Mystique et métaphysique - L'art de Shirazeh Houshiary

Ce n’est pas toujours un plaisir de réfléchir à la nature de l’existence : nous sommes si manifestement fragiles, et cette vie est si évidemment temporaire. Mais pour ma part, je considère néanmoins comme une priorité de me confronter à la nature de ce que je suis. Heureusement, il y a des artistes comme Shirazeh Houshiary, qui m'aident en trouvant des moyens esthétiquement intéressants d'affronter les plus grandes questions, telles que : qu'est-ce qui est réel ; ce qui est imaginaire ; que signifie exister ; que signifie ne pas exister ; et l'existence finit-elle vraiment un jour ? Houshiary crée des objets qui, comme le dit un écrivain du UMASS Amherst Fine Arts Center, « supportent la tension entre l'être et la pensée ». Son travail est appelé mystique, un terme qui suggère le mystère et laisse entendre que quelque chose de spirituel est en jeu. Et je serais d’accord avec ce descripteur. Plus on regarde ses œuvres, plus elles prennent les caractéristiques de passeurs, d'entités ayant un pied dans ce monde et un pied dans l'autre, prêtes à vous aider à passer de l'autre côté. Mais le travail réalisé par Houshiary est aussi, bien souvent, qualifié de métaphysique. C’est un terme que je ne suis pas aussi prompt à adopter, même s’il est pour moi une source de fascination. Mais je me demande : « Comment quelque chose de physique peut-il aussi être métaphysique ? » La physique n’est-elle pas la branche de la connaissance humaine grâce à laquelle nous quantifions l’univers observable et mesurable ? Les œuvres d'art ne sont-elles pas définies par leurs propriétés observables et mesurables ? Le mot métaphysique vient du grec ancien ta meta ta phusika, signifiant les choses après p physique. Cela suggère explicitement que notre existence ne se limite pas à tout ce qui est observable ou mesurable. Il fait référence à l’invisible, à l’intangible, à l’évolution constante et à l’illimité. Je pense parfois que c'est magique de suggérer qu'un objet, comme une peinture, une sculpture ou une vidéo, puisse être métaphysique. Mais là encore, peut-être pas. Il y a peut-être une limite à ce que nous pouvons savoir, que nous étudiions les confins de l’espace ou les confins de notre propre corps et de notre esprit. Ou peut-être que tout ce qui suit la physique fait également partie de la physique, mais nous ne savons pas encore comment le voir, comment le mesurer, comment l’exprimer ou ce que cela signifie. Quoi qu’il en soit, c’est un sujet qui mérite d’être approfondi et qui est à l’origine de tout ce que fait Shirazeh Houshiary.

Chercher la révélation

Le premier travail de Shirazeh Houshiary que j'ai jamais vu était une peinture au Tate intitulée Voile. L'œuvre m'a attiré parce qu'elle semblait complètement noire. J'ai tendance à être attiré par les œuvres monochromatiques parce que j'aime m'en approcher pour voir de quoi elles sont faites et essayer de deviner comment elles ont été réalisées. L'absence totale de contenu narratif ou formel me permet d'apprécier d'autres choses, comme la texture, le brillant et la finition. Cela me permet aussi de vraiment me lâcher sur la couleur. Mais plus je regardais Voile, plus je réalisais que je ne regardais pas une peinture monochromatique. Dans l'arène esthétique de la peinture, il semblait en effet progressivement y avoir une sorte de contenu. Un carré est apparu dans le centre supérieur de l'image, et à l'intérieur de ce carré, d'autres formes sont apparues : d'autres carrés peut-être, un cercle, ou peut-être un motif en croix. La profondeur a commencé à se manifester par le jeu de la clarté et de l'obscurité. Bientôt, j'ai été entraîné dans quelque chose de bien plus complexe que ce que j'avais d'abord réalisé ou espéré.

Veil était l'introduction parfaite au travail de Houshiary, car ce travail, du moins pour moi, est entièrement une question de perception. J'avais déjà un objectif en tête lorsque j'ai abordé le tableau, celui de fétichiser les qualités de surface d'une œuvre monochromatique. J'avais mes propres goûts, mes propres opinions et ma propre soi-disant sophistication, qui aspiraient toutes à être validées. Mais sans aucune résistance, j’ai volontairement et agréablement laissé tomber tout cela. En contemplant l’expérience maintenant, après coup, je vois la leçon simple mais profonde que j’ai apprise : il est possible que tout ce que je pense savoir soit faux, ou à tout le moins incomplet. Bien entendu, le titre, Veil, est la référence parfaite à cette leçon. Un voile est quelque chose qui permet seulement à une personne de voir une vision partielle du monde. Ironiquement, le tableau dans ce cas n’était pas le voile. C’est ce qui a aidé à lever le voile, me permettant, à moi, le spectateur, de voir au-delà de ce qui était visible auparavant.

Évitez l'exactitude

Mais malgré le fait que Veil m'ait aidé, à mon avis, à voir plus et en théorie à en savoir plus, Houshiary a qualifié cette peinture de « protestation contre la connaissance ». Cette façon de la décrire est appropriée, car elle aborde l'idée de mystère. Elle touche à mes propres questions sur l'existence de quelque chose comme la métaphysique. C'est une déclaration d'ouverture, et une admission que la science lutte encore avec l'existence de l'inconnu. Et c'est quelque chose d'essentiel à ce que Houshiary essaie d'accomplir avec son travail. Comme elle l'a dit dans une interview avec le Tate Modern, « Ce que j'essaie de faire, c'est de ne pas faire de la publicité. La publicité vous dit exactement ce que c'est. Ce que l'art fait, c'est qu'il a de l'ambiguïté, il vous conduit à découvrir. Il a des possibilités. Il est multidimensionnel. Je veux voir un art qui... me fait penser à ma propre évolution dans le monde... et ma place dans cet espace et ce temps de cet univers. Quand les gens vous donnent des faits dans la publicité, cela tue essentiellement votre imagination."

Un excellent exemple de l'ambiguïté multidimensionnelle dont parle Houshiary est sa sculpture de 2011 Lacuna. Cette pièce est conçue pour être accrochée au mur. En tant qu'objet, c'est une expression de ligne, de mouvement et de couleur. Mais lorsque les lumières l’atteignent, les ombres s’étendent considérablement vers l’extérieur dans toutes les directions. Le phénomène qui en résulte rappelle le geste simple, épuré mais puissant réalisé par Richard Tuttle lorsqu'il accrocha pour la première fois de délicats morceaux de fil de fer aux murs des galeries au début des années 1970. La présence de cette chose physique est doublée, triplée, peut-être agrandie indéfiniment par la portée de son ombre éthérée, mais clairement visible. Et pourtant, les couleurs ne s’étendent pas dans l’espace, pas plus que la dureté. Certaines choses doivent être essentielles à la nature des objets physiques. Lacuna est à la fois physique et métaphysique. C’est facile à décrire, mais pas facile à définir. Il est tridimensionnel, mais il change avec la lumière, s'efforçant vers la quatrième dimension : le temps. Sa nature est déterminée autant par les matériaux qui le composent que par l'espace vide qu'il contient et qui l'entoure, ainsi que par les conditions de son environnement.

Shirazeh Houshiary - Lacuna, 2011, cast stainless steel, 80 x 220 x 80 cm, © Shirazeh Houshiary

Désintégration et unification

L’un des éléments les plus couramment incorporés par Houshiary dans son travail est la respiration. Mais il est peut-être trop simple de l’appeler ainsi. Elle s’intéresse davantage à la question de savoir ce qu’est exactement la respiration. Évidemment, la respiration n’est que le nom que nous donnons à l’air qui entre et sort de nos poumons, nous permettant de rester en vie. Mais la respiration est également représentative de bien plus que cela. C’est un processus qui commence avec l’invitation de nos êtres à l’univers extérieur, puis s’unifie temporairement avec lui, et se termine par la désintégration de cette union par nos êtres, expulsant ce qui fait partie de nous vers l’extérieur, dans l’abîme d’où il vient. La respiration est une montée et une descente, un raccourcissement et un allongement, une expression circulaire de la grande nature ultime de toutes choses qui vivent et meurent.

Houshiary manifeste esthétiquement le processus de respiration dans ses tours. Leurs éléments solides sont en eux-mêmes rigides et immobiles, et pourtant les formes curvilignes démontrent la flexibilité et la fluctuation inhérentes à toutes les choses physiques. Le fait que les deux états d’existence – le solide et le fluide – existent simultanément dans une même structure est ce qui compte le plus. Comme Houshiary l'a dit à Elizabeth Fullerton, une journaliste de Reuters qui l'a couverte dans un article pour ARTNEWS en 2013, «C'est comme si le même objet était construit et s'effondrait. simultanément. L'univers est dans un processus de désintégration, tout est dans un état d'érosion, et pourtant nous essayons de le stabiliser. Cette tension me fascine et elle est au cœur de mon travail. »

Shirazeh Houshiary - Stretch, 2011, Anodised Aluminium (Violet), Width 85, Length 85, Height 123.5 cm, © Shirazeh Houshiary and Lisson Gallery

Image présentée : Shirazeh Houshiary - Effuse, 2017,Crayon, pigment sur Aquacryl noir sur toile, et aluminium, 47 1/5 × 47 1/5 po, 120 × 120 cm, ©Shirazeh Houshiary et Lehmann Maupin, New York et Hong Kong

Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement

Par Phillip Barcio