En souvenir d'Emilio Vedova, un leader de l'art informel

Cet hiver à Milan, en Italie, le Palazzo Reale accueillera une exposition célébrant ce qui aurait été le 100e anniversaire du peintre abstrait italien Emilio Vedova, décédé en 2006. Né à Venise en 1919, Vedova s’est fait connaître dans les décennies suivant la Seconde Guerre mondiale grâce à ses nombreuses contributions à l’avant-garde italienne du XXe siècle. À différents moments, Vedova a été membre de plusieurs collectifs d’artistes influents, dont Corrente (Courant) — un mouvement dédié à l’ouverture et à l’anti-fascisme pendant la guerre civile espagnole — et Fronte Nuovo delle Arti, fondé après la guerre pour promouvoir l’adoption des dernières avancées du modernisme européen. En 1946, Vedova a signé le Manifeste du Réalisme pour les Sculpteurs et les Peintres, également connu sous le nom de « Au-delà de Guernica ». Le manifeste célébrait la position figurative et pacifiste que Picasso avait affirmée dans son tableau Guernica de 1937 et qualifiait la peinture et la sculpture d’actes de « participation à la réalité totale de l’humanité ». Il affirmait en outre que la « fonction positive de l’individualisme » était « épuisée ». Comme d’autres signataires de ce manifeste, Vedova avait été membre du Mouvement de Résistance italien qui s’opposait à l’Allemagne nazie et à la République sociale italienne fasciste pendant la guerre. En termes pratiques, leur manifeste post-Guernica signifiait qu’ils croyaient que l’art réaliste et figuratif était la meilleure manière d’affronter les maux politiques et sociaux de leur société. Pourtant, au fil des années, l’autodidacte Vedova changea d’avis, trouvant de plus en plus refuge dans son imagination. Il en vint finalement à croire que la seule façon de faire véritablement progresser l’art italien était par un art abstrait idiosyncratique et individualisé. En 1952, Vedova abandonna toutes ses associations précédentes pour rejoindre ce qui allait être connu sous le nom de Gruppo degli Otto (Groupe des Huit), qui comprenait également Afro Basaldella, Renato Birolli, Antonio Corpora, Mattia Moreni, Ennio Morlotti, Giuseppe Santomaso et Giulio Turcato. Bien que ce groupe n’ait existé que deux ans, il fut véritablement transformateur pour Vedova, car lorsqu’il exposa ensemble à la Biennale de Venise de 1952, il fut considéré comme le début du mouvement d’art abstrait connu sous le nom d’Arte Informale.

Un éveil mondial

L’Arte Informale est souvent considérée comme l’équivalent italien de l’expressionnisme abstrait. Cependant, c’est une explication un peu paresseuse et simpliste qui ignore les différences subtiles entre les deux courants. Elle élude aussi la réalité que ces deux courants faisaient partie d’un éveil beaucoup plus large dans le monde des arts. Avec le Tachisme, l’Art Autre, l’Art Brut, le travail du Groupe Gutai, le Nouveau Réalisme et plusieurs autres manifestations internationales du phénomène, l’expressionnisme abstrait et l’Arte Informale étaient simplement des tentatives d’artistes d’après-guerre pour se libérer des limites historiques en inventant des méthodes abstraites personnelles de création artistique. La raison principale pour laquelle l’Arte Informale est souvent comparée à l’expressionnisme abstrait est que certains peintres associés aux deux courants mobilisaient un style visuel similaire, défini par des coups de pinceau énergiques et gestuels sur de grandes toiles. Jackson Pollock et Franz Kline sont peut-être des exemples majeurs d’expressionnistes abstraits utilisant ces techniques, et Emilio Vedova est un exemple majeur d’artiste de l’Arte Informale qui fit de même.

Emilio Vedova - L’Espagne de Franco, 1962. Encre sur papier. 31,6 x 44,0 cm. Fonds Fondation L-B. Collection MoMA. © 2019 The Museum of Modern Art

Fait intéressant, Vedova évoluait dans un cercle social avec Jackson Pollock et Franz Kline. Vedova se lia d’amitié avec l’une de leurs principales mécènes, Peggy Guggenheim, lors de sa visite à Venise en 1946 ; la collectionneuse influente acheta plusieurs œuvres de Vedova et l’aida même à exposer aux États-Unis. Mais pour être juste envers Vedova et les expressionnistes abstraits, leur travail n’est en réalité pas du tout le même. Les expressionnistes abstraits se considéraient essentiellement comme américains et cherchaient à se défaire de l’héritage européen pour exprimer quelque chose d’unique à leur culture. Au contraire, Vedova se percevait comme un citoyen du monde. Lors d’un long séjour au Brésil en 1954, il fut fasciné par la manière dont la nature y exerçait sa puissance. Il décrivit sa transformation par cette « toute nouvelle géographie… Des villes qui avalent les hommes… La nature comme mélodrame, des ouragans semblables au Jugement dernier. » Il parla plus tard de ses propres œuvres en utilisant ce même type de langage, les décrivant non pas comme des peintures, mais comme des « tremblements de terre ».

Emilio Vedova - Tensione, N 4 V, 1959. Huile sur toile. 145,5 x 196 cm, encadrée. Signée, datée et titrée au verso. Galleria Blu, Milan (cachet au verso) / Collection privée européenne. © 2019 Dorotheum GmbH & Co KG

Redéfinir l’espace

Une autre qualité qui rendait Vedova distinctif était la manière dont il insinuait son travail dans les espaces d’exposition. En plus de ses grandes toiles, qui étaient accrochées de façon inattendue, il suspendait parfois d’immenses essaims de petites peintures sur un mur, serrées les unes contre les autres comme des affiches collées sur un mur urbain. Il réalisait aussi de grandes toiles circulaires, parfois assemblant les cercles perpendiculairement sur le sol. En 1961, il créa ses premiers « Plurimi », ou Multiples, un type d’assemblage autonome de surfaces peintes. En 1964, il exposa ce qui est considéré comme son chef-d’œuvre des Plurimi à la documenta III à Cassel, en Allemagne — Absurdes Berliner Tagebuch ´64 (Journal absurde de Berlin '64). L’œuvre ressemblait à un village de réfugiés en ruines, ou aux restes bombardés d’une ville. Cela semblait être une déclaration figurative et pacifiste, mais chacun des Plurimi pouvait aussi être lu comme une simple reproduction des compositions abstraites que Vedova utilisait dans ses peintures.

Emilio Vedova - Sans titre, 1984. Peinture sur toile. 120 x 90 cm, encadrée. Signée et datée au verso et sur le châssis. Galleria Salvatore + Caroline Ala, Milan / Collection privée européenne. © 2019 Dorotheum GmbH & Co KG

Peut-être l’aspect le plus révélateur de son style d’exposition était que Vedova préférait que ses peintures soient montrées ensemble en grands groupes. Nous avons l’habitude de voir une seule peinture d’un artiste, ou même dans une rétrospective, les peintures sont accrochées suffisamment espacées pour être considérées séparément, comme des objets précieux. Vedova regroupait souvent ses peintures, les empilait ou les suspendait de manière non traditionnelle, comme pour dire que les objets individuels n’étaient pas destinés à être vénérés. C’est l’effet d’ensemble qu’il voulait que les spectateurs considèrent. Cette attitude, selon laquelle chacune de ses peintures n’était pas une marchandise précieuse, distinguait encore Vedova de ses contemporains aux États-Unis. Cette attitude est aussi l’une des raisons pour lesquelles il est considéré comme ayant eu une grande influence sur les artistes de l’Arte Povera. Comme eux, Vedova ne cherchait jamais à satisfaire les systèmes artistiques existants ; il se contentait souvent de les démembrer.

Image en vedette : Emilio Vedova - Senza Titolo. Huile sur papier appliqué sur carton. 24 x 34 cm. Attestation d’authenticité au verso : Mon œuvre / E. Vedova : cachet Galerie Il Traghetto, Venise.
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio