Prêt, Partez, Peignez ! Peinture Performative de IdeelArt

En définissant l’action painting en 1952, le critique d’art Harold Rosenberg a délimité le mouvement émergent par une réinterprétation de la toile non pas comme une image mais comme un événement. Les peintres d'action américains ont non seulement rejeté toute notion de reproduction ou de refonte, mais ont remplacé l'expression par l'action en explorant radicalement les concepts de spontanéité, de subjectivité, de physicalité et même de libération individuelle. Mais la peinture performative n'était pas un phénomène exclusivement américain ; il a refait surface simultanément et de manière largement autonome à travers le monde, du Japon à l’Europe. Gutai Movement of Concrete Art, un groupe japonais d'après-guerre fondé par Jiro Yoshihara, a rejeté la trajectoire réactionnaire de l'art traditionnel et, tout en recherchant la preuve incarnée de la liberté humaine, a transcendé l'abstraction pure et s'est orienté vers les possibilités de la créativité pure. L’accent mis sur l’interaction corporelle avec le médium remet profondément en question la relation entre le corps, la matière, le temps et l’espace. Leurs équivalents européens, en brisant des bouteilles de peinture et en lançant une balle imbibée d'encre, repoussaient souvent encore plus loin les limites. Georges Mathieu mettait en scène une action de peinture en direct vêtu d'un uniforme militaire tout en embrassant les rituels collectifs pour mettre en scène avec force le processus physique et matériel de sa création artistique, ainsi que Niki de Saint Phalle qui utilisait un fusil lors de sa peinture d'action violente pour mettre en valeur le la grossièreté de la matérialité viscérale de l'art. Erratique, féroce ou contemplative, la peinture performative brouille la frontière entre le corps et l'esprit ; idée et son incarnation. Si vous recherchez une œuvre d'art qui vous entraînerait dans la réflexion et dénicherait vos émotions les plus personnelles, choisissez l'une de nos pièces de physicalité incarnée les plus captivantes.

Alain Clément - 14AV7G-2014

14AV7G-2014 illustre parfaitement l'exploration distincte de la couleur par Clément à travers une expression lyrique du geste qui est dotée de multiples couches de significations. L'aquatint sur papier lui permet d'exercer sa liberté gestuelle, sa physicalité, son expérimentation et son immédiateté, ce qui se traduit par une expression graphique courbée de couleur et de ligne sans retenue. Alors que Clément révèle ses mouvements non restreints et physiques, qui ressemblent souvent à une danse, il oscille audacieusement entre l'expression et une quête de composition cherchant à marier subtilité esthétique et puissance compositionnelle. Clément est un peintre abstrait français dont les œuvres naissent d'une exploration de toute une vie de la couleur, des lignes, des courbes, de la physicalité et de l'espace. Il vit et travaille à Nîmes, dans le sud de la France.

Alain Clément - 14AV7G-2014, 2014. Aquatinte sur papier BFK Rives. 76 x 57 cm.

Tommaso Fattovich - Nuage Rouge

Cette dernière œuvre de Fattovich exprime de manière disruptive ses sentiments les plus primordiaux en répondant viscéralement aux couleurs, couches, lignes et formes. Red Cloud capture ses tentatives audacieuses de plonger profondément dans le subliminal alors qu'il joue avec la composition en appliquant la stratégie surréaliste de l'automatisme. Son application rapide de la peinture encapsule l'expression émotionnelle de Fattovich trouvée dans les profondeurs insondables de son subconscient. Ses mouvements brusques livrent une œuvre brute et pure qui incorpore les fragments du monde moderne et qui fluctuent d'une apparition à une disparition et inversement. Fattovich est un peintre abstrait italien qui déploie la stratégie surréaliste de l'automatisme pour créer des œuvres brutes, superposées et émouvantes qui transmettent des sentiments de désolation et de décomposition. Il vit et travaille à Delray Beach, en Floride.

Tommaso Fattovich - Red Cloud, 2020. Médias mixtes sur toile. 187,96 x 213,36 cm.

Anthony Frost - Bat Chain Puller

Bat Chain Puller est une démonstration fascinante du Frost unique mélange de peinture et de collage. Il applique de l'acrylique ainsi que de la pouzzolane sur des sacs, de la toile à voile et de la toile, et les arrange en couches tout en peignant les formes avec des couleurs vives. Sa technique est rapide, non réfléchie et non conventionnelle, car il laisse son instinct et son intuition prendre le contrôle du processus créatif. Son énergie vibrante et brute, inspirée par l'esthétique punk, incarne la liberté et la spontanéité dans toutes ses expressions conceptuelles, tandis que les couleurs vives capturent son moi viscéral et non médié. Hautement intuitif, Frost s'inspire de la peinture d'action et du dessin automatique qui permettent à ses impulsions de se transformer en œuvres d'art les plus captivantes. Frost est un artiste abstrait anglais, fils du célèbre Sir Terry Frost, dont les peintures et impressions vibrantes et colorées exhibent l'énergie brute et la liberté de la musique rock. Il vit et travaille en Cornouailles.

Anthony Frost - Bat Chain Puller, 2012. Acrylique et techniques mixtes sur toile. 76,2 x 121,9 cm.

Jill Moser - 7.30

Inspirée par les profondeurs spirales de l'histoire du langage écrit, Moser révèle sa fascination pour le langage visuel et indexical à travers ses mouvements erratiques et imprévisibles qui dévoilent ses émotions les plus intenses. Ses coups de pinceau vigoureux et sans retenue, des lignes fines et bordantes, aboutissent à une expression lyrique et gestuelle qui est contemplative et réfléchie. 7.30 met en avant la spontanéité de son travail, réalisée grâce à un processus méthodique et indexical qui lui permet d'évoluer personnellement à travers chacune de ses œuvres. Elle équilibre méticuleusement le côté révélateur et interprétatif de ses œuvres, encourageant le spectateur à s'approcher activement de ses peintures. Moser est une artiste abstraite américaine dont le travail explore l'intersection de la peinture, de l'écriture et de l'image animée. Elle vit et travaille à New York.

Jill Moser - 7.30, 2013. Acrylique et huile sur papier. 76,2 x 57 cm.

Jaanika Peerna - Grand Fonte #16

Faisant partie de la série Big Melt, cette œuvre capture le moment où le solide se transforme en liquide, semblable à la glace fondant en eau. Créée avec un crayon pigmenté et de la glace, Peerna trace instinctivement des lignes de pigment verticales dans les mouvements non réfléchissants et fluides à la surface qui ressemblent à une danse alors que les dessins émergents encapsulent le son de la glace pré-fondante. Ensuite, elle applique méthodiquement de la glace sur toute la surface, ajoutant occasionnellement de l'eau, pour faire fondre et goutter les lignes. Lorsque l'eau s'évapore, l'œuvre elle-même a cessé de se créer. Inspirée par la fonte rapide et périlleuse des glaciers, Peerna consacre son travail à sensibiliser à la menace imminente du changement climatique. Peerna est une artiste d'origine estonienne travaillant dans divers genres qui crée des dessins abstraits sur du papier plastique fin à travers des mouvements physiques intuitifs inspirés par, et rappelant la danse. Elle vit et travaille à New York, Berlin et Tallinn.

Jaanika Peerna - Big Melt #16, 2016. Crayon pigment et eau sur mylar. 134,62 x 91,44 cm.

Macha Poynder - Sans s'arrêter

Les dernières nouvelles de Poynder, Without Stopping est une œuvre émotionnelle et vivifiante dans laquelle le toucher fluide, intangible et ample de Poynder, exprimé par le geste, la ligne et la couleur, converge dans une expérience sans précédent de perception élargie. Ses surfaces troublantes et texturées révèlent l'intersection indéfinissable entre la peinture éclaboussée/plongée, les coups de pinceau turbulents et les lignes avec un mouvement délibéré, contrôlé et une précision méticuleuse. Elle mélange le dessin automatique, les gestes performatifs et les choix de couleurs intuitifs pour faire ressortir les aspects les plus primordiaux de son subconscient. Le caractère aléatoire évident de son travail rencontre la précision entraînée alors que plusieurs couches et couleurs révèlent la complexité et les mystères impénétrables du monde. Poynder est une artiste née en Russie et basée à Paris, dont l'œuvre multidisciplinaire est inspirée par les philosophies et les principes esthétiques de l'Expressionnisme Abstrait.

Macha Poynder - Sans s'arrêter, 2020. Acrylique et pastel sur toile non tendue. 170 x 142 cm.

Ellen Priest - Jazz : le ‘Chelsea Shuffle’ de Chick #4

Priest est célébrée pour ses abstractions inspirées du jazz qui se situent à la frontière entre la peinture et la sculpture. Les illusions spatiales et les constructions en relief 3D de papier superposé et collé résonnent avec des structures rythmiques et harmoniques du jazz qui oscillent entre les formes et les genres. Jazz : le ‘Chelsea Shuffle’ #4 de Chick illustre l'espace et le mouvement créés par les rythmes complexes du jazz et souligne la dimensionnalité prononcée qui obscurcit la ligne séparant l'espace bidimensionnel et tridimensionnel alors qu'elle (re-)crée un mouvement matérialisé dans le monde réel de l'espace coloré. Priest est une artiste abstraite américaine qui s'inspire de la musique et plus particulièrement du jazz. Elle vit et travaille près de Philadelphie.

Ellen Priest - Jazz : le ‘Chelsea Shuffle’ de Chick #4, 2005. Papiers, huile, flashe, crayon, gel MSA. 81,28 x 81,28 cm.

Martín Reyna - Sans titre (Ref 12102)

L'Inachevé (Ref 12102) incarne la technique distincte de Reyna qui consiste à diluer l'encre et à ajouter de l'eau sur le papier afin que les couleurs se dispersent et interagissent de manière des plus inhabituelles. Les couleurs se dissipent et se dispersent, vibrant gracieusement et transgressant leurs limites initiales tandis que la composition elle-même vibre vers l'extérieur, s'étendant harmonieusement dans l'espace. L'Inachevé (Ref 12102) équilibre élégamment l'engagement de Reyna à planifier soigneusement les propriétés linéaires et spatiales de ses compositions tout en permettant aux forces de la nature de s'emparer du processus et de le mener de manière erratique. Reyna est un peintre abstrait né en Argentine vivant à Paris, France. Ses peintures abstraites gestuelles ravissent l'œil et activent l'esprit avec leurs relations de couleurs lumineuses et leurs explorations habiles de la perspective et de l'espace.

Martin Reyna - Sans titre (Ref 12102), 2012. Encre sur papier monté sur toile. 100 x 108 cm.

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Image à la une : Alain Clément - 14AV7G-2014, 2014, vue d'installation.
Par Jovana Vuković