Le côté féminin du minimalisme chez Thaddaeus Ropac

Chaque année, diverses expositions prétendent présenter des œuvres d’artistes marginalisés, injustement exclus des canons historiques. Souvent, les artistes réussissent en fait, mais ne sont tout simplement pas « célèbres », et leur œuvre ne vaut guère la peine de modifier l’histoire. Le côté féminin du minimalisme à Londres Ely House de Thaddaeus Ropac est une exception remarquable à la formule habituelle. Présentant plus de 70 œuvres datant des années 1920 aux années 2000, réalisées par une liste internationale et intergénérationnelle de 13 artistes féminines, la conservation élargit judicieusement la compréhension générale du minimalisme en mettant en lumière plusieurs artistes dont les carrières ajoutent au mouvement de manière inattendue. La sélection d'œuvres comprend des peintures, des dessins, des vidéos, des photographies, des sculptures et des reliefs, démontrant le vaste champ d'expérimentation que ces artistes ont cultivé. Bien que tous les artistes de l’exposition ne correspondent pas parfaitement à la définition du minimalisme, la conversation que leur inclusion entame vaut vraiment la peine d’être menée. Initialement prévue jusqu'au 18 décembre 2020, l'exposition est actuellement fermée en raison des restrictions liées au COVID-19 en vigueur au Royaume-Uni. En attendant, voici les présentations de huit des artistes de l'exposition, dont le travail nous semble particulièrement convaincant.

Mademoiselle Marie

Éditrice fondatrice de la revue Heresies, Mary Miss n'est pas souvent pensée en termes d' Histoire Minimaliste. Son travail est plus familier aux adeptes de l'Art de la Terre et de l'Art Féministe. Ses préoccupations plastiques tournent souvent autour de la notion élégante de créer l'expérience simultanée de la planéité et de l'espace. En tant que première artiste mentionnée dans l'essai séminal de 1979 Sculpture in the Expanded Field, par Rosalind Krauss, Miss est tout sauf anonyme. Cette exposition, cependant, la place dans un contexte qui ajoute une dimension rafraîchissante à sa pratique.

Mary Miss - Relief, 1968. Acier et fil de fer. 41 x 635 cm (16,14 x 250 pouces). Avec l'aimable autorisation de Mary Miss et Galerie Thaddaeus Ropac, Londres · Paris · Salzbourg © Mary Miss Photo : Charles Duprat

Maria Laï

À sa mort en 2012, l’artiste sarde Maria Lai était encore largement inconnue en dehors de son pays natal. En 2017, cela a changé lorsque son travail a été présenté à la fois à la Biennale de Venise et à la Documenta. Autre artiste qui n'est normalement pas considéré dans le contexte du minimalisme, Lai a créé des œuvres qui relient les sensibilités matérielles à la mémoire, à l'histoire et aux expériences communautaires. Son œuvre la plus connue était une performance de 1981 intitulée To Bind the Mountain, dans laquelle des citoyens, des enfants aux personnes âgées, aidaient à jouer un seul ruban bleu dans toute la ville d'Ulassai. Pensée en termes de ligne et de couleur, il s’agissait certainement d’une œuvre minimaliste. Considéré en termes de son impact plus large, il partage un héritage avec tout, du mouvement Neo Concrete à Fluxus en passant par l'art de la pratique sociale.

Maria Lai - Spazio e Telaio, 1971. Bois, ficelle, toile, détrempe. 197 x 70 x 30 cm (77,56 x 27,56 x 11,81 pouces). Avec l'aimable autorisation de la Galerie Thaddaeus Ropac, Londres · Paris · Salzbourg © Archivio Maria Lai par SIAE 2020 Photo : Bani

Magdalena Wiecek

En dehors des musées de son pays polonais natal, les œuvres de Magdalena Wiecek sont difficiles à voir en personne. Sa pratique était fondée sur l'exploration humaniste des formes et des relations. Plus liée à l'abstraction organique et biomorphique qu'au minimalisme, son œuvre comprend néanmoins un certain nombre d'objets - depuis de minuscules sculptures jusqu'à des installations monumentales - qui explorent les simples préoccupations spatiales et géométriques de l'art minimaliste. Il convient de noter en particulier la sélection de petites sculptures en laiton incluses dans l'exposition The Female Side of Minimalism chez Thaddaeus Ropac, qui touchent non seulement à des préoccupations formalistes, mais font également allusion à des problèmes métaphysiques tels que l'introspection et le soi-ombre.

Magdalena Wiecek - Volatile I, 1970. Laiton. 65 x 30 x 54 cm (25,59 x 11,81 x 21,26 pouces). Avec l'aimable autorisation de la succession de Magdalena WiÄ™cek et de la Galerie Thaddaeus Ropac, Londres · Paris · Salzbourg © Succession de Magdalena WiÄ™cek

Lolo Soldevilla

Presque totalement inconnue en dehors de son Cuba natal, Loló Soldevilla était l'un des membres clés d'un petit collectif d'avant-garde d'artistes concrets qui opérait à La Havane au milieu du XXe siècle. Elle décède en 1971, à l'âge de 70 ans, laissant derrière elle un merveilleux ensemble de reliefs, de halètements et de dessins qui expriment de manière fantaisiste des préoccupations spatiales et géométriques. Son travail était particulièrement orienté vers des fins constructives plutôt que vers des fins purement plastiques. L’inclure dans cette conversation autour du minimalisme semble expansif à la fois pour elle et pour le mouvement.

Lolo Soldevilla - Composicion, 1954. Structures gravées sur bois. 45,7 x 94 cm (18 x 37 po). © Succession Lolo Soldevilla Photo : Charles Duprat

Ana Prêtre

Pour moi, l'artiste argentine de 95 ans Ana Sacerdote est la révélation la plus enrichissante de The Female Side of Minimalism. Un tableau et un film de Sacerdote sont inclus dans l'exposition. Le film, réalisé dans les années 1960, est une simple animation de formes géométriques colorées. Il se rapporte sublimement au tableau qu’elle a créé près d’une décennie plus tôt. Son travail dialogue parfaitement avec l'esthétique minimaliste, tout en s'affirmant également dans les mondes de l'art cinétique, de l'art informatique, de l'art vidéo et de l'art néo-concret.

Verena Loewensberg - Ohne Titel, 1953. Huile sur toile. 85 x 65 cm (33,46 x 25,59 pouces). Avec l'aimable autorisation de la Fondation Verena Loewensberg et de la Galerie Thaddaeus Ropac, Londres · Paris ·Salzbourg © Fondation Verena Loewensberg Photo : Charles Duprat

Verena Löwensberg

L'artiste suisse Verena Loewensberg a été une autre révélation pour moi dans cette exposition. Ses compositions calmes et colorées peuvent facilement être placées dans la lignée d'icônes minimalistes comme Agnes Martin, mais elles sont également suffisamment vivantes et pop pour offrir un pont esthétique intrigant reliant les artistes du Bauhaus comme Mondrian et Albers avec des mouvements comme le Pop Art et l'abstraction post-picturale.

Verena Loewensberg - Ohne Titel, 1963. Huile sur toile. 61 x 61 cm (24,02 x 24,02 pouces). Avec l'aimable autorisation de la Fondation Verena Loewensberg et de la Galerie Thaddaeus Ropac, Londres · Paris · Salzbourg © Fondation Verena Loewensberg Photo : Charles Duprat

Shizuko Yoshikawa

L'artiste d'origine japonaise Shizuko Yoshikawa partage de nombreux points communs avec Verena Loewensberg en termes de couleur et de composition, mais elle a poussé son travail dans des directions subtilement uniques, notamment en ce qui concerne ses reliefs. À partir de grilles simples, elle a créé des surfaces dimensionnelles qui engagent la lumière et l’ombre pour transformer une palette autrement monochromatique en champs illusoires apparemment brillants. Outre les reliefs de The Female Side of Minimalism, plusieurs études géométriques offrent un aperçu des recherches intenses menées par Yoshikawa sur la géométrie et les relations entre les couleurs.

Shizuko Yoshikawa - farbschatten 89/ 3x4, 1979—1980. Laque et acrylique sur polyester. 75 x 100 cm (29,53 x 39,37 pouces). Avec l'aimable autorisation de la Fondation Shizuko Yoshikawa et Joseph Müller-Brockmann et de la Galerie Thaddaeus Ropac, Londres · Paris · Salzbourg © La Fondation Shizuko Yoshikawa et Joseph Müller-Brockmann Photo : Charles Duprat

Rosemarie Castoro

L’artiste américaine Rosemarie Castoro est peut-être l’inclusion la plus controversée de The Female Side of Minimalism. Castoro a spécifiquement déclaré un jour : « Je ne suis pas un minimaliste. Je suis un Maximus. ses préoccupations étaient largement conceptuelles plutôt que formelles, et son travail s'étendait à de nombreux domaines différents, notamment le dessin, la sculpture et l'installation. Ce qui pourrait être considéré comme minimaliste dans son travail est son langage visuel général, centré sur des palettes de couleurs monochromatiques, des compositions linéaires et parfois des formes géométriques. Mais tout aussi souvent, elle se plonge dans un monde obsédant et étrange de formes organiques évoquant la nature et le corps humain. Contrairement à certains autres aspects théoriques de cette exposition, qualifier Castoro de minimaliste semble en fait enlever quelque chose à ce qu'elle essayait de faire. Pourtant, il y a aussi quelque chose d'essentiellement réducteur, ou peut-être déductif, dans la poésie qui transparaît dans tout son travail. Si la réduction et la déduction sont au cœur de l'esthétique minimaliste, Castoro en fait partie.

Rosemarie Castoro - 68 septembre 1968. Graphite sur papier. Motif 33,66 x 38,1 cm (13,25 x 15 in) Papier 66,04 x 48,9 cm (26 x 19,25 in) Cadre 65,41 x 69,85 x 4,45 cm (25, 75 x 27,5 x 1,75 pouces). © La Succession de Rosemarie Castoro. Avec l'aimable autorisation d'Anke Kempkes Art Advisory Photo : Charles Duprat

Image sélectionnée : Lolo Soldevilla - Sans titre, 1954. Technique mixte sur bois. 46 x 72,1 cm (18 125 x 28 375 pouces). © Succession Lolo Soldevilla
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio