Charlotte Park, une artiste abstraite à connaître

Je trouve des choses familières dans le travail de Charlotte Park. Je vois dans ses peintures une anxiété et une quête presque sans limites, remplacées à certains moments par une quiétude ou une immobilité, mais toujours avec confiance. Park n'est pas une artiste particulièrement connue aujourd'hui, bien que ses plus proches associés soient parmi les artistes les plus célèbres du siècle dernier. Elle était mariée à James Brooks, dont le travail se trouve au Tate, au MoMA et au Smithsonian, entre autres collections institutionnelles. Park et Brooks vivaient à côté de Jackson Pollock et Lee Krasner à New York. Lorsque Pollock et Krasner ont déménagé dans les Hamptons, Park et Brooks ont pris leur appartement, puis les ont suivis sur Long Island. Malgré le fait d'être socialement entourée de dizaines d'autres peintres talentueux, Park a développé une voix visuelle singulière qui, pour moi, est instantanément relatable. Peut-être est-elle relativement inconnue aujourd'hui par rapport à ses contemporains parce qu'ils étaient tous joyeusement associés à l'Expressionnisme Abstrait. Bien que de nombreux écrivains et marchands d'art contemporains aient fait des tentatives explicites pour "redécouvrir" Park, et pour forcer son travail dans ce même contexte historique, je n'éprouve aucune inclination à écrire sur Park comme faisant partie de ce mouvement, ou tendance, ou phénomène, ou peu importe ce que c'était ou est. Park me semble avoir été en voyage artistique personnel, un voyage qui a suivi une évolution unique. Contrairement à tant de ses camarades, qui ont atteint le succès critique puis se sont figés, Park a atteint son apogée tard dans sa carrière, comme un sage qui parvient enfin au sommet d'une montagne, voyant tout, enfin, dans la plus petite chose. Alors que l'Expressionnisme Abstrait me semble toujours être une sorte de "moi", Park a créé un corpus d'œuvres qui semble davantage parler de "tout". Ses peintures non seulement cartographient son individualité, mais aussi son humanité—son évolution de chercheuse à paix intérieure.

Une figure isolée

Née à Concord, dans le Massachusetts, en 1918, Park a obtenu son diplôme d'art à Yale en 1939. Elle a travaillé pour l'Office of Strategic Services (OSS), qui deviendra plus tard la CIA, pendant la Seconde Guerre mondiale, puis a déménagé à New York avec Brooks après la Seconde Guerre mondiale. guerre. Dans le Manhattan d’après-guerre, elle et Brooks se sont retrouvés au milieu de l’une des avant-gardes artistiques les plus dynamiques au monde. Pourtant, le seul aspect de cette scène qui semble avoir imprégné le travail réalisé par Park à cette époque est l’accent mis sur l’abstraction. Ses peintures trahissent peu d'intérêt pour les principales préoccupations de ses contemporains, comme le dessin inconscient et automatique, le transcendantalisme ou la création de mythes. Park ne semble pas s’être considérée, comme Pollock, comme la nature incarnée. Elle a plutôt peint comme une artiste intéressée à poser des questions fondamentales sur ce qu'est la peinture et si elle est réellement adaptée à l'expression de la totalité de l'expérience humaine.

Charlotte Park - Le Soleil, 1950. Huile sur papier marouflé sur toile. 18 x 24 po (45,7 x 61 cm). © Galerie Berry Campbell

Les premières peintures comme "Masque" (1950), "Le Soleil" (1950) et "Départ" (1955) suggèrent quelqu'un qui semble essayer de peindre des foules—entassées, formes biomorphiques prises dans un jeu de tirage et de poussée. Les formes elles-mêmes dans ces peintures ne sont pas vraiment le sujet. C'est plutôt les relations entre elles et leur environnement qui semblent importantes. Dans une série prolongée de peintures principalement noires qu'elle a commencé à réaliser dans les années 1950, Park semblait essayer de déchirer des réalités plastiques pour découvrir quelque chose derrière la surface. La colère et la frustration semblent intégrées dans ces éclats visuels rugueux. L'émotion, l'allégorie et la métaphore essaient de s'exprimer, mais les peintures semblent presque inadéquates pour porter leurs messages. La seule déclaration que ces peintures réussissent à faire encore et encore est que quiconque les a peintes se sent seul.

Charlotte Park - Sans titre, 1985. Acrylique sur papier. 28,6 x 28,6 cm. © James Brooks et Fondation Charlotte Park. Avec l'aimable autorisation de la galerie Berry Campbell

Trouver la grille

Certains écrivains résistent à l’appel à raconter des histoires, aussi étrange que cela puisse paraître. Ils veulent simplement écrire, sans structure, sans attentes. L’histoire peut être une cage qui prive l’écrivain de nombreuses libertés créatives. Certains peintres ressentent la même chose à propos de la grille. Devoir créer des soi-disant compositions qui adhèrent à des formats visuels existants est une véritable source de frustration pour un artiste qui souhaite simplement peindre. L’anxiété présente dans son travail tout au long de sa carrière suggère que Park était intimement familière avec cette lutte. Tout au long des années 1950 et 1960, et jusqu'au début des années 1970, son travail s'oppose aux limites du cadre, sabordant l'influence de la grille, rejetant les notions traditionnelles d'harmonie et d'équilibre et ignorant les notions de stratégie de composition « all over » adoptées par beaucoup de ses contemporains. Beaucoup de peintures qu’elle a réalisées au cours de cette première moitié de sa carrière ne me semblent pas du tout des peintures – elles ressemblent à des combats : des combats avec l’espace ; se bat avec la lumière ; se bat avec la matérialité ; se bat avec ce que les Polynésiens appellent le mana : l'énergie qui s'accumule en toutes choses.

Charlotte Park - Pereshia, 1976. Acrylique sur toile. 18 x 18 po (45,7 x 45,7 cm). © Galerie Berry Campbell

Park a mis de l'énergie dans ses peintures. Elle a transféré quelque chose d'animé d'elle-même, ou d'elle-même, dans une chose inanimée, une image. Ce combat a toutefois pris fin brusquement vers le milieu des années 1970, lorsque Park s’est lancé dans une voie esthétique inattendue : celle de Piet Mondrian et de l’héritage du néo-plasticisme. Des peintures comme « Gerardia » (1975), « Hellebore » (1975-77) et « Pereshia » (1976-78) reprennent là où la palette de couleurs simplifiée et néo-plastique et la structure en grille de Mondrian s’étaient arrêtées. Sauf que Park fait tout à main levée et avec un esprit libre. Sa phase de peinture sur grille néo-plastique fut de courte durée, mais l'idée de la grille resta présente dans son travail pour le reste de sa carrière. C'est comme si, plutôt que de lutter contre les limites du cadre et l'antilibéralisme de la structure compositionnelle, Park avait trouvé de manière inattendue une liberté secrète en adoptant de tels paramètres. Ses peintures étaient toujours confiantes, mais l'apparition tardive de la grille les rendait calmes et immobiles. Personnellement, je m'identifie le moins à ces peintures paisibles parmi son œuvre, mais je parie que mon opinion ne signifierait rien pour Park, puisqu'elle était une artiste rare qui peignait principalement pour elle-même.

Image à la une : Charlotte Park - Sans titre, 1960. Huile sur toile. 34 x 34 po (86,4 x 86,4 cm). © Galerie Berry Campbell
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio