Revisiter la sculpture de Tony Smith à travers ces 5 œuvres

Tony Smith jouit d’un statut radicalement individualisé dans l’histoire de l’art du XXe siècle. Son œuvre sculpturale défie toute catégorisation facile, occupant une place quelque part entre l’architecture, l’expérimentation scientifique et l’art. La trajectoire de sa carrière fut également tout sauf traditionnelle. Il a commencé sa vie professionnelle comme architecte, étudiant avec László Moholy-Nagy au New Bauhaus de Chicago, puis en tant qu’apprenti auprès de Frank Lloyd Wright. Et ce n’est qu’à la cinquantaine que sa carrière artistique a vraiment commencé à décoller. Smith concevait délibérément les œuvres qu’il créait davantage comme des phénomènes esthétiques structurés que comme des beaux-arts. L’une de ses premières pièces, qui a posé les bases conceptuelles de sa grande idée, était un cube en acier fabriqué appelé « Die ». Smith a réalisé le modèle de « Die » en 1962, et l’a fait fabriquer en 1968 par la Industrial Welding Company à Newark, New Jersey, après avoir remarqué une enseigne devant l’entreprise indiquant : « Vous le spécifiez ; nous le fabriquons. » Il a appelé la société et spécifié un cube de six pieds en acier d’un quart de pouce d’épaisseur. Il a choisi cette taille parce qu’elle était à l’échelle humaine, occupant un terrain d’entente, disait-il, entre un monument et un simple objet. Le titre « Die » pouvait faire référence à un pion de jeu, à la méthode de moulage sous pression, ou à la mort. Ajoutant à l’esprit de la pièce, le fait que six pieds est la profondeur standard d’une tombe humaine. Le reste de ses œuvres partage ce mélange d’intellect, d’artifice et d’esprit, combinant des références aux structures naturelles et humaines, et mêlant plans prédéterminés et choix intuitifs. En termes d’histoire de l’art, il est le plus souvent qualifié de minimaliste. Cela pourrait être dû au fait qu’une de ses œuvres fut incluse dans l’exposition Primary Structures au Jewish Museum de New York en 1966, qui a contribué à inaugurer le minimalisme. Mais les méthodes utilisées par Smith, ainsi que sa philosophie, ne correspondaient pas vraiment aux intentions et objectifs minimalistes. Pour ajouter à la confusion, Smith lui-même suggérait que ce qu’il créait pourrait ne pas être de l’art du tout, déclarant : « Le volume de mon travail a beaucoup à voir avec une réponse à la vie contemporaine en général. Je ne pense pas qu’il ait beaucoup à voir avec la scène artistique. » Quel que soit le nom que vous leur donnez, voici cinq de nos créations préférées de Tony Smith :

Structure Bennington (1961, détruite) 

Construite alors que Smith était professeur de peinture et de conception architecturale au Bennington College dans le Vermont, la « Structure Bennington » occupe une position fascinante entre architecture et sculpture. Composée de modules géométriques identiques en contreplaqué, métal, tour et ciment de Portland, la structure ressemble à la fois à une ruche et à un assortiment empilé de nids de mitrailleuses de la Seconde Guerre mondiale. Les modules sont à taille humaine, et une fois assemblés créent une structure qui semble faite pour être habitée, lui conférant une présence architecturale, mais en tant qu’abri, elle n’est ni protectrice ni particulièrement utile. 

Tony Smith - Structure Bennington, 1961. Contreplaqué, métal, tour et ciment de Portland. 40 pieds de long au total, diamètre de chaque unité environ 9 pieds. Bennington College, VT, 1961. © Tony Smith Estate/Artists Rights Society (ARS, New York)

Moondog (1964) 

La sculpture en aluminium noir de 17 pieds de haut « Moondog » partage une filiation esthétique directe avec la « Structure Bennington ». On dirait que les coques de deux des modules géométriques de la première se sont transformées en versions tridimensionnelles et cristallines d’elles-mêmes, puis empilées les unes sur les autres. Le titre fait allusion de manière fantaisiste à la présence de la pièce, qui, selon certains points de vue, semble ressembler à une créature marchant sur trois pattes, et sous d’autres perspectives ressemble à un vaisseau spatial. Prémonitoirement, la structure globale de la pièce suggère le premier module lunaire, qui n’existerait que plusieurs années plus tard. 

Tony Smith - Moondog, 1964. Aluminium, peint en noir. 17'1-1/4" x 13'7-1/4" x 15'8-1/2". Édition 1/3. © Tony Smith Estate/Artists Rights Society (ARS, New York)

Fumée (1967) 

Avec ses 47 pieds de haut, « Fumée » est tout sauf à l’échelle humaine. La structure en aluminium noir incarne l’intérêt de Smith pour l’imitation des mondes naturel et humain. La pièce consiste encore une fois en modules identiques fabriqués assemblés en une structure quasi architecturale. De loin, la pièce ressemble à une abstraction géométrique. De près, elle prend une présence effrayante et animale, semblable à la sculpture gigantesque en forme d’araignée « Maman » que Louise Bourgeois réalisera trois décennies plus tard en 1999. Smith expliqua que la raison pour laquelle il nomma l’œuvre « Fumée » est que l’illusion de la fumée est qu’elle est solide, alors qu’en réalité elle disparaît. Cette structure, elle aussi, a les caractéristiques d’un solide, mais ne contient en réalité que du vide. 

Tony Smith - Fumée, 1967. Aluminium, peint en noir. 24'2" x 47' x 33'. Édition 1/3. Musée du comté de Los Angeles, CA. Photo © Museum Associates/LACMA

Allumer (1971) 

Commandée par la Westinghouse Electric Corporation, « Allumer » combine deux formes géométriques — un tétraèdre et un octaèdre. Faite d’acier et peinte en jaune vif, la forme rappelle une œuvre expérimentale que Smith réalisa dix ans plus tôt, appelée « Cigarette ». Pour cette œuvre antérieure, Smith avait commencé avec un modèle mais s’était rendu compte qu’il était devenu trop compliqué, le faisant ressembler à une sorte de mémorial. Il commença à dépouiller le modèle jusqu’à ses éléments essentiels, jusqu’à arriver à une simple colonne vertébrale, qui lui rappelait « une cigarette dont on avait tiré une bouffée avant qu’elle ne soit écrasée dans le cendrier. » L’œuvre au nom fantaisiste « Allumer » partage les qualités esthétiques de « Cigarette », suggérant une double référence ludique à la société qui commanda sa création, et à la sculpture antérieure dont sa forme semble être issue. 

Tony Smith - Allumer, 1971. Acier, peint en jaune. 20'9" x 28'7" x 16'6". Édition 1/1. Université de Pittsburgh, PA. © Tony Smith Estate/Artists Rights Society (ARS, New York)

Smog (1969-70) et Smug (1973) 

Comme noté précédemment avec « Fumée », l’un des concepts clés qui intéressait Smith était l’idée de la relation des formes au vide, ou la connexion entre les solides et le néant. Chacune de ses structures contient une référence à cette conversation, agissant comme un contenant d’une certaine manière pour l’espace vide. Émanant du travail qu’il fit sur « Fumée », les pièces liées « Smog » et « Smug » offrent des versions compressées de la même structure de base. « Smog » écrase la structure en un motif entrelacé de tétraèdres. « Smug » ajoute une seconde couche à la structure, suggérant que le motif pourrait se poursuivre à l’infini à partir de là. La nature écrasée de l’espace vide dans ces structures transforme leur relation avec les spectateurs, car nous ne pouvons plus nous tenir sous leur structure. Le vide devient claustrophobe et quelque peu mystérieux, faisant écho à la citation la plus emblématique que Smith ait faite sur ses méthodes : « Je ne fais pas de sculpture, je spéculer sur la forme. »

Tony Smith - Smug, 1973. Bronze coulé, patine noire. 3' x 16' x 11'8". Édition 1/6. © Tony Smith Estate/Artists Rights Society (ARS, New York)

Image en vedette : Tony Smith - Smog, 1969–70. Bronze coulé, patine noire. 12" x 9'5" x 6'7". Édition 5/6. © Tony Smith Estate/Artists Rights Society (ARS, New York)
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio