Comment 5 artistes contemporains basés à New York s’appuient-ils sur l’héritage d’Ellsworth Kelly ?

L'exposition Peinture/Objet, actuellement présentée à la Fondation d'Art FLAG à New York, examine cinq artistes contemporains dont le travail dialogue avec l'art de Ellsworth Kelly. Cela fait 69 ans que Kelly a créé Window, Musée d'Art Moderne, Paris (1949). Composée de deux toiles rectangulaires empilées — une blanche au-dessus d'une grise, avec des baguettes noires fixées autour des bords évoquant le cadre d'une fenêtre — c'était la première « peinture/objet » réalisée par Kelly. Elle a servi de base à toutes ses œuvres jusqu'à sa mort en 2015. Kelly a parlé avec éloquence de Window dans un essai écrit vingt ans après avoir réalisé cette pièce. Il y évoque sa visite au Musée d'Art Moderne de Paris en 1949, et la prise de conscience soudaine qu'il s'intéressait davantage aux fenêtres entre les tableaux qu'aux tableaux eux-mêmes. Ces fenêtres avaient une structure et une présence. Kelly a esquissé leur forme, puis a transformé ce croquis en ce qui allait devenir son œuvre majeure. Ce n'était pas une peinture d'une fenêtre ; ni une abstraction d'une fenêtre ; ni une fenêtre réelle. Kelly l'a appelée Peinture/Objet — une « observation impersonnelle de la forme ». Il a dit que cette œuvre lui rappelait un souvenir d'enfance, celui de regarder à travers la fenêtre d'une maison qu'il croisait et de voir « des formes rouges, bleues et noires à l'intérieur d'une pièce ». Il s'est précipité vers la fenêtre pour voir ces formes, mais elles se sont transformées en objets réels — « un canapé rouge, un rideau bleu et une table noire ». Il aspirait à revenir aux formes ; à saisir leur essence, leur simplicité, leur vérité. Window fut sa première tentative mûre pour atteindre cet objectif. Avec elle, il sentait avoir redécouvert « un art européen de type pré-Renaissance... la qualité d'objet des artefacts, le fait que l'œuvre était plus importante que la personnalité de l'artiste ». Encore aujourd'hui, Window est facile à mal comprendre, et comparée à d'autres chefs-d'œuvre plus évidents, facile à négliger. Néanmoins, elle a été vénérée par trois générations d'artistes successives, y compris ces cinq artistes contemporains présentés dans Peinture/Objet, pour qui la valeur de Window est évidente.

Sarah Crowner

En plus du langage visuel des formes et des figures qu'elle mobilise dans son travail, Sarah Crowner (née en 1974) partage avec Ellsworth Kelly une histoire de frustration envers la peinture. Crowner est arrivée à sa technique de coudre ses toiles à partir de morceaux d'autres toiles peintes après avoir cherché une approche plus constructive du médium. Les points de couture en surface donnent à ses œuvres achevées une présence à la Frankenstein. Le langage assemblé de formes et de couleurs élimine toute référence à la réalité objective. Comme les œuvres de Kelly, ces peintures peuvent être lues comme purement autoréférentielles — des objets concrets dont les qualités sont uniques. Cependant, contrairement aux œuvres de Kelly, Crowner a aussi déclaré que ses œuvres « proposent l'idée qu'une peinture ou une sculpture pourrait fonctionner comme une proposition pour autre chose ».

Sarah Crowner - Standing Legs (Rouge), 2017, Acrylique sur toile, cousue, 48 x 48 pouces, Avec l'aimable autorisation de l'artiste et Casey Kaplan, New York

N. Dash

Le lien entre N. Dash et Ellsworth Kelly peut ne pas être évident au premier abord. Bien que ses peintures emploient une sensibilité légèrement géométrique qui rappelle Kelly, la matérialité et les qualités texturales de son travail donnent l'impression qu'il pourrait avoir plus en commun avec l'Arte Povera ou Dansaekhwa. Indéniablement, cependant, une connexion existe entre Dash et Kelly sur un plan philosophique. Kelly a dit un jour : « Dans ma peinture, la peinture est le sujet plutôt que le sujet, la peinture. » Dash incarne cette idée en combinant des matériaux finis comme la peinture et la toile avec les matières premières qui ont servi à leur fabrication. Par exemple, elle peut mêler la peinture aux éléments terrestres dont elle est issue, créant une substance semblable à de la boue. Plutôt que d'utiliser cette substance pour communiquer un sujet dans une peinture ou une sculpture, cette substance devient elle-même le sujet de l'œuvre.

N. Dash - Sans titre, 2018, Adobe, gesso, toile, émail, lin, pigment, acrylique, polystyrène, support en bois, 107 x 24” / 271,78 x 60,96 cm, Avec l'aimable autorisation de l'artiste et Casey Kaplan, New York, Photo : Jason Wyche

Sam Moyer

Kelly disait qu'il pouvait « prendre de tout » dans la vie pour construire ses formes. Sam Moyer (née en 1983) interprète cette idée au pied de la lettre, empruntant des objets réels de la vie, tels que des dalles de marbre ou des morceaux de tissu, qu'elle fixe sur une surface pour construire ses œuvres. Plutôt que de les simplifier comme Kelly le faisait, Moyer laisse ces objets manifester leurs propres qualités, telles qu'elles sont. Ses œuvres contiennent un langage visuel lié à la fragmentation et à la recombinaison. Par leur présence formelle physique, elles proposent une avancée logique pour faire évoluer la Peinture/Objet.

Sam Moyer - Rye, 2018, pierre, toile peinte à la main montée sur panneau MDF, 76 5/8 x 60 3/8 pouces, Avec l'aimable autorisation de l'artiste et Sean Kelly, New York

Julia Rommel

Dans le cas de Julia Rommel (née en 1980), on a plutôt l'impression qu'elle réalise des Objets/Peintures plutôt que des Peintures/Objets. La différence est subtile, mais évidente dans son travail. Comme Ellsworth Kelly, Rommel introduit des formes du monde réel dans ses compositions. Mais plutôt que de sélectionner ces formes dans la nature, les formes qu'elle utilise sont ses propres peintures. Elle tend des toiles, les peint, puis les retire des châssis pour les rattacher à des châssis plus grands. En superposant les toiles les unes sur les autres, elle attire l'attention sur leurs bords. Le caractère d'objet de ces peintures accumulées est essentiel à la nature de l'œuvre.

Julia Rommel - The Unbelievers, 2016, Huile sur lin, 71 1/2 x 106 5/8 pouces, Avec l'aimable autorisation de l'artiste et Bureau, New York

Erin Shirreff

Travaillant principalement dans les médiums de la photographie et de la sculpture, Erin Shirreff (née en 1975) ne peut pas être dite réalisatrice de Peintures/Objets à proprement parler. Néanmoins, son travail exalte l'esprit d'Ellsworth Kelly à bien des égards. Shirreff assemble ses compositions à partir de fragments visuels qui évoquent la géométrie biomorphique du monde naturel. Des combinaisons de formes arrondies et volumineuses et de structures rigides et architectoniques se mêlent de manière à rappeler quelque chose de connu, tout en affirmant qu'elles font référence à un monde inconnu de possibilités. En un sens, Shirreff prend la philosophie et le langage visuel de l'Objet/Peinture et les étend au domaine du Surréel.

Erin Shirreff - Fig. 3, 2017, Tirage pigmentaire d'archive, 40 x 54 pouces, Avec l'aimable autorisation de l'artiste et Sikkema Jenkins & Co.

Peinture/Objet est visible jusqu'au 19 mai 2018 à La Fondation d'Art FLAG à New York, et présente des œuvres de Sarah Crowner, N. Dash, Sam Moyer, Julia Rommel et Erin Shirreff. Actuellement, l'exposition Ellsworth Kelly est visible au 9e étage de la galerie.

Image en vedette : Sarah Crowner - Sliced Greens, 2018, Acrylique sur toile, cousue, 65 x 60 pouces, Avec l'aimable autorisation de l'artiste et Casey Kaplan, New York

Par Phillip Barcio