Mary Corse : une enquête en lumière au Whitney

Une grande rétrospective de la carrière de Mary Corse est présentée cet été au Whitney Museum of American Art à New York. Intitulée Mary Corse : Une enquête sur la lumière, l'exposition aborde de nombreuses découvertes clés que Corse a faites dans son atelier au cours des 50 dernières années. Presque en rétrospective, les recherches actuelles classent Corse comme membre du Mouvement Lumière et Espace qui a émergé en Californie dans les années 1950 et 60. En effet, cela semble à première vue, pour ainsi dire, être une affirmation appropriée à propos de cette artiste, puisque la lumière et l’espace sont essentiels à beaucoup de ses œuvres. Pourtant, comme le montre cette exposition, son œuvre est en réalité bien plus difficile à classer que ce que ce label pratique laisse entendre. En plus de la lumière et de l’espace, Corse a exploré de nombreuses autres idées au cours de sa carrière, notamment les mystères de la planéité, de la perception, de la subjectivité, et l’idée que moins c’est plus. En un sens, elle s’intéresse autant à la science et à la philosophie qu’à l’art. L’une de ses plus grandes préoccupations est l’idée qu’aucune œuvre d’art ne peut exister sans un esprit humain capable de la percevoir.

Pas d’arbre, pas de forêt

Il existe une vieille énigme que vous avez probablement déjà entendue, qui demande : « Si un arbre tombe dans la forêt, mais que personne n’est là pour l’entendre, est-ce qu’il fait du bruit ? » Mary Corse a donné son point de vue sur cette question en 2015, lors d’une interview avec Alex Bacon pour le Brooklyn Rail. Elle a dit : « il n’y a pas de réalité extérieure sans perception. En d’autres termes, l’arbre ne tombe pas si personne ne regarde. » Tout dans cette énigme dépend de l’humanité. S’il n’y a personne dans la forêt doté de la capacité cognitive de percevoir, non seulement l’arbre ne fait pas de bruit, mais il n’y a pas d’arbre, car le mot arbre, la notion de forêt, le concept de bruit — ce sont tous des constructions humaines. Ils existent indépendamment des réalités concrètes uniquement dans nos esprits. L’idée d’existence exige la perception.

Mary Corse - Sans titre (Série Terre Noire), 1978. Céramique, deux carreaux, 243,8 x 121,9 cm. Avec l’aimable autorisation de Kayne Griffin Corcoran, Los Angeles, Lehmann Maupin, New York ; et Lisson Gallery, Londres. Photographie © Mary Corse

L’art est donc la reformulation de l’existence telle qu’elle se manifeste par le corps et se traduit par l’esprit. Corse n’est pas tant une artiste Lumière et Espace qu’une artiste dont l’expérience de la réalité a été influencée par les qualités de la lumière et de l’espace. Son intérêt a commencé une nuit dans les années 1960 alors qu’elle conduisait, lorsqu’elle a remarqué la nature réfléchissante des lignes blanches sur la route. Elle a perçu l’existence de la lumière et de l’espace à travers son expérience. Lorsqu’elle est retournée dans son atelier et a essayé de traduire cette expérience, de la reformer en un objet physique, ses efforts l’ont conduite à rechercher les mêmes billes de verre que l’on trouve dans les lignes peintes sur la route afin de les mélanger à sa peinture. Cette avancée a donné naissance à la possibilité que les spectateurs partagent le même sentiment qu’elle avait dans sa voiture lorsqu’ils rencontrent son œuvre.

Mary Corse - Sans titre (Série Terre Noire), 1978. Céramique, deux carreaux, 243,8 x 121,9 cm. Avec l’aimable autorisation de Kayne Griffin Corcoran, Los Angeles, Lehmann Maupin, New York ; et Lisson Gallery, Londres. Photographie © Mary Corse

Lumière, Espace, Couleur, Terre et Esprit

En plus de ses peintures aux billes de verre, la rétrospective du Whitney explore également de nombreux autres ensembles d’œuvres que Corse a développés. Un exemple est ses boîtes lumineuses, qu’elle a d’abord fabriquées en suspendant des boîtes remplies d’ampoules au mur, avec des fils pendants. Puis elle a supprimé le mur et a suspendu les boîtes lumineuses à des fils fixés au plafond. Ensuite, elle a décidé de se débarrasser complètement des fils, alors elle a suivi un cours de physique et a appris à construire son propre générateur à l’aide de bobines Tesla. Corse cherchait à isoler l’expérience de manière à ce que l’œuvre ne montre aucune trace de sa main. Elle voulait créer une expérience totalement objective.

Mary Corse - Sans titre (Bande intérieure multiple blanche), 2003. Microsphères de verre et acrylique sur toile, 243,8 x 609,6 cm. Avec l’aimable autorisation de Kayne Griffin Corcoran, Los Angeles, Lehmann Maupin, New York ; et Lisson Gallery, Londres. Photographie © Mary Corse

Cependant, ses études de physique l’ont conduite à la physique quantique, qui lui a enseigné la leçon de l’arbre et de la forêt : il n’existe pas d’objectivité ; tout est subjectif. Une fois qu’elle a réintégré la subjectivité de la perception, Corse s’est détournée du plastique et de la lumière pour créer un ensemble d’œuvres qu’elle a appelé peintures Terre Noire — des plaques de céramique noire modelées d’après des empreintes de la terre autour de sa maison rurale en Californie. Comme le montre l’exposition du Whitney, les surfaces en céramique de ces peintures Terre Noire réfléchissent encore la lumière, mais la lumière n’est pas leur seule préoccupation. Leur présence change lorsque le spectateur se déplace autour d’elles, rendant les œuvres cinétiques. Cela signifie qu’elles concernent en réalité davantage l’énergie, le principe fondamental à la fois du mouvement et de la lumière.

Mary Corse - Sans titre (Diamant blanc, bande négative), 1965. Acrylique sur toile, 213,36 x 213,36 cm. Collection de Michael Straus. Photographie © Mary Corse

L’art est un état d’esprit

En plus de ses boîtes lumineuses, peintures Lumière Blanche et peintures Terre Noire, la rétrospective du Whitney comprend également des exemples des sculptures autoportantes à panneaux multiples que Corse réalise. Ces œuvres utilisent la lumière en la reflétant sur leurs surfaces blanches peintes, et elles exploitent aussi les fines bandes d’espace vide qui existent entre les panneaux. Cette division, composée de vide, est une idée à laquelle Corse revient souvent. Dans ses premières œuvres, elle divisait ses peintures par une bande verticale. Dans certaines œuvres récentes, une ligne centrale existe aussi, mais elle n’est visible que de face — elle disparaît lorsqu’on la regarde de côté. De même, si vous regardiez l’une de ses sculptures autoportantes de côté, la division disparaîtrait également. Cela soulève à nouveau des questions sur la relation entre existence et perception.

Mary Corse - Sans titre (Deux colonnes triangulaires), 1965. Acrylique sur bois et plexiglas, deux parties, 233,7 x 46 x 46 cm et 233,7 x 45,9 x 45,7 cm. Whitney Museum of American Art, New York ; don de Michael Straus en mémoire affectueuse de Howard et Helaine Straus 2016.6a-b

Fait intéressant, ces questions sont aussi au cœur de sa carrière professionnelle, alors que l’intérêt pour son travail s’est considérablement accru ces dernières années. Elle a toujours travaillé discrètement, exposant rarement et s’associant peu avec ses contemporains. Maintenant que tant de personnes et d’institutions perçoivent ce qu’elle a accompli, sa carrière devient plus concrète. C’est pourquoi, aujourd’hui plus que jamais, une rétrospective comme celle-ci au Whitney est essentielle. Elle agit comme un désinfectant, combattant la maladie de l’instabilité du monde de l’art en démontrant que Corse est intemporelle et inclassable, réfutant sa définition d’artiste Lumière et Espace en montrant que son œuvre est aussi complexe que l’esprit est capable de percevoir.

Image en vedette : Mary Corse - Sans titre (Espace + Lumière électrique), 1968. Lumière à argon, plexiglas et générateur haute fréquence, 114,9 x 114,9 x 12,1 cm. Museum of Contemporary Art San Diego ; achat du musée avec des fonds de la Fondation Annenberg. Photographie par Philipp Scholz Rittermann

Par Phillip Barcio