de peintre en tant qu’étudiante au célèbre Black Mountain College, où elle a appris auprès de sommités telles que Josef Albers et Willem de Kooning. Nombre de ses premières peintures, comme « Escalator » (1948), montrent l’influence indéniable de de Kooning — avec leurs surfaces fortement travaillées et grattées, leurs marques gestuelles expressives, et leurs formes semi-figuratives. C’est de Kooning qui présenta Passlof à son futur époux, Resnick. Les deux emménagèrent ensemble dans les années 1950, alors même que Passlof gagnait la confiance nécessaire pour s’éloigner de l’influence de ses professeurs. Plus jeune et moins dogmatique que la première génération d’expressionnistes abstraits, elle ne voyait aucune valeur à rester fidèle à un style ou une méthode unique. Au milieu des années 1950, elle avait commencé à développer un langage visuel ouvert et brut dominé par la présence caractéristique d’innombrables coups de pinceau serrés en empâtement.

Pat Passlof - Red Eye, 1959. Huile sur lin. 42 x 35 pouces. Fondation Milton Resnick et Pat Passlof.

En plus de prendre conscience du poids croissant de leur influence esthétique, Passlof commença aussi à percevoir le pouvoir que la génération plus âgée d’artistes new-yorkais, et leurs critiques défenseurs, tels que Clement Greenberg, avaient pour influencer négativement les marchands et conservateurs en matière d’opportunités d’exposition. Le milieu des années 1950 vit donc aussi son engagement en tant qu’activiste artistique. Avec des artistes comme Jim Dine, Louise Bourgeois et Romare Bearden, Passlof contribua à établir ce qui devint connu sous le nom des galeries de la 10e rue : un ensemble d’espaces d’exposition gérés par des artistes qui délaissaient le système traditionnel des galeries new-yorkaises centré sur la 8e rue. Ces puissants acteurs — en particulier Greenberg — déploraient ces galeries collectives et insultaient les œuvres : mais le travail n’était pas mauvais ; il signalait simplement la fin de leur capacité à contrôler quels artistes pouvaient émerger sur la scène.

Pat Passlof - Sky Pasture, 1961. Huile sur lin. 68 x 144 pouces. Fondation Milton Resnick et Pat Passlof.

Motifs et Grilles

En 1972, 24 ans après avoir été une étudiante aux yeux écarquillés au Black Mountain College, Passlof entama ce qui devint finalement son mandat de 38 ans en tant que professeure d’art à la City University of New York (CUNY) Staten Island. Elle chérissait ses élèves, et fut une influence profonde sur des générations d’artistes. Ses lettres aux étudiants furent même rassemblées dans un livre intitulé Pat Passlof, À qui la chaussure va : Lettres aux jeunes peintres. Un an seulement après avoir commencé à enseigner, Passlof se plaça de nouveau à l’avant-garde de la politique des expositions lorsqu’elle fut, avec Ce Roser et Sylvia Sleigh, l’une des artistes originales impliquées dans l’exposition marquante de 1973 Women Choose Women, qui présentait les œuvres de 109 artistes féminines, sélectionnées par un jury entièrement féminin. Lucy Lippard et les autres organisatrices de l’exposition furent tristement rejetées par toutes les grandes institutions de la ville, à l’exception du New York Cultural Center. Lorsque l’exposition ouvrit, toutes les publications artistiques importantes la chroniquèrent, créant un engouement qui révolutionna la conscience publique de la profondeur et de la diversité des voix féminines dans les arts visuels.

Pat Passlof - Melon 2, 2001. Huile sur lin. 60 x 48 pouces. Fondation Milton Resnick et Pat Passlof.

Tout au long du reste de sa carrière, Passlof continua à se pousser à évoluer. Dans les années 1990, elle créa un ensemble de peintures abstraites, exubérantes et à motifs, nommées d’après des auteurs, tels que Frost, Hawthorne, Thoreau et Whitman. En même temps, elle peignait des gouaches figuratives envoûtantes telles que « Birches and Skulls » (1999) et « Hermes » (1996). L’une de ses dernières peintures, « Melon 2 » (2011), me semble être son chef-d’œuvre. Un mélange magistral et stratifié de formes biomorphiques, de couleurs lumineuses, et de ses coups de pinceau serrés caractéristiques, elle dégage une aisance et une maîtrise telles qu’elle semble exister en dehors de l’histoire de l’art. La façon dont vous percevez votre époque est forcément différente de celle de vos contemporains, ou des gens du futur. Vous ne pouvez réagir qu’en fonction de ce que vous percevez vous-même comme vrai. Passlof est restée fidèle à sa propre vision de sa place dans le domaine artistique, et ce faisant a créé un corpus d’œuvres qui échappe aux modes. Elle m’a défié de regarder au-delà de mes propres préjugés. Je la vois maintenant comme une révélation.

Image en vedette : Pat Passlof - Sans titre, 1995-96. Huile sur lin. 78 x 117 pouces. Fondation Milton Resnick et Pat Passlof.
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio