Charlotte Park, une artiste abstraite à connaître

Je retrouve des éléments familiers dans l’œuvre de Charlotte Park. Je perçois dans ses peintures une angoisse et une quête presque sans limites, remplacées à certains moments par une quiétude ou un calme, mais toujours avec assurance. Park n’est pas une artiste particulièrement connue aujourd’hui, bien que ses proches collaborateurs comptent parmi les artistes les plus célèbres du siècle passé. Elle était mariée à James Brooks, dont les œuvres figurent dans la Tate, le MoMA et le Smithsonian, entre autres collections institutionnelles. Park et Brooks habitaient à côté de Jackson Pollock et Lee Krasner à New York. Lorsque Pollock et Krasner ont déménagé dans les Hamptons, Park et Brooks ont repris leur appartement, puis les ont suivis plus tard à Long Island. Malgré un entourage social composé de dizaines d’autres peintres talentueux, Park a développé une voix visuelle singulière qui, pour moi, est immédiatement accessible. Peut-être est-elle relativement méconnue aujourd’hui comparée à ses contemporains parce qu’ils étaient tous joyeusement associés à l’expressionnisme abstrait. Bien que de nombreux critiques et marchands d’art contemporains aient tenté ouvertement de « redécouvrir » Park et d’inscrire son travail dans ce même contexte historique, je ne ressens aucune envie d’écrire sur Park comme faisant partie de ce mouvement, de cette tendance, de ce phénomène, ou quoi que ce soit que ce fût ou soit. Park me semble avoir suivi un parcours artistique personnel, une évolution unique. Contrairement à beaucoup de ses pairs, qui ont connu le succès critique puis se sont figés, Park a atteint son apogée tard dans sa carrière, telle une sage qui atteint enfin le sommet d’une montagne, voyant tout, finalement, dans la plus petite chose. Alors que l’expressionnisme abstrait me paraît toujours centré sur une sorte de « moi », Park a créé un corpus d’œuvres qui semble davantage parler de « tout ». Ses peintures ne tracent pas seulement son individualité, mais son humanité — son évolution de chercheuse vers la paix intérieure.

Une figure en isolement

Née à Concord, Massachusetts en 1918, Park a obtenu son diplôme d’art à Yale en 1939. Elle a travaillé pour l’Office of Strategic Services (OSS), qui devint plus tard la CIA, pendant la Seconde Guerre mondiale, puis s’est installée à New York avec Brooks après la guerre. Dans le Manhattan d’après-guerre, elle et Brooks se sont retrouvés au cœur de l’une des avant-gardes artistiques les plus vibrantes du monde. Pourtant, le seul aspect de cette scène qui semble avoir imprégné le travail de Park à cette époque est l’accent mis sur l’abstraction. Ses peintures trahissent peu d’intérêt pour les préoccupations principales de ses contemporains, telles que le subconscient, le dessin automatique, le transcendantalisme ou la création de mythes. Park ne semble pas s’être vue, comme Pollock, en incarnation de la nature. Elle peignait plutôt comme une artiste intéressée par les questions fondamentales sur ce qu’est la peinture, et si elle convient vraiment à l’expression de la totalité de l’expérience humaine.

Charlotte Park - Le Soleil, 1950. Huile sur papier monté sur toile. 45,7 x 61 cm (18 x 24 pouces). © Berry Campbell Gallery

Des premières peintures comme « Masque » (1950), « Le Soleil » (1950) et « Départ » (1955), suggèrent quelqu’un qui semble essayer de peindre des foules — des formes biomorphiques regroupées, prises dans un jeu de poussée et de traction. Les formes elles-mêmes dans ces peintures ne sont pas vraiment le sujet. Ce sont plutôt les relations entre elles et leur environnement qui semblent importantes. Dans une série étendue de peintures principalement noires qu’elle a commencée dans les années 1950, Park semblait vouloir déchirer les réalités plastiques pour découvrir quelque chose derrière la surface. La colère et la frustration semblent incrustées dans ces explosions visuelles brutales. L’émotion, l’allégorie et la métaphore tentent de s’exprimer, mais les peintures paraissent presque insuffisantes pour porter leurs messages. La seule déclaration que ces peintures réussissent à faire encore et encore est que celui qui les a peintes se sent seul.

Charlotte Park - Sans titre, 1985. Acrylique sur papier. 28,6 x 28,6 cm. © James Brooks and Charlotte Park Foundation. Avec l’aimable autorisation de Berry Campbell Gallery

Trouver la grille

Certains écrivains résistent à l’appel de raconter des histoires, aussi étrange que cela puisse paraître. Ils veulent simplement écrire, sans structure, sans attentes. L’histoire peut être une cage qui prive l’écrivain de nombreuses libertés créatives. Certains peintres ressentent la même chose à propos de la grille. Devoir créer des soi-disant compositions qui respectent des formats visuels existants est une source de réelle frustration pour un artiste qui veut simplement peindre. L’angoisse présente dans son travail tout au long de sa carrière suggère que Park connaissait intimement cette lutte. Durant les années 1950 et 60, et jusque dans le début des années 70, son œuvre se déchaîne contre les limites du cadre, contournant l’influence de la grille, rejetant les notions traditionnelles d’harmonie et d’équilibre, et ignorant la stratégie compositionnelle dite « partout » adoptée par beaucoup de ses contemporains. Nombre de ses peintures réalisées dans cette première moitié de carrière ne me semblent pas vraiment des peintures — elles ressemblent à des combats : combats avec l’espace ; combats avec la lumière ; combats avec la matérialité ; combats avec ce que les Polynésiens appellent mana : l’énergie qui s’accumule en toutes choses.

Charlotte Park - Pereshia, 1976. Acrylique sur toile. 45,7 x 45,7 cm (18 x 18 pouces). © Berry Campbell Gallery

Park a insufflé de l’énergie dans ses peintures. Elle a transféré quelque chose d’animé d’elle-même, ou en elle, dans une chose inanimée, une image. Ce combat a cependant pris fin brusquement vers le milieu des années 1970, lorsque Park s’est aventurée dans une voie esthétique inattendue — celle de Piet Mondrian et de l’héritage du néo-plasticisme. Des peintures comme « Gerardia » (1975), « Hellébore » (1975-77) et « Pereshia » (1976-78) reprennent là où la palette de couleurs simplifiée et la structure en grille du néo-plasticisme de Mondrian s’étaient arrêtées. Sauf que Park fait tout à main levée, et avec un esprit libre. Sa phase de peinture en grille néo-plastique fut de courte durée, mais l’idée de la grille est restée présente dans son travail jusqu’à la fin de sa carrière. C’est comme si, plutôt que de lutter contre les limites du cadre et l’anti-libéralisme de la structure compositionnelle, Park avait trouvé par surprise une liberté secrète dans son acceptation de tels paramètres. Ses peintures ont toujours été assurées, mais l’apparition tardive de la grille les a rendues calmes et immobiles. Personnellement, je me sens le moins en lien avec ces peintures paisibles parmi toute son œuvre, mais je parie que mon avis ne signifierait rien pour Park, car elle était une artiste rare qui peignait principalement pour elle-même.

Image en vedette : Charlotte Park - Sans titre, 1960. Huile sur toile. 86,4 x 86,4 cm (34 x 34 pouces). © Berry Campbell Gallery
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio