Jim Hodges transforme le Grand Central de New York en une installation abstraite

Jim Hodges est l’un de ces rares artistes abstraits dont l’œuvre parvient à exprimer les aspects les plus troublés de l’esprit de notre époque tout en en révélant simultanément la beauté. Une nouvelle installation de Hodges, intitulée « J’ai rêvé d’un monde et je l’ai appelé Amour », a récemment été inaugurée à la gare Grand Central de New York. Tirant son nom, ainsi que sa présence matérielle, d’une exposition éponyme de 2016 à la galerie Gladstone, située sur la 21e rue à New York, l’installation couvre plusieurs surfaces s’étendant sur plus de 65 mètres carrés, et se compose de plus de 5 000 morceaux distincts de verre découpé. L’œuvre partage une tradition matérielle avec le vitrail. Contrairement à une fenêtre en vitrail, cependant, qui laisse passer la lumière à travers la surface, cette installation est fixée sur des surfaces opaques, ce qui met en valeur les propriétés réfléchissantes du verre coloré. Comment cette œuvre exprime-t-elle les aspects les plus troublés de l’esprit de notre temps ? Elle est fracturée ; parfois chaotique ; et d’apparence plus qu’un peu apocalyptique. Comment exprime-t-elle la beauté de ce moment ? Elle embrasse le mouvement ; le dynamisme ; la brillance ; et elle mobilise un arc-en-ciel de couleurs qui — contrairement à la plupart des représentations visuelles des arcs-en-ciel — inclut le noir et le brun. La palette crie la nature, du bleu de l’océan et de l’atmosphère au vert de la forêt et aux rouges et bruns du sol. Pourtant, l’aspect fabriqué de la pièce nous dit clairement qu’elle est le fruit d’une intervention humaine. Enfin, il y a quelque chose d’ouvertement optimiste dans cette installation. Elle ne commente pas le fardeau des faits et des données, mais les possibilités primordiales contenues dans l’acte de création. Elle n’appartient pas à l’ère mourante de l’information, qui, franchement, me laisse épuisé et exploité, mais à l’ère émergente de l’imagination, qui promet que tout est possible.

Élargir le champ élargi

Chaque domaine comprend certains travaux sales et difficiles qui doivent être accomplis. Les personnes qui commencent par faire l’un de ces travaux, puis qui plus tard atteignent le sommet, ont tendance à être mes préférées, car elles comprennent à un niveau fondamental et matériel ce qu’est leur profession. Dans les arts visuels, l’un de ces métiers est manutentionnaire d’œuvres d’art : les personnes qui emballent, expédient et accrochent les œuvres que nous voyons sur les murs des galeries et des musées. Les artistes qui travaillent comme manutentionnaires d’œuvres apprennent l’importance de l’artisanat, et comprennent littéralement à quel point il est important que les gens aient une relation physique avec l’art. Après avoir obtenu son diplôme de maîtrise en peinture à l’Institut Pratt de Brooklyn, Jim Hodges a commencé sa carrière comme manutentionnaire d’œuvres. Il a fait ce travail en échange d’un atelier gratuit. En emballant, transportant et accrochant des œuvres à New York, il s’est transformé d’un peintre traditionnel en un artiste travaillant dans le champ élargi de la peinture : un univers théorique où la couleur, la surface et la composition se libèrent de la toile et du mur pour habiter toutes les surfaces, tous les matériaux et tous les espaces.

Vue de l’installation, Jim Hodges, J’ai rêvé d’un monde et je l’ai appelé Amour, à la galerie Gladstone, New York, 2016

Sa rétrospective de mi-carrière de 2014 intitulée « Donnez plus que vous ne prenez » à l’Institut d’art contemporain de Boston était une leçon sur la manière dont Hodges a utilisé les trois décennies depuis ses débuts comme manutentionnaire pour élargir le champ élargi. Un mur de serviettes usagées, chacune ornée d’une image fragile d’une fleur, démontrait comment une image peinte est étrangement et magnifiquement similaire en certains aspects à un tombeau : un joli contenant pour garder quelque chose qui fut peut-être, ou peut-être jamais. Un plafond tapissé de cloches en verre soufflé suspendues, chacune peinte à l’intérieur d’une teinte délicate et pastel, devenait plus qu’une installation spécifique au lieu à traverser. Elle capturait et libérait la lumière changeante d’une fenêtre adjacente ; elle taquinait l’esprit avec la promesse de sons charmants ; et si un spectateur était assez audacieux et courageux pour s’allonger par terre et regarder en haut, elle se transformait en une composition de couleur et de forme sur une surface plane — une peinture dans un champ élargi.

Les voyageurs passant devant l’installation permanente de Jim Hodges, J’ai rêvé d’un monde et je l’ai appelé Amour à la gare Grand Central de New York. Image reproduite avec l’aimable autorisation de la galerie Gladstone.

Potentiel réfléchissant

Lorsqu’il a commencé sa carrière dans les années 1980, la crise du sida était une préoccupation cruciale pour Hodges. Il a parfois parlé du manque d’humanité dans notre société, un défi central qui a rendu les pires années de la pandémie du sida bien plus meurtrières qu’elles n’auraient dû l’être. Aujourd’hui, dans notre pandémie actuelle, tout comme alors, nous refusons de nous voir dans les autres, et nous manquons souvent même de reconnaître ce que nous sommes vraiment. Dans beaucoup de ses œuvres, Hodges a exprimé l’idée de l’humanité, et de sa compagne constante, la mort. Une image qu’il invoque fréquemment est celle d’une toile d’araignée — une allégorie abstraite pour ceux d’entre nous qui se nourrissent les uns des autres, et ceux d’entre nous qui sont impuissants, pris au piège par leurs tourmenteurs.

L’installation permanente de Jim Hodges, J’ai rêvé d’un monde et je l’ai appelé Amour à la gare Grand Central de New York. Image reproduite avec l’aimable autorisation de la galerie Gladstone.

Avec ses formes biomorphiques coulantes et fluides, « J’ai rêvé d’un monde et je l’ai appelé Amour » à la gare Grand Central est aussi ancrée dans la nature qu’une toile d’araignée le serait. Beaucoup de personnes qui la croisent la dépasseront sans doute aussi vite qu’une mouche, désespérées de ne pas se faire piéger. Ceux qui s’arrêtent et contemplent l’œuvre verront d’abord ce qui est superficiel en elle — ses qualités plastiques ; la lumière et le mouvement. Ils pourront ressentir le poids du verre, un matériau né de la terre et du feu. Avec le temps, ils pourront avoir des réactions métaphysiques — un sentiment troublant de forces primordiales induisant un changement fondamental. Qu’ils s’arrêtent et deviennent introspectifs de cette manière ou qu’ils se contentent de passer rapidement, tous ceux qui voient cette œuvre saisiront au moins intuitivement son potentiel réfléchissant. Ils se verront en elle. Ils verront les autres en elle. C’est une œuvre empathique en ce sens — un témoignage d’un artiste qui a passé de nombreuses années à nous aider à comprendre ce que signifie être humain.

Image en vedette : L’installation permanente de Jim Hodges, J’ai rêvé d’un monde et je l’ai appelé Amour à la gare Grand Central de New York. Image reproduite avec l’aimable autorisation de la galerie Gladstone.
Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement
Par Phillip Barcio