Comment l'expressionnisme abstrait a influencé la sculpture - Une exposition du Guggenheim

Une exposition de sculptures récemment inaugurée au musée Solomon R. Guggenheim de New York semble confuse lorsqu'il s'agit de l'héritage des mouvements artistiques blancs et patriarcaux du passé. Noué, déchiré, éparpillé : la sculpture après l'expressionnisme abstrait prétend être une réflexion sur « les diverses façons dont les artistes des années 1960 et 1970 ont répondu aux réalisations des peintres expressionnistes abstraits pour formuler des approches uniques de la pratique sculpturale. » La conservation comprend des œuvres de la collection Guggenheim de six artistes : Richard Serra, Robert Morris, Tony Smith, Lynda Benglis, Senga Nengudi et Maren Hassinger. La conservation (et l'écriture qui l'accompagne) implique un niveau global de sympathie pour l'expressionnisme abstrait qui ne s'applique en réalité qu'à la moitié des artistes de l'exposition : les hommes. Qu’ils essayaient de le promouvoir ou qu’ils le rejetaient explicitement dans leur pratique, Serra, Morris et Smith ont chacun au moins déclaré à un moment donné leur sympathie à l’idée de faire partie de la lignée officielle de l’histoire de l’art à laquelle appartient l’expressionnisme abstrait. Cependant, il serait exagéré d’en dire autant de Benglis, Nengudi et Hassinger, les trois femmes dont le travail est présenté dans l’exposition. Tout au long de sa carrière, Benglis a attiré l'attention sur la misogynie de l'expressionnisme abstrait, du minimalisme et de leurs protagonistes, ainsi que sur l'ensemble de la vision raciste, sexiste et patriarcale de l'histoire de l'art qu'ils représentent. Nengudi et Hassinger, quant à eux, ont consacré leur carrière respective à la création de voix visuelles complètement distinctes qui, au contraire, renversent les systèmes patriarcaux et genrés célébrés dans cette série. Peut-être que le Guggenheim essayait d’être antisexiste et antiraciste en réunissant Benglis – un géant de l’art féministe – et Nengudi et Hassinger – deux femmes de couleur – dans une exposition mettant en vedette trois icônes de l’histoire de l’art blanc et patriarcal. Cependant, si telle était l’idée, j’ai l’impression que la tentative échoue et qu’elle atteint peut-être même l’objectif opposé.

Représentation dans l'inspiration

En 2014, le Musée d'Art Contemporain de Denver a organisé une rétrospective ambitieuse du travail de Senga Nengudi, qui est résidente de longue date de la proche Colorado Springs. Cette rétrospective a donné une représentation adéquate aux inspirations de cette artiste. Ce faisant, elle a clairement montré que Nengudi est une artiste distinctive dont le travail ne peut être expliqué en termes de canon historique de l'art habituel. Née à Chicago en 1943, elle a déménagé avec sa mère en 1949 à Los Angeles. Après avoir obtenu son BA à Cal State, elle a fréquenté l'Université Waseda à Tokyo pendant un an, où elle s'est familiarisée avec les idées et les méthodes du Groupe Gutai. À son retour à Los Angeles, elle est devenue membre du collectif expérimental Studio Z et a commencé à développer une pratique pluridisciplinaire ancrée dans l'intersection de la performance féministe noire et de la sculpture. En 1974, elle a commencé à travailler avec des collants, documentant des performances de danse intuitives dans lesquelles elle manifestait des habitations sculpturales de l'espace, s'emmêlant avec des longueurs de matériau qui étaient attachées aux murs. Son travail dans l'exposition actuelle du Guggenheim est tiré de cette série. Il pourrait plausiblement être placé dans l'héritage de Gutai, Fluxus, le féminisme et l'avant-garde noire, mais le caser dans une conversation sur l'expressionnisme abstrait est un peu exagéré.

Senga Nengudi - Pièce de performance, 1978/2013. Tirages à la gélatine argentique, triptyque, 40 x 31 1/2 pouces (101,6 x 80 cm) et 31 1/2 x 40 pouces (80 x 101,6 cm) chacun. A.P. 1/1, édition de 5. Photographies de Harmon Outlaw. Musée Solomon R. Guggenheim, New York, acheté avec des fonds apportés par le Photography Council, avec des fonds supplémentaires apportés par Manuel de Santaren 2019.20. © 2020 Senga Nengudi

Originaire de Los Angeles, Maren Hassinger a toujours eu une association avec Nengudi, et les deux sont même des collaborateurs occasionnels. Comme Nengudi, Hassinger est un artiste tout à fait distinctif dont le travail n'a pratiquement aucun lien avec l'héritage idéologique de l'expressionnisme abstrait. Hassinger a étudié au Bennington College dans le Vermont et a déploré la façon dont ses professeurs présentaient Clement Greenberg et sa vision de l'histoire de l'art comme la fin de tout. Ses sculptures et installations en fibre ont un poids émotionnel qui partage davantage avec les œuvres d'Eva Hesse, une autre artiste tout à fait distinctive, que Hassinger considère comme une influence. L'œuvre Hassinger présentée dans l'exposition Guggenheim a été récemment acquise par le musée. Il comporte des cordes nautiques à grande échelle avec des nœuds coulants attachés. D'une manière ou d'une autre, l'écriture accompagnant l'exposition relie cette œuvre à une sculpture en tas de feutre de Robert Morris. Je comprends que le Guggenheim souhaite montrer cette étonnante nouvelle acquisition de Hassinger, mais pourquoi prétendre que cela a quelque chose à voir avec le minimalisme ou Morris ? Les conservateurs étaient-ils mal à l’aise en donnant à cette œuvre puissante son propre espace pour exprimer ses véritables préoccupations ?

Lynda Benglis - Juliette, 1974. Plâtre d'aluminium, écran en aluminium, 32 1/2 × 19 3/4 × 7 1/4 pouces (82,6 × 50,2 × 18,4 cm). Musée Solomon R. Guggenheim, New York, don, collection Andrew Powie Fuller et Geraldine Spreckels Fuller, 2009.4. © Lynda Benglis / Sous licence VAGA chez Artists Rights

Remplacer le patriarcat

D'une manière quelque peu rétrospective, Lynda Benglis est la seule artiste féminine qui pourrait être incluse dans cette exposition car à la fin des années 1960, Benglis a réalisé une série de peintures au sol répondant à la position dominatrice et patriarcale adoptée par Pollock et l'abstraction. Expressionnistes. Cependant, Benglis ne faisait pas preuve de sympathie en imitant cette façon de peindre. Bien au contraire. C'était un geste destiné à ridiculiser le mouvement. Les deux œuvres de Benglis incluses dans Knotted, Torn, Scattered – « Two » et « Juliet » – ont été réalisées respectivement en 1973 et 1974. À cette époque, Benglis était passée à la réalisation d’œuvres vidéo révolutionnaires et, même si elle travaillait toujours dans d’autres médiums comme la sculpture, elle travaillait pleinement dans un espace mental créatif distinct de la masculinité et totalement éloigné de l’éthos de l’univers. canon historique de l’art centré sur les hommes. Il semble erroné que ces deux sculptures nouées de Benglis soient présentées dans cette exposition comme des extensions d’un héritage esthétique ou intellectuel initié par Pollock.

Montré au premier plan : Tony Smith - Wingbone, 1962. Plâtre, tissu et bois, 26 x 25 x 118 pouces (66 x 63,5 x 299,7 cm). Musée Solomon R. Guggenheim, New York, acheté grâce aux dons antérieurs d'Andrew Powie Fuller et Geraldine Spreckels Fuller Legs et Richard S. Zeisler Legs, 2013.7. © 2020 Succession de Tony Smith / Artists Rights Society (ARS), New York

Pour citer le Manifeste de la révolte féminine (1970), « La femme ne doit pas être définie par rapport à l'homme. L’homme n’est pas le modèle à suivre dans le processus de découverte de soi de la femme. Le même sentiment s’applique aux artistes qui s’associent à une identité humaine définie par rapport aux artistes de toute autre identité humaine. Regrouper les œuvres de Benglis, Nengudi et Hassinger dans une exposition célébrant l’histoire de l’art blanche et patriarcale sape le travail que ces artistes ont accompli pour manifester tout leur potentiel en tant qu’individus et nie leur véritable héritage. La version arbitraire et au mieux partielle de l’histoire de l’art sur laquelle s’appuie Knotted, Torn, Scattered a sa place, mais ces artistes méritent mieux que d’être montrés esclaves de celle-ci.

Image à la une : Maren Hassinger - Sans titre, 1972/2020. Corde. Dimensions variables. Musée Solomon R. Guggenheim, New York. Acheté grâce au don préalable du juge et de Mme Samuel I. Rosenman, 2020 © 2020 Maren Hassinger
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio