Dépouiller la toile - Adieu à Ron Gorchov

Lors d'un entretien en 2017 avec le commissaire suisse Hans Ulrich Obrist, le peintre américain Ron Gorchov (1930 - 2020) a donné le conseil suivant aux jeunes artistes : « Soyez désespérés et patients. .» Cette déclaration apparemment oxymorique résume parfaitement l’attitude avec laquelle Gorchov, décédé plus tôt ce mois-ci, a abordé sa pratique. Né à Chicago en 1930, sa famille a déménagé de ville en ville plus d'une douzaine de fois pendant la Grande Dépression alors que son père, à l'esprit d'entreprise, cherchait du travail. Les circonstances les ont peut-être rendus désespérés d’argent, mais son père a appris à Gorchov à considérer l’argent comme distinct du but. Sa famille était fauchée, dit Gorchov, mais jamais pauvre. Gorchov a travaillé comme sauveteur lorsqu'il a déménagé à New York dans les années 1950, puis a enseigné l'art : des emplois qui lui ont donné le temps dont il avait besoin pour aborder son art avec la patience qu'il méritait. Son principe directeur était que les artistes devraient toujours créer des œuvres pour le siècle prochain, et non pour le siècle dans lequel ils vivent. Son idée pour faire avancer la peinture dans le XXIe siècle était de la combiner, dans la mesure nécessaire, avec la sculpture et l'architecture. "Pour moi", a déclaré Gorchov, "l'essence de la sculpture est la masse. En architecture, on ressent du volume. Et la peinture met l’accent sur la surface. Les peintures « en forme de selle » pour lesquelles il est devenu célèbre étaient sa solution au problème. Dès 1949, Gorchov avait l’impression que le monde de la peinture était devenu trop attaché à l’idée du rectangle, un attachement précipité par Piet Mondrian, qui, selon Gorchov, avait épuisé la forme. Gorchov a envisagé diverses options pour modifier la planéité d'une toile rectangulaire typique, comme placer une balle de tennis derrière elle pour créer un renflement. Il lui a fallu 19 ans pour développer les « tendeurs de selle » qu’il utilisait pour créer ses surfaces de peinture convexes et incurvées désormais emblématiques. Son premier tableau en forme de selle, qu'il a réalisé en 1968, s'intitule « Mine » – un double sens faisant référence au fait qu'il considérait l'œuvre comme étant unique et la considérait également comme une mine d'or potentielle pleine de possibilités créatives non découvertes.

Abstrait ou Concret

La plupart des spectateurs considèrent le travail de Gorchov comme abstrait. Cependant, son galeriste John Cheim, Principal et Directeur d'Exposition à la galerie Cheim & Read—qui a une réputation distinguée pour avoir travaillé avec des géants de l'abstraction tels que Joan Mitchell, Milton Resnick et Louis Fishman—affirme que Gorchov ne doit pas être considéré comme totalement abstrait. "Les formes ont une forte relation avec le travail de Giorgio Morandi. Gorchov n'est pas un peintre purement abstrait pas plus que Morandi n'est purement figuratif," dit Cheim. Le Directeur de la galerie Stephen Truax ajoute, "Ron utilisait des choses qu'il voyait et rencontrait dans la vie réelle comme inspiration pour les formes qu'il utilisait dans ses abstractions."

Ron Gorchov - BROTHER II, 2017, Huile sur lin, 85 x 75 x 13 pouces, 215,9 x 190,5 x 33 centimètres. © 2020 Ron Gorchov / Société des droits des artistes (ARS), New York. Photo : Brian Buckley. Toutes les images d’œuvres d’art sont une gracieuseté de l’artiste et de Cheim & Read, New York.

Un indice du contenu émotionnel de ses peintures peut être trouvé dans les titres que Gorchov leur a donnés, qui font fréquemment référence à des mythes classiques ou à des histoires tirées de textes théologiques tels que la Bible. Cependant, Gorchov n’a pas commencé par essayer de peindre une figure ou une scène particulière à partir d’un mythe. Il peignait plutôt de manière intuitive et subconsciente, peignant souvent le côté droit de la toile avec sa main droite et le côté gauche avec sa main gauche. Il a réfléchi au contenu après coup. « Quand je fais un tableau et que je le regarde », a expliqué un jour Gorchov, « je dois me demander : qu'ai-je ressenti en faisant cela ? Parce que j'ai participé à sa réalisation, je ne sais pas ce que j'ai ressenti. Alors j’étudie le tableau pour le comprendre… et j’essaie de trouver une histoire qui ressemble à ce que j’ai ressenti. Ce compromis entre les choses vues dans la vie, l'acte subconscient de peindre et les analyses ultérieures des sentiments me semble à la fois abstrait et concret. Cela me rappelle la façon dont Jean Arp parlait du vrai sens de Dada : comme l'imprévisibilité, l'absurdité et la logique parfaite de la nature exprimée à travers l'art.

Ron Gorchov - Prométhée, 2016. Huile sur lin. 49 x 65 x 10 1/2 pouces / 124,5 x 165,1 x 26,7 centimètres. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Toutes les images d’œuvres d’art sont une gracieuseté de l’artiste et de Cheim & Read, New York.

Le réformateur révolutionnaire

Pour moi, il y a quelque chose de profondément américain dans l’œuvre créée par Gorchov. L’Amérique est à la fois une chose concrète et un concept abstrait, constamment tiraillé entre révolution et réforme. Lorsqu’il développa pour la première fois ses tendeurs de selle, Gorchov était un artiste révolutionnaire, déterminé à renverser l’idée centrale de la peinture, vieille de plusieurs siècles : celle-ci devait être réalisée sur des surfaces rectangulaires et planes. En fait, alors même qu'il développait sa première toile incurvée, la notion de planéité était une fois de plus saluée par d'éminents critiques d'art tels que Clement Greenberg comme l'objectif de l'abstraction post-picturale, la dernière tendance en matière de peinture selon Greenberg. Pourtant, après avoir hardiment sapé les systèmes structurels des rectangles et de la planéité, Gorchov s’est entièrement engagé dans son nouveau système et l’a répété pour le reste de sa carrière, remplaçant l’ancienne normalité par la nouvelle normalité. Quoi de plus américain que de céder les impulsions révolutionnaires à la contrainte de réformes sans fin, en travaillant au sein de systèmes nouvellement établis pour créer des variations intrigantes à l’infini ?

PORTRAIT AVEC EAST JAMB Ron Gorchov dans son studio de Brooklyn. Photo : Brian Buckley, 2012. Ron Gorchov EAST JAMB 1971 Huile sur lin 77 x 77 x 12 1/2 pouces 195,6 x 195,6 x 31,8 centimètres © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York.

En vérité, une fois que vous voyez un tableau de Gorchov, tous les futurs tableaux de Gorchov que vous rencontrerez seront immédiatement reconnaissables comme étant les siens. Mais ce n'est pas une insulte. C’est la même critique que l’on pourrait adresser à la nature, qui travaille également au sein de ses propres systèmes spéciaux pour créer des variations infinies et belles. En fait, dans le contexte de sa relation avec les voies de la nature, je pense que Gorchov appartient le mieux à la lignée de Hans Arp, un autre artiste biomorphique, en partie dadaïste, en partie surréaliste et en partie abstractionniste, mais qui a toujours fait référence à son l'art comme béton. Gorchov a créé une œuvre à la fois cérébrale et fantaisiste – complètement idiosyncratique et pourtant immédiatement reconnaissable – et donc, comme Arp, je crois que cela place Gorchov dans sa propre catégorie spéciale.
Je suis impressionné par la façon dont Gorchov a réussi à réaliser son principe directeur initial, nous rappelant par son exemple à quel point la pensée et le sentiment sont importants pour les artistes qui souhaitent être pertinents non seulement dans leur siècle, mais aussi dans le suivant.

Image à la une : PORTRAIT PAR AVEDON Ron Gorchov, 2013. Photo : Michael Avedon. © Michael Avedon / AOÛT. Reproduit avec autorisation.
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio