Comment 5 artistes contemporains basés à New York s’appuient-ils sur l’héritage d’Ellsworth Kelly ?

L'exposition Painting/Object, actuellement présentée à la FLAG Art Foundation à New York, examine cinq artistes contemporains créant des œuvres en dialogue avec l'art de Ellsworth Kelly. Cela fait 69 ans que Kelly a créé Window, Musée d'Art Moderne, Paris (1949). Composée de deux toiles rectangulaires empilées—une blanche au-dessus d'une grise, avec des bâtons noirs fixés autour des bords évoquant le cadre d'une fenêtre—c'était la première "peinture/objet" que Kelly a réalisée. C'était la base de chaque autre œuvre qu'il a créée jusqu'à sa mort en 2015. Kelly a discuté de Window avec éloquence dans un essai écrit 20 ans après avoir réalisé la pièce. Dans celui-ci, il se souvient d'avoir visité le Musée d'Art Moderne à Paris en 1949, et réalisant soudain qu'il était plus intéressé par les fenêtres entre les tableaux que par les tableaux eux-mêmes. Les fenêtres avaient une structure et une présence. Kelly a esquissé leur forme, et a ensuite traduit cette esquisse en ce qui est devenu son œuvre révolutionnaire. Ce n'était pas une peinture d'une fenêtre ; ni une abstraction d'une fenêtre ; ni une fenêtre réelle. Kelly l'a appelée une Peinture/Objet—une "observation impersonnelle de la forme." Il a dit que la pièce lui rappelait un souvenir d'enfance, celui de regarder à travers la fenêtre d'une maison qu'il passait et voyant "des formes rouges, bleues et noires à l'intérieur d'une pièce." Il a couru vers la fenêtre pour voir les formes, mais elles se sont dissoutes en objets réels—"un canapé rouge, un rideau bleu et une table noire." Il aspirait à revenir aux formes ; à capturer leur essence, leur simplicité, leur vérité. Window était sa première tentative mûre pour atteindre cet objectif. Avec cela, il avait l'impression de redécouvrir "un art de type européen pré-Renaissance... la qualité d'objet des artefacts, le fait que l'œuvre était plus importante que la personnalité de l'artiste." Même aujourd'hui, Window est facile à mal comprendre, et lorsqu'on le compare à d'autres chefs-d'œuvre plus évidents, il est facile de le négliger. Néanmoins, il a été vénéré par trois générations d'artistes suivantes, y compris ces cinq artistes contemporains présentés dans Painting/Object, pour qui la valeur de Window est évidente.

Sarah Crowner

Outre le langage visuel des formes qu'elle mobilise dans son travail, Sarah Crowner (née en 1974) a en commun avec Ellsworth Kelly une histoire de frustration face à la peinture. Crowner est arrivée à sa technique consistant à coudre ses toiles à partir de morceaux d'autres toiles peintes après avoir recherché une approche plus constructive du médium. Les points de surface confèrent à ses œuvres finies une présence frankensteinienne. Le langage assemblé de la forme et de la couleur éradique toute référence à la réalité objective. Comme les œuvres de Kelly, ces peintures peuvent être lues comme étant purement autoréférentielles, comme des objets concrets dont les qualités sont uniques. Cependant, contrairement aux œuvres de Kelly, Crowner a également déclaré que ses œuvres « offrent l’idée qu’une peinture ou une sculpture pourrait fonctionner comme une proposition pour autre chose ».

Sarah Crowner - Standing Legs (Red), 2017, Acrylique sur toile, cousue, 48 x 48 pouces, Avec l'aimable autorisation de l'artiste et Casey Kaplan, New York

N. Dash

La connexion entre N. Dash et Ellsworth Kelly peut ne pas être évidente au premier abord. Bien que ses peintures emploient une sensibilité légèrement géométrique qui rappelle celle de Kelly, la matérialité et les qualités texturales de son travail donnent l'impression qu'il pourrait avoir plus en commun avec l'Arte Povera ou Dansaekhwa. Indéniablement, cependant, une connexion existe entre Dash et Kelly sur un plan philosophique. Kelly a un jour déclaré : "Dans ma peinture, la peinture est le sujet plutôt que le sujet, la peinture." Dash incarne cette notion en combinant des matériaux finis comme la peinture et la toile avec les matières premières qui ont servi à leur production. Par exemple, elle pourrait combiner de la peinture avec les éléments terrestres dont elle a été créée, créant une substance semblable à de la boue. Plutôt que d'utiliser cette substance pour communiquer un sujet dans une peinture ou une sculpture, cette substance elle-même devient le sujet de l'œuvre.

N. Dash - Untitled, 2018, Adobe, gesso, toile, émail, lin, pigment, acrylique, polystyrène, support en bois, 107 x 24” / 271,78 x 60,96 cm, avec l'aimable autorisation de l'artiste et Casey Kaplan, New York, Photo : Jason Wyche

Sam Moyer

Kelly a déclaré qu'il pouvait « prendre tout » de la vie pour construire ses formes. Sam Moyer (née en 1983) interprète cette idée littéralement, empruntant des objets réels à la vie, tels que des plaques de marbre ou des morceaux de tissu, et les attachant sur une surface pour construire ses œuvres. Plutôt que de les simplifier comme le faisait Kelly, Moyer permet à ces objets de manifester leurs propres qualités, telles quelles. Ses œuvres contiennent un langage visuel lié à la fragmentation et à la recombinaison. Par leur présence physique et formelle, ils offrent une proposition logique pour faire avancer la peinture/objet.

Sam Moyer - Rye, 2018, pierre, toile peinte à la main montée sur panneau MDF, 76 5/8 x 60 3/8 pouces, avec l'aimable autorisation de l'artiste et Sean Kelly , New York

Julia Rommel

Dans le cas de Julia Rommel (née en 1980), on a plus l'impression qu'elle fait des objets/peintures que des peintures/objets. La différence est subtile, mais évidente dans son travail. Comme Ellsworth Kelly, Rommel introduit des formes du monde réel dans ses compositions. Mais plutôt que d’extraire ces formes de la nature, les formes qu’elle utilise sont ses propres peintures. Elle étire les toiles, les peint puis les retire des barres de châssis et les rattache à des barres de châssis plus grandes. En superposant les toiles les unes sur les autres, elle attire l'attention sur leurs bords. L’objectivité de ces peintures accumulées est essentielle au caractère de l’œuvre.

Julia Rommel - The Unbelievers, 2016, huile sur lin, 71 1/2 x 106 5/8 pouces, avec l'aimable autorisation de l'artiste et du Bureau, New York

Erin Shirreff

Travaillant principalement dans les médiums de la photographie et de la sculpture, Erin Shirreff (née en 1975) ne peut pas être considérée comme faisant exactement de la peinture/des objets. Néanmoins, son travail exalte l’esprit d’Ellsworth Kelly à bien des égards. Shirreff assemble ses compositions à partir de fragments visuels qui parlent de la géométrie biomorphique du monde naturel. Des combinaisons de formes arrondies et volumineuses et de structures architectoniques rigides se combinent de manière à rappeler quelque chose de connu, tout en déclarant qu'elles font référence à un monde de possibilités inconnu. Dans un sens, Shirreff prend la philosophie et le langage visuel de l’objet/peinture et l’étend au domaine du surréaliste.

Erin Shirreff - Fig. 3, 2017, impression pigmentaire d'archives, 40 x 54 pouces, avec l'aimable autorisation de l'artiste et Sikkema Jenkins & Co.

La peinture/l'objet est exposé jusqu'au 19 mai 2018 à The FLAG Art Foundation à New York, et présente des œuvres de Sarah Crowner, N. Dash, Sam Moyer, Julia Rommel et Erin Shirreff. Actuellement, l'exposition Ellsworth Kelly est visible au 9ème étage de la galerie.

Image présentée : Sarah Crowner - Sliced ​​Greens, 2018, Acrylique sur toile, cousue, 65 x 60 pouces, avec l'aimable autorisation de l'artiste et Casey Kaplan, New York

Par Phillip Barcio