Le côté féminin du minimalisme chez Thaddaeus Ropac

Chaque année, diverses expositions prétendent annoncer des œuvres d’artistes marginalisés injustement exclus du canon historique. Souvent, ces artistes sont en réalité reconnus, simplement pas « célèbres », et les œuvres ne justifient guère une révision de l’histoire. Le Côté Féminin du Minimalisme à la galerie Thaddaeus Ropac, située à Ely House à Londres, constitue une remarquable exception à la formule habituelle. Présentant plus de 70 œuvres datant des années 1920 aux années 2000, réalisées par un groupe international et intergénérationnel de 13 artistes femmes, la sélection élargit avec soin la compréhension générale du minimalisme en mettant en lumière plusieurs artistes dont les carrières enrichissent le mouvement de manière inattendue. La sélection comprend des peintures, dessins, vidéos, photographies, sculptures et reliefs, démontrant le vaste champ d’expérimentation cultivé par ces artistes. Bien que toutes les artistes exposées ne correspondent pas strictement à la définition du minimalisme, la discussion que leur inclusion suscite mérite assurément d’être menée. Initialement prévue jusqu’au 18 décembre 2020, l’exposition est actuellement fermée en raison des restrictions liées à la COVID-19 au Royaume-Uni. En attendant, voici une présentation de huit des artistes exposées, dont les œuvres nous paraissent particulièrement captivantes.

Mary Miss

Fondatrice de la revue Heresies, Mary Miss est rarement associée à l’histoire du minimalisme. Son travail est plus familier aux amateurs de Land Art et d’Art féministe. Ses préoccupations plastiques tournent souvent autour de la notion élégante de créer une expérience simultanée de platitude et d’espace. Première artiste mentionnée dans l’essai fondamental de 1979 Sculpture dans le champ élargi, de Rosalind Krauss, Miss est tout sauf anonyme. Cette exposition, cependant, la place dans un contexte qui apporte une dimension rafraîchissante à sa pratique.

Mary Miss - Relief, 1968. Acier et fil. 41 x 635 cm (16,14 x 250 pouces). Avec l’aimable autorisation de Mary Miss et de la Galerie Thaddaeus Ropac, Londres · Paris · Salzbourg © Mary Miss Photo : Charles Duprat

Maria Lai

À son décès en 2012, l’artiste sarde Maria Lai était encore largement inconnue hors de sa terre natale. En 2017, cela a changé lorsque ses œuvres ont été présentées à la Biennale de Venise et à la Documenta. Autre artiste rarement associée au minimalisme, Lai a créé des œuvres qui relient sensibilité matérielle, mémoire, histoire et expériences collectives. Son œuvre la plus célèbre est une performance de 1981 intitulée Lier la montagne, où des citoyens, des enfants aux personnes âgées, ont aidé à faire passer un ruban bleu unique à travers toute la ville d’Ulassai. Pensée en termes de ligne et de couleur, c’était assurément une œuvre minimaliste. Considérée pour son impact plus large, elle partage un héritage avec tout, du mouvement néo-concret à Fluxus en passant par l’art de pratique sociale.

Maria Lai - Spazio e Telaio, 1971. Bois, ficelle, toile, tempera. 197 x 70 x 30 cm (77,56 x 27,56 x 11,81 pouces). Avec l’aimable autorisation de la Galerie Thaddaeus Ropac, Londres · Paris · Salzbourg © Archivio Maria Lai par SIAE 2020 Photo : Bani

Magdalena Wiecek

Hors des musées de sa Pologne natale, les œuvres de Magdalena Wiecek sont difficiles à voir en personne. Sa pratique s’appuyait sur une exploration humaniste des formes et des relations. Plus proche de l’abstraction organique et biomorphique que du minimalisme, son œuvre comprenait néanmoins plusieurs objets — de petites sculptures à des installations monumentales — qui explorent les préoccupations spatiales et géométriques simples de l’art minimaliste. À noter particulièrement la sélection de petites sculptures en laiton présentées dans Le Côté Féminin du Minimalisme à Thaddaeus Ropac, qui touchent non seulement aux préoccupations formalistes, mais évoquent aussi des questions métaphysiques telles que l’introspection et le double ombré.

Magdalena Wiecek - Volatile I, 1970. Laiton. 65 x 30 x 54 cm (25,59 x 11,81 x 21,26 pouces). Avec l’aimable autorisation de la succession de Magdalena Więcek et de la Galerie Thaddaeus Ropac, Londres · Paris · Salzbourg © Succession de Magdalena Więcek

Lolo Soldevilla

Presque inconnue hors de sa Cuba natale, Loló Soldevilla fut l’une des membres clés d’un petit collectif d’avant-garde d’artistes concrets actif à La Havane au milieu du XXe siècle. Elle est décédée en 1971, à 70 ans, laissant derrière elle un merveilleux ensemble de reliefs, peintures et dessins qui expriment avec fantaisie des préoccupations spatiales et géométriques. Son travail visait particulièrement des fins constructives plutôt que purement plastiques. L’inclure dans cette discussion autour du minimalisme élargit la portée tant pour elle que pour le mouvement.

Lolo Soldevilla - Composicion, 1954. Structures en bois gravées sur bois. 45,7 x 94 cm (18 x 37 pouces). © Succession de Lolo Soldevilla Photo : Charles Duprat

Ana Sacerdote

Pour moi, l’artiste argentine Ana Sacerdote, âgée de 95 ans, est la révélation la plus enrichissante du Côté Féminin du Minimalisme. Une peinture et un film de Sacerdote sont inclus dans l’exposition. Le film, réalisé dans les années 1960, est une simple animation de formes géométriques colorées. Il dialogue magnifiquement avec la peinture, qu’elle a créée près d’une décennie plus tôt. Son œuvre converse parfaitement avec l’esthétique minimaliste, tout en revendiquant une place dans les mondes de l’art cinétique, de l’art informatique, de la vidéo et de l’art néo-concret.

Verena Loewensberg - Ohne Titel, 1953. Huile sur toile. 85 x 65 cm (33,46 x 25,59 pouces). Avec l’aimable autorisation de la Fondation Verena Loewensberg et de la Galerie Thaddaeus Ropac, Londres · Paris · Salzbourg © Fondation Verena Loewensberg Photo : Charles Duprat

Verena Loewensberg

L’artiste suisse Verena Loewensberg fut une autre révélation pour moi dans cette exposition. Ses compositions calmes et colorées s’inscrivent aisément dans la lignée des icônes minimalistes comme Agnes Martin, tout en étant assez vives et pétillantes pour offrir un pont esthétique intrigant reliant les artistes du Bauhaus tels que Mondrian et Albers aux mouvements comme le Pop Art et l’abstraction post-picturale.

Verena Loewensberg - Ohne Titel, 1963. Huile sur toile. 61 x 61 cm (24,02 x 24,02 pouces). Avec l’aimable autorisation de la Fondation Verena Loewensberg et de la Galerie Thaddaeus Ropac, Londres · Paris · Salzbourg © Fondation Verena Loewensberg Photo : Charles Duprat

Shizuko Yoshikawa

L’artiste japonaise Shizuko Yoshikawa partage beaucoup avec Verena Loewensberg en termes de couleur et de composition, mais elle a orienté son travail dans des directions subtilement uniques, notamment pour ses reliefs. Basés sur des grilles simples, elle a créé des surfaces en volume qui jouent avec la lumière et l’ombre pour transformer une palette autrement monochrome en champs apparemment lumineux et illusoires. Inclus avec les reliefs dans Le Côté Féminin du Minimalisme figurent plusieurs études géométriques qui offrent un aperçu de la recherche intense que Yoshikawa a menée sur la géométrie et les relations colorées.

Shizuko Yoshikawa - farbschatten 89/ 3x4, 1979—1980. Laque et acrylique sur polyester. 75 x 100 cm (29,53 x 39,37 pouces). Avec l’aimable autorisation de la Fondation Shizuko Yoshikawa et Joseph Müller-Brockmann et de la Galerie Thaddaeus Ropac, Londres · Paris · Salzbourg © Fondation Shizuko Yoshikawa et Joseph Müller-Brockmann Photo : Charles Duprat

Rosemarie Castoro

L’artiste américaine Rosemarie Castoro est peut-être l’inclusion la plus controversée dans Le Côté Féminin du Minimalisme. Castoro a dit un jour : « Je ne suis pas minimaliste. Je suis une Maximus. » Ses préoccupations étaient surtout conceptuelles plutôt que formelles, et son œuvre s’étendait à plusieurs domaines, dont le dessin, la sculpture et l’installation. Ce qui pourrait être considéré comme minimaliste dans son travail est son langage visuel général, centré sur des palettes monochromes, des compositions linéaires et parfois des formes géométriques. Cependant, elle explorait tout aussi souvent un monde hanté et étrange de formes organiques évoquant la nature et le corps humain. Contrairement à certaines des autres extensions théoriques de cette exposition, qualifier Castoro de minimaliste semble en réalité diminuer ce qu’elle cherchait à accomplir. Pourtant, il y a aussi quelque chose d’essentiellement réducteur, ou peut-être déductif, dans la poésie qui transparaît dans toute son œuvre, donc si la réduction et la déduction sont au cœur de l’esthétique minimaliste, Castoro y appartient.

Rosemarie Castoro - Sept 68, 1968. Graphite sur papier. Motif 33,66 x 38,1 cm (13,25 x 15 pouces) Papier 66,04 x 48,9 cm (26 x 19,25 pouces) Cadre 65,41 x 69,85 x 4,45 cm (25,75 x 27,5 x 1,75 pouces). © Succession de Rosemarie Castoro. Avec l’aimable autorisation d’Anke Kempkes Art Advisory Photo : Charles Duprat

Image en vedette : Lolo Soldevilla - Sans titre, 1954. Techniques mixtes sur bois. 46 x 72,1 cm (18,125 x 28,375 pouces). © Succession de Lolo Soldevilla
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio