À la recherche d'un aperçu contemporain de l'art de Leon Polk Smith

Dans les années 1940, l'artiste américain Leon Polk Smith a été le pionnier d'un langage visuel abstrait unique qui ajoutait des propriétés curvilignes aux plans aplatis et simplifiait la géométrie du néoplasticisme. L'une des premières inspirations de Smith fut le peintre hollandais Piet Mondrian, dont les explorations rectangulaires magistrales de la couleur et de l'espace étaient considérées par beaucoup comme la fin d'une ligne de pensée, mais qui poussa Smith à se demander ce qui allait suivre. De manière inattendue, Smith a trouvé une voie à suivre dans les pages d'un catalogue sportif arrivé par hasard dans sa boîte aux lettres. Il s'est retrouvé fasciné par des images de ballons de football, de baseball et de basket-ball, admirant à la fois leurs formes courbes et les coutures courbes sur leurs surfaces. "Je ne serais certainement pas allé le trouver dans un catalogue de sport, mais c'est là que je l'ai trouvé", a déclaré Smith à l'artiste et critique Addison Parks en 1982. "Bien sûr, les formes et les lignes étaient très limitées... mais alors cela j'ai créé un espace que je n'avais jamais vu en peinture auparavant. Il était plat et en même temps courbé. Les avions semblaient se déplacer dans toutes les directions, comme le fait l’espace. Cette prise de conscience simple mais profonde a récemment été pleinement exposée dans l'exposition Leon Polk Smith : Endless Space, au Richard Gray Warehouse à Chicago. Présentant une douzaine de peintures et dessins des années 1960 et 1970, l’exposition se lit comme un manifeste visuel de ce moment de découverte. Des pièces comme « Untitled No. 7613 » (1976) en parlent plus directement que d’autres ; tandis que d’autres, comme les formes complémentaires yin-yang, vertes et noires de « Untitled » (1967), élargissent la vision du territoire mystique. La diligence et l'élégance avec lesquelles Smith a étoffé sa révélation sont admirables, et compte tenu de la date à laquelle il a travaillé avec ces idées, il est facile de voir comment il a contribué à jeter les bases de tout, de l'Op Art au minimalisme en passant par l'abstraction Hard Edge. Pourtant, je ne peux m'empêcher de penser qu'il y a aussi quelque chose de plus dans son travail que les couleurs et les formes.

La quête de sens d’un spectateur

Ce qui captive le plus mon imagination chez Smith, c'est la façon dont il réunit plusieurs peintures pour créer des compositions plus grandes. Smith a appelé ses tableaux de toiles façonnées « Constellations ». Certaines, comme « Constellation Straight Out » (1974), consistent en des formes soigneusement empilées avec une ligne d'horizon répétitive, impliquant la continuation des éléments dans l'espace. D'autres, comme « Constellation - Lost Horizon » (1968), s'articulent de manière inégale, ressemblant moins à quelque chose de méthodique qu'à des vues recadrées d'une image plus grande, comme les pièces d'un puzzle visuel. J'aime le terme Constellations pour ces peintures car il évoque parfaitement ma propre tendance humaine vers le mysticisme spéculatif. Comme un observateur d’étoiles cherchant ma destinée dans le zodiaque, je ne peux m’empêcher de scanner ces constellations peintes à la recherche d’une signification cachée.

Leon Polk Smith - Constellation de la Voie Lactée, 1970. Acrylique sur toile. 80 x 120 po (203 x 305 cm) hors tout. La National Gallery of Art, Washington, D.C. © 2019 Fondation Leon Polk Smith

Dans "Reflections-Red-Black" (1968), je perçois des mythologies concurrentes, de la légende de Narcisse—l'égoïsme implicite des formes réfléchies—à la sensualité conjointe et empathique du Kama Sutra. Les formes découpées et concrètes de "Constellation-Red-Blue" (1970), quant à elles, évoquent des notions larges et humanistes comme la convivialité, l'expansion, la connectivité et le désir. En même temps que je désire ardemment m'ouvrir à l'existence potentielle de significations plus profondes dans cette œuvre, je me demande également si imprégner les choix formels reflétés dans cet art d'une importance métaphysique n'est pas intrinsèquement prétentieux ; une forme de colonisation critique. En général, les critiques d'art et les historiens encouragent les spectateurs contemporains à ne pas attribuer de significations et de récits aux œuvres d'art historiques qui pourraient être incompatibles avec l'intention de l'artiste, mais plutôt à examiner le travail des artistes décédés à travers le prisme des circonstances dans lesquelles il a été créé.

Leon Polk Smith - sans titre, 1979. Gouache sur papier. 41½ x 27 po (105,4 x 68,6 cm). © 2019 Fondation Léon Polk Smith

Le droit de réévaluer

Selon Patterson Sims, président de la Fondation Leon Polk Smith, nous avons le droit, et peut-être la responsabilité, d’examiner l’histoire de l’art d’un point de vue contemporain et de doter l’art hérité du contenu que nous percevons sincèrement. «Je pense que vous avez tout à fait droit à ce que vous faites», m'a dit Sims. « L’histoire de l’art est le produit de la capacité des générations successives à trouver dans leurs œuvres des choses qu’une génération précédente n’avait pas pu voir. » Bien que certains artistes et fondations puissent être en désaccord. Par exemple, Donald Judd a devancé les critiques en faisant ses propres déclarations déclaratives décrivant ce qu'était et n'était pas son travail, et la Fondation Judd continue de protéger avec zèle ce récit. Cependant, Sims m’a assuré que tout le monde ne croit pas que le contrôle autoritaire soit le meilleur moyen de contextualiser le déploiement de la culture humaine. « Une personne peut être entièrement attachée à un point de vue, mais cela finit par paralyser le type d’engagement que les gens pourraient avoir dans ce travail », a déclaré Sims. « Je pense que l’histoire de l’art et le processus de conservation nécessitent une réévaluation et une refonte constantes des choses, et cela devient parfois très personnel. »

Leon Polk Smith - Bleu, rouge, jaune avec croissants noirs, 1968. Acrylique sur toile. 3 éléments, chacun 31 x 56 po (79 x 142 cm). © 2019 Fondation Léon Polk Smith

Becky Daniel, coordinatrice des expositions et des communications de la galerie Richard Gray, propose une autre raison pour laquelle nous devrions nous sentir libres de réévaluer Smith d'un point de vue contemporain. Selon Daniel, Smith a fourni des instructions d'installation alternatives pour plusieurs de ses Constellations, permettant aux conservateurs d'assembler les pièces du puzzle de manière inédite. Cette information implique que Smith espérait que les gens n'auraient pas peur de prendre des libertés avec son travail - comme Sol LeWitt laissant de la place dans ses instructions de dessin mural aux artistes qui les exécutent pour prendre eux-mêmes certaines décisions esthétiques. Considérez que lorsque Smith a déménagé à New York dans les années 1930, son homosexualité a fait de lui un hors-la-loi, mais il a néanmoins confondu ceux qui voulaient le marginaliser, obtenant finalement une large reconnaissance dans des expositions aussi marquantes que The Responsive Eye. Pourtant, il s'est en même temps humilié, évitant toute promotion hyperbolique, en disant : « J'ai réalisé très vite que j'avais toujours été un artiste... Que je le garderais toujours pour moi, que je ne le prostituerais jamais, ni que je n'en ferais rien simplement. pour de l'argent. » Qu’il le veuille ou non, je perçois que Smith a insufflé à son travail quelque chose comme un code clé symbolique pour les mécontents contemporains comme moi – un héritage riche d’optimisme et d’humanité, exprimé à travers des relations ludiques entre la couleur et la forme.

Image en vedette : Leon Polk Smith - Correspondance Noir - Blanc, 1968. Huile sur toile. 86 x 120 pouces (218,4 x 304,8 cm). © 2019 Fondation Léon Polk Smith
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio