Jim Hodges transforme le Grand Central de New York en une installation abstraite

Jim Hodges est l'un de ces rares artistes abstraits dont le travail parvient à exprimer les aspects les plus troublés de l'esprit de notre temps tout en exprimant simultanément sa beauté. Une nouvelle installation de Hodges, intitulée « J'ai rêvé un monde et je l'ai appelé Love », a récemment ouvert ses portes à la gare Grand Central de New York. Tirant son nom et sa présence matérielle d'une exposition éponyme de 2016 à la 21e rue de la Gladstone Gallery à New York, l'installation couvre plusieurs surfaces s'étendant sur plus de 700 pieds carrés et se compose de plus de 5 000 morceaux de verre taillés distincts. L'œuvre partage une tradition matérielle avec le vitrail. Mais contrairement à un vitrail qui laisse passer la lumière à travers la surface, cette installation est montée sur des surfaces opaques, ce qui met en valeur les propriétés réfléchissantes du verre coloré. Comment cette œuvre exprime-t-elle les aspects les plus troubles de l’esprit de notre époque ? Il est fracturé ; parfois chaotique ; et plus qu'un peu apocalyptique. Comment exprime-t-il la beauté de ce moment ? Il embrasse le mouvement ; dynamisme; briller; et il mobilise un arc-en-ciel de couleurs qui, contrairement à la plupart des représentations visuelles des arcs-en-ciel, comprend le noir et le marron. La palette évoque la nature, du bleu de l'océan et de l'atmosphère au vert de la forêt et aux rouges et bruns du sol. Pourtant, l’aspect fabriqué de la pièce nous indique qu’elle est clairement le résultat d’une intervention humaine. Enfin, il y a quelque chose de ouvertement optimiste dans cette installation. Il ne commente pas le fardeau des faits et des données, mais les possibilités primordiales contenues dans l’acte de création. Cela n’appartient pas à l’ère mourante de l’information, qui me donne franchement le sentiment d’être épuisé et exploité, mais à l’ère émergente de l’imagination, qui promet que tout est possible.

Élargir le champ élargi

Chaque domaine comprend certains travaux sales et difficiles à accomplir. Les gens qui commencent par exercer un de ces métiers, puis accèdent ensuite au sommet, ont tendance à être mes personnes préférées, car ils comprennent, à un niveau fondamental et matériel, ce qu'est leur métier. Dans les arts visuels, l’un de ces emplois est celui de manutentionnaire : les personnes qui emballent, expédient et accrochent les œuvres d’art que nous voyons sur les murs des galeries et des musées. Les artistes qui travaillent comme manipulateurs d’art apprennent l’importance de l’artisanat et comprennent littéralement à quel point il est important pour les gens d’avoir une relation physique avec l’art. Après avoir obtenu sa maîtrise en peinture au Pratt Institute de Brooklyn, Jim Hodges a commencé sa carrière en tant que manipulateur d'art. Il a fait le travail en échange d'un espace de studio gratuit. En boxant, trimballant et accrochant des œuvres d'art à New York, il s'est transformé de peintre traditionnel en artiste travaillant dans le domaine élargi de la peinture: un univers théorique où la couleur, la surface et la composition s'affranchissent de la toile et du mur pour habiter toutes les surfaces, tous les matériaux, et tous les espaces.

Vue d'installation, Jim Hodges, J'ai rêvé un monde et je l'ai appelé amour, à la Gladstone Gallery, New York, 2016

Sa rétrospective de mi-carrière de 2014 intitulée « Give More Than You Take » à l'Institute of Contemporary Art de Boston était une clinique de la façon dont Hodges a utilisé les trois décennies écoulées depuis ses débuts en tant que manipulateur d'art pour élargir son domaine élargi. Un mur de serviettes usagées, chacune ornée d’une image fragile d’une fleur, démontrait à quel point une image peinte ressemble étrangement et magnifiquement à une crypte : un joli récipient pour contenir quelque chose qui a peut-être été ou qui n’a jamais été. Un plafond bordé de cloches suspendues en verre soufflé, chacune peinte à l'intérieur d'une teinte pastel délicate, est devenue plus qu'une installation spécifique au site à parcourir. Il capturait et diffusait la lumière changeante d’une fenêtre adjacente ; il taquinait l'esprit avec la promesse de sons charmants ; et si un spectateur était assez effronté et courageux pour s'allonger sur le sol et lever les yeux, cela se transformait en une composition de couleurs et de formes sur une surface plane – une peinture dans un champ élargi.

Des navetteurs passant devant l'installation permanente de Jim Hodges J'ai rêvé d'un monde et je l'ai appelé Love au Grand Central Terminal de New York. Image gracieuseté de la galerie Gladstone.

Potentiel de réflexion

Lorsqu'il a débuté sa carrière dans les années 1980, la crise du sida était une préoccupation majeure pour Hodges. Il a parfois parlé du manque d’humanité dans notre société, un défi central qui a rendu les pires années de la pandémie du SIDA bien plus meurtrières qu’elles n’auraient dû l’être. Aujourd’hui, dans notre pandémie actuelle, tout comme à l’époque, nous refusons de nous voir dans les autres et, souvent, nous ne parvenons même pas à reconnaître ce que nous sommes réellement. Dans nombre de ses œuvres, Hodges a exprimé l’idée de l’humanité et de sa constante compagne, la mort. Une image qu’il évoque fréquemment est celle d’une toile d’araignée – une allégorie abstraite pour ceux d’entre nous qui se nourrissent les uns des autres et pour ceux d’entre nous qui sont impuissants prisonniers des pièges de nos bourreaux.

Installation permanente de Jim Hodges J'ai rêvé d'un monde et je l'ai appelé Love au Grand Central Terminal de New York. Image gracieuseté de la galerie Gladstone.

Avec ses formes biomorphiques qui suintent et s'écoulent, "J'ai rêvé un monde et je l'ai appelé Amour" dans la gare Grand Central est aussi ancré dans la nature qu'une toile d'araignée. Beaucoup de personnes qui le rencontrent passeront sans aucun doute devant aussi vite qu'une mouche, désespérées de ne pas se faire piéger dans un piège perçu. Ceux qui s'arrêtent et contemplent l'œuvre verront d'abord ce qui est superficiel à son sujet—ses qualités plastiques ; la lumière et le mouvement. Ils pourraient sentir le poids du verre, un matériau né de la terre et du feu. Avec le temps, ils peuvent avoir des réactions métaphysiques—une sensation inconfortable de forces primordiales induisant un changement fondamental. Qu'ils s'arrêtent et deviennent introspectifs de cette manière ou qu'ils passent simplement rapidement, tous ceux qui voient cette œuvre saisiront au moins intuitivement son potentiel réflexif. Ils se verront dedans. Ils verront les autres dedans. C'est une œuvre d'art empathique de cette manière—un témoignage d'un artiste qui a passé de nombreuses années à s'efforcer de nous aider à comprendre ce que signifie être humain.

Image à la une : Installation permanente de Jim Hodges J'ai rêvé d'un monde et j'ai appelé it Love au Grand Central Terminal de New York. Image gracieuseté de la galerie Gladstone.
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio