Pat Passlof - Six décennies d'art important

Pat Passlof m'a offert l'un des cadeaux les plus importants qu'un artiste puisse offrir à un spectateur d'art, outre le don du pur plaisir sensoriel : elle m'a convaincu de remettre en question le mien goût. Ma première rencontre avec son travail (je suis timide de l'admettre) a eu lieu en décembre 2019, lorsque, près d'une décennie après sa mort au terme d'une carrière de six décennies, l'exposition « Pat Passlof : Cinquante ans sur papier » a été inaugurée. à la Studio School de New York. Les œuvres présentées dans l’exposition m’ont bouleversé lorsque je les ai vues pour la première fois. Je percevais leur palette de couleurs comme trouble et leurs compositions disharmonieuses, à tel point que je ne passais presque pas de temps avec eux. Ma réaction a été si négative, et si forte, en fait, qu’elle m’a envoyé dans le terrier du lapin : qui était cette artiste, ce qu’elle avait accompli d’autre et pourquoi je n’avais pas vu son travail auparavant. J’ai appris que ces œuvres sur papier étaient effectivement destinées à être oniriques – mais pas cauchemardesques, peut-être, mais là encore, ce mot est relatif. J'ai également appris que pendant plus de 40 ans, Passlof était mariée au peintre Milton Resnick et avait la réputation de détourner l'attention d'elle-même et de son mari. (Elle a cependant été présentée dans plus de 50 expositions, donc c'est entièrement sur moi que je suis responsable du fait que je n'ai jamais remarqué son travail auparavant.) Finalement, j'ai appris que pendant la majeure partie de sa carrière, Passlof s'était concentrée sur l'abstraction. Joyeuse, bruyante, confiante et brute, l'énergie indéniable de ses peintures abstraites m'a incité à revenir et à revoir les œuvres quasi figuratives sur papier que j'avais initialement vues. Ce deuxième regard a révélé des mondes de nuances et de maîtrise que j'avais auparavant négligés. Plus je regardais la peinture, plus la palette sourde se transformait, révélant des couches lumineuses de sous-couche et élargissant les mondes intérieurs de profondeur. Une fois que j'ai donné aux œuvres le temps qu'elles méritaient, les compositions se sont révélées non seulement harmonieuses, mais presque classiques. Comme la plupart des gens, je ne retourne presque jamais voir les peintures que j’avais initialement rejetées. Passlof m'a rappelé à quel point c'était idiot et ne pas être victime de la prétendue autorité de mon propre goût.

Évasion de l'école de New York

Passlof a commencé sa carrière de peintre en tant qu'étudiante au célèbre Black Mountain College, où elle a appris auprès de personnalités telles que Josef Albers et Willem de Kooning. Beaucoup de ses premières peintures, comme "Escalator" (1948), montrent l'influence indéniable de de Kooning, avec leurs surfaces travaillées et raclées, leurs marques gestuelles émouvantes et leurs formes semi-figuratives. C'est de Kooning qui a présenté Passlof à son futur époux, Resnick. Les deux ont emménagé ensemble dans les années 1950, juste au moment où Passlof gagnait la confiance nécessaire pour s'éloigner de l'influence de ses enseignants. Plus jeune et moins dogmatique que les premiers expressionnistes abstraits, elle ne voyait aucune valeur à rester fidèle à un seul style ou méthode. Au milieu des années 1950, elle avait commencé à développer un langage visuel ouvert et brut dominé par la présence signature d'innombrables marques de pinceau serrées et en impasto.

Pat Passlof - Yeux rouges, 1959. Huile sur lin. 42 x 35 pouces. La Fondation Milton Resnick et Pat Passlof.

En plus de prendre conscience du poids croissant de leur influence esthétique, Passlof commença également à percevoir le pouvoir de l'ancienne génération d'artistes new-yorkais, et leurs champions critiques, tels que Clement Greenberg, devaient porter préjudice aux marchands et aux conservateurs lorsqu'il s'agissait d'expositions. opportunités. C’est donc également au milieu des années 1950 qu’elle commence à s’affirmer en tant qu’activiste artistique. Aux côtés d'artistes comme Jim Dine, Louise Bourgeois et Romare Bearden, Passlof a contribué à la création de ce qui est devenu connu sous le nom de 10th Street Galleries : une collection d'espaces d'exposition gérés par des artistes qui évitaient le système traditionnel de galeries new-yorkaises centrées sur la 8e rue. Ces hommes de pouvoir – en particulier Greenberg – ont déploré ces galeries collectives et insulté l’œuvre : mais l’œuvre n’était pas mauvaise ; cela marquait simplement la fin de leur capacité à contrôler quels artistes pouvaient monter sur scène.

Pat Passlof - Sky Pasture, 1961. Huile sur lin. 68 x 144 pouces. La Fondation Milton Resnick et Pat Passlof.

Motifs et grilles

En 1972, 24 ans après avoir été une étudiante aux yeux écarquillés au Black Mountain College, Passlof a commencé ce qui est finalement devenu son mandat de 38 ans en tant que professeur d'art à la City University of New York (CUNY) à Staten Island. Elle aimait ses étudiants et a eu une profonde influence sur des générations d’artistes. Ses lettres aux étudiants ont même été compilées dans un livre intitulé Pat Passlof, To Whom the Shoe Fits: Letters to Young Painters. Un an seulement après avoir commencé à enseigner, Passlof s'est de nouveau positionnée à l'avant-garde de la politique d'exposition lorsque, avec Ce Roser et Sylvia Sleigh, elle a été l'une des artistes originales impliquées dans l'exposition historique de 1973, Women Choose Women, qui présentait les œuvres de 109 artistes féminines, sélectionnées par un jury entièrement féminin. Lucy Lippard et les autres organisateurs du spectacle ont été tristement célèbres rejetés par toutes les grandes institutions de la ville, à l'exception du Centre culturel de New York. Lors de l’ouverture de l’exposition, toutes les publications artistiques importantes l’ont révisée, créant un buzz qui a révolutionné la prise de conscience du public quant à la profondeur et à la diversité des voix féminines dans les arts visuels.

Pat Passlof - Melon 2, 2001. Huile sur lin. 60 x 48 pouces. La Fondation Milton Resnick et Pat Passlof.

Tout au long de sa carrière, Passlof a continué à se pousser à évoluer. Dans les années 1990, elle a créé un ensemble de peintures abstraites, exubérantes et à motifs, nommées d'après des auteurs, tels que Frost, Hawthorne, Thoreau et Whitman. En même temps, elle peignait des gouaches figuratives et troublantes telles que "Birches and Skulls" (1999) et "Hermes" (1996). L'une de ses dernières peintures, "Melon 2" (2011), se distingue pour moi comme son chef-d'œuvre. Un mélange magistral et superposé de formes biomorphiques, de couleurs lumineuses et de ses coups de pinceau serrés caractéristiques, elle a une telle légèreté et une telle maîtrise qu'elle semble exister en dehors de l'histoire de l'art. La façon dont vous percevez votre époque est forcément différente de celle de vos contemporains ou des personnes du futur. Vous ne pouvez réagir qu'en fonction de ce que vous, vous percevez comme vrai. Passlof est restée fidèle à sa propre vision de sa place dans le domaine de l'art, et ce faisant, elle a créé un corpus d'œuvres qui existe en dehors des tendances. Elle m'a défié de regarder au-delà de mes propres préjugés. Je la vois maintenant comme une révélation.

Image à la une : Pat Passlof - Sans titre, 1995-96. Huile sur lin. 78 x 117 pouces. La Fondation Milton Resnick et Pat Passlof.
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio