À la recherche d'un aperçu contemporain de l'art de Leon Polk Smith

Dans les années 1940, l'artiste américain Leon Polk Smith a été un pionnier d'un langage visuel abstrait unique qui ajoutait des propriétés curvilignes aux plans aplatis et à la géométrie simplifiée du Néo-plasticisme. Une des premières inspirations de Smith fut le peintre hollandais Piet Mondrian, dont les explorations rectangulaires magistrales de la couleur et de l'espace étaient considérées par beaucoup comme la fin d'une ligne de pensée, mais qui fit se demander à Smith ce qui venait ensuite. De manière inattendue, Smith trouva une voie dans les pages d'un catalogue sportif arrivé par hasard dans sa boîte aux lettres. Il se retrouva fasciné par les images de ballons de football, de baseball et de basketball, admirant à la fois leurs formes courbes et les coutures courbes sur leurs surfaces. « Je ne serais certainement pas allé chercher cela dans un catalogue sportif, mais c’est là que je l’ai trouvé », confia Smith à l'artiste et critique Addison Parks en 1982. « Bien sûr, les formes et les lignes étaient très limitées... mais cela créait alors un espace que je n’avais jamais vu en peinture auparavant. C’était plat et en même temps courbe. Les plans semblaient se mouvoir dans toutes les directions, comme l’espace. » Cette réalisation simple, mais profonde, fut récemment mise en lumière lors de l’exposition Leon Polk Smith : Endless Space, au Richard Gray Warehouse à Chicago. Présentant une douzaine et demie de peintures et dessins des années 1960 et 70, l’exposition se lisait comme un manifeste visuel de ce moment de découverte. Des œuvres comme « Sans titre n° 7613 » (1976) y faisaient plus directement référence que d’autres ; tandis que d’autres, telles que les formes complémentaires vertes et noires évoquant le yin-yang de « Sans titre » (1967), étendaient cette intuition vers un territoire mystique. Le soin et l’élégance avec lesquels Smith a développé sa révélation sont admirables, et considérant à quel point il travaillait tôt avec ces idées, il est facile de voir comment il a contribué à poser les bases de tout, de l’Op Art au Minimalisme en passant par l’Abstraction à bords francs. Pourtant, je ne peux m’empêcher de sentir qu’il y a aussi quelque chose de plus dans son œuvre que des couleurs et des formes.

La quête de sens d’un spectateur

Ce qui captive le plus mon imagination chez Smith, c’est la manière dont il assemble plusieurs peintures pour créer des compositions plus vastes. Smith appelait ses ensembles de toiles découpées des « Constellations ». Certaines, comme « Constellation Straight Out » (1974), consistent en formes soigneusement empilées avec une ligne d’horizon répétée, suggérant la continuation des éléments dans l’espace. D’autres, comme « Constellation - Lost Horizon » (1968), se connectent de manière inégale, ressemblant moins à quelque chose de méthodique et davantage à des vues recadrées d’une image plus grande, comme des pièces d’un puzzle visuel. J’aime le terme Constellations pour ces peintures car il évoque parfaitement ma propre tendance humaine au mysticisme spéculatif. Tel un observateur d’étoiles cherchant mon destin dans le zodiaque, je ne peux m’empêcher de scruter ces Constellations peintes à la recherche d’un sens caché.

Leon Polk Smith - Constellation Voie Lactée, 1970. Acrylique sur toile. 203 x 305 cm (80 x 120 pouces) au total. National Gallery of Art, Washington, D.C. © 2019 Fondation Leon Polk Smith

Dans « Reflections-Red-Black » (1968), je perçois des mythologies concurrentes, de la légende de Narcisse — l’égoïsme implicite des formes réfléchies — à la sensualité empathique conjointe du Kama Sutra. Les formes à bords francs et concrètes proliférantes de « Constellation-Red-Blue » (1970), évoquent quant à elles des notions larges et humanistes comme la solidarité, l’expansion, la connexion et le désir. En même temps que je souhaite ardemment m’ouvrir à la possible existence de significations plus profondes dans cette œuvre, je me demande aussi si attribuer une portée métaphysique aux choix formels reflétés dans cet art n’est pas en soi prétentieux ; une forme de colonisation critique. Habituellement, les critiques et historiens d’art encouragent les spectateurs contemporains à ne pas assigner de sens et de récits aux œuvres historiques qui pourraient être en contradiction avec l’intention de l’artiste, mais plutôt à regarder le travail des artistes disparus à travers le prisme des circonstances dans lesquelles il a été créé.

Leon Polk Smith - sans titre, 1979. Gouache sur papier. 105,4 x 68,6 cm (41½ x 27 pouces). © 2019 Fondation Leon Polk Smith

Le droit à la réévaluation

Selon Patterson Sims, président de la Fondation Leon Polk Smith, nous avons le droit, et peut-être la responsabilité, de regarder l’histoire de l’art avec un regard contemporain, et d’attribuer à l’art du passé tout contenu que nous percevons sincèrement. « Je pense que vous avez tout à fait le droit de faire ce que vous faites », m’a dit Sims. « L’histoire de l’art est le produit des générations successives capables de trouver des choses dans une œuvre que la génération précédente n’a pas su voir. » Bien que certains artistes et fondations puissent ne pas être d’accord. Par exemple, Donald Judd a célèbrement devancé les critiques en faisant ses propres déclarations affirmatives décrivant ce qu’était son travail, et ce qu’il n’était pas, et la Fondation Judd continue de protéger avec zèle ce récit. Cependant, Sims m’a assuré que tout le monde ne croit pas que le contrôle autoritaire soit la meilleure façon de contextualiser le déploiement de la culture humaine. « Une personne peut être complètement attachée à un point de vue, mais cela finit par entraver le type d’engagement que les gens peuvent avoir avec cette œuvre », a déclaré Sims. « Je pense que l’histoire de l’art et le processus de conservation consistent en une réévaluation et une remise en question constantes, et cela devient parfois très personnel. »

Leon Polk Smith - Bleu, Rouge, Jaune avec Croissants Noirs, 1968. Acrylique sur toile. 3 éléments, chacun 79 x 142 cm (31 x 56 pouces). © 2019 Fondation Leon Polk Smith

Becky Daniel, coordinatrice des expositions et de la communication pour la galerie Richard Gray, offre une autre raison pour laquelle nous devrions nous sentir libres de réévaluer Smith avec un regard contemporain. Selon Daniel, Smith fournissait des instructions d’installation alternatives pour beaucoup de ses Constellations, permettant aux conservateurs d’assembler les pièces du puzzle de manière nouvelle. Cette information suggère que Smith espérait que les gens n’auraient pas peur de prendre des libertés avec son œuvre — comme Sol LeWitt laissant de la place dans ses instructions de dessins muraux pour que les artistes qui les exécutent prennent certaines décisions esthétiques par eux-mêmes. Considérez que lorsque Smith s’est installé à New York dans les années 1930, son homosexualité faisait de lui un hors-la-loi, pourtant il déjoua ceux qui voulaient le marginaliser, obtenant finalement une large reconnaissance dans des expositions majeures telles que The Responsive Eye. Pourtant, il s’humilia en même temps, évitant la promotion hyperbolique, disant : « J’ai vite réalisé que j’avais toujours été un artiste... Que je garderais toujours cela pour moi, que je ne le prostituerais jamais, ni ne ferais quoi que ce soit avec cela juste pour de l’argent. » Qu’il l’ait voulu ou non, je perçois que Smith a insufflé à son œuvre quelque chose comme un code clé symbolique pour les mécontents contemporains comme moi — un héritage riche d’optimisme et d’humanité, exprimé à travers des relations ludiques entre couleur et forme.

Image en vedette : Leon Polk Smith - Correspondance Noir - Blanc, 1968. Huile sur toile. 218,4 x 304,8 cm (86 x 120 pouces). © 2019 Fondation Leon Polk Smith
Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement
Par Phillip Barcio