Le Guggenheim présente : la fresque murale de Jackson Pollock

L’un des tableaux américains les plus célèbres revient à Manhattan après une absence de 22 ans. « Mural » (1943) de Jackson Pollock sera exposé au Musée Solomon R. Guggenheim de New York du 3 octobre 2020 au 19 septembre 2021. L’« exposition ciblée » (ce qui signifie qu’il s’agit de la seule œuvre présentée) est la dernière étape d’une tournée mondiale de six ans que le tableau effectue depuis sa restauration et son nettoyage de deux ans à l’Institut de conservation Getty à Los Angeles. Le tableau restauré, pesant 345 livres et mesurant 2,5 x 6 mètres, a fait ses débuts en 2015 lors de l’exposition Jackson Pollock’s Mural : Energy Made Visible, à la Collection Peggy Guggenheim à Venise, en Italie. Depuis, il a voyagé dans des musées à Berlin, Málaga, Londres, Kansas City, Washington, DC, et Boston, entre autres. Après son prochain séjour à New York, « Mural » retournera à ce qui est techniquement sa résidence permanente : le Musée d’art de l’Université de l’Iowa. (Peggy Guggenheim a offert le tableau aux Hawkeyes en 1951, apparemment après que des étudiants de Yale, son premier choix, ont refusé l’offre.) Manhattan, cependant, pourra toujours revendiquer être le véritable foyer de « Mural ». Pollock l’a peint dans son atelier du Lower Manhattan après avoir été commandé par Guggenheim pour créer une œuvre destinée au long et étroit vestibule de l’immeuble où elle vivait dans East Sixty-first Street. Cette commande a permis à Pollock de passer de son emploi de jour en tant que restaurateur au Musée de la Peinture Non-Objective à celui d’artiste à plein temps. Beaucoup a déjà été écrit sur cette réalisation majeure de l’abstraction que représente « Mural », ainsi que sur les divers mythes attachés à l’œuvre, comme l’affirmation désormais réfutée que Pollock l’aurait peinte en une seule journée. Dans le cadre de nos préparatifs pour le retour à la maison à New York de ce tableau emblématique, nous avons pensé examiner deux autres aspects importants de l’œuvre, tels qu’un photographe méconnu qui a inspiré Pollock à créer son style de peinture gestuelle, et l’héritage esthétique durable que « Mural » a contribué à définir.

Lumières en action

Vous avez peut-être déjà entendu l’histoire selon laquelle certaines méthodes pour lesquelles Pollock est désormais célèbre ont en fait été mises au point par le célèbre muraliste mexicain David Alfaro Siqueiros. Pollock a suivi des cours avec Siqueiros dans les années 1930, durant lesquels les élèves apprenaient à générer une puissance émotionnelle dans leurs compositions en éclaboussant et en projetant de la peinture sur leurs surfaces. Cependant, les preuves de coulures et d’éclaboussures dans « Mural » sont rares, ce tableau étant considéré comme la première peinture abstraite « partout » créée par Pollock. Des analyses scientifiques contemporaines révèlent que la plupart des marques sur la toile ont été faites avec un pinceau traditionnel en contact direct avec la toile. « Mural » représente néanmoins un moment décisif pour Pollock en ce qui concerne une autre technique : son usage du geste dans la création des marques. La composition est frénétique et biomorphique : une jungle de lignes et de formes gestuelles et fluides. Des films montrant Pollock au travail dans son atelier plus tard dans sa vie montrent comment il utilisait tout son corps, comme un danseur, pour que ses peintures deviennent des incarnations d’énergie et d’action.

Jackson Pollock debout devant Mural (1943) dans les studios du magazine Vogue, vers 1947. Photo : Herbert Matter, avec l’aimable autorisation du Département des collections spéciales, Bibliothèques de l’Université de Stanford

Bien sûr, les mouvements gestuels ont toujours fait partie de la tradition picturale. Les artistes chinois à l’encre exploitaient le potentiel expressif des gestes peints il y a des siècles. « Mural » est néanmoins considéré comme un précurseur d’un mouvement contemporain distinct appelé « peinture d’action ». Pollock est un pionnier de ce mouvement, mais ses méthodes gestuelles ont aussi été inspirées par le travail d’une autre artiste — une photographe nommée Barbara Morgan. Première défenseure du potentiel d’abstraction dans le médium photographique, Morgan s’est d’abord fait connaître en photographiant des danseurs modernes à New York dans les années 1930. Inspirée par la fluidité de leurs mouvements, elle a commencé à créer ce qu’elle appelait des « dessins de lumière » vers 1940. Elle installait son appareil photo avec l’ouverture de l’objectif grande ouverte dans une pièce sombre, puis utilisait une lumière tenue à la main pour « dessiner » sur le négatif tout en effectuant des mouvements gestuels. Ces dessins de lumière abstraits et gestuels ressemblent notablement aux lignes et formes de « Mural ». Cela ne diminue en rien le mérite de Pollock, bien sûr — c’est simplement une reconnaissance qu’il connaissait Morgan et ses dessins de lumière, qui furent inclus dans l’exposition Photographie d’action au MoMA la même année où Pollock peignait « Mural ».

Jackson Pollock, The She-Wolf, 1943. Huile, gouache et plâtre sur toile, 106,4 x 170,2 cm. Le Museum of Modern Art, New York, Achat, 1944 © 2020 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York. Image numérique © The Museum of Modern Art/Licencié par SCALA/Art Resource, New York

Représenter la nature

Bien que « Mural » soit considéré comme abstrait, un contenu figuratif est également visible dans la composition. Pollock a un jour décrit le tableau comme contenant « une ruée de tous les animaux de l’Ouest américain, vaches, chevaux, antilopes et bisons ». Certains disent qu’une tête de cheval est clairement visible juste à gauche du centre de la composition. Néanmoins, l’impact durable que Pollock a eu sur l’évolution de l’art moderne n’a rien à voir avec le contenu narratif que le spectateur pourrait percevoir dans cette œuvre ou dans n’importe laquelle de ses autres peintures. Son héritage tient plutôt à sa manière de peindre. Cela peut se résumer à sa célèbre réponse à la question qui lui fut un jour posée, de savoir s’il peignait d’après la nature, à laquelle Pollock répondit : « Je suis la nature. »

Jackson Pollock avec la toile non peinte pour Mural dans son appartement et celui de Lee Krasner, Eighth Street, New York, été 1943. Photo : Bernard Schardt, avec l’aimable autorisation de la Maison et Centre d’études Pollock-Krasner, East Hampton, New York, don de Jeffrey Potter

Pollock a saisi la notion conceptuelle que le véritable sujet d’une œuvre d’art visuel ne doit pas nécessairement être contenu dans un aspect visuel de l’œuvre elle-même. Il a fait le saut d’un artiste qui représentait la nature dans des images à un artiste qui est un représentant vivant de la nature. Les positions d’artistes aussi divers dans leur approche esthétique que Yves Klein, Joseph Beuys, le Groupe Gutai, Andy Warhol, Yoko Ono, Alan Kaprow, Donald Judd, Richard Tuttle et Carolee Schneemann, reposent tous sur cette même notion antimatérialiste, selon laquelle la relique esthétique est moins importante que l’acte créatif lui-même. C’est un aspect sous-estimé de l’héritage de Pollock, peut-être parce que ses œuvres sont parmi les choses matérielles les plus coûteuses sur Terre. Je considère néanmoins que c’est la chose la plus importante qu’il ait prouvée : que la méthode est le sens.

Image en vedette : Jackson Pollock - Mural, 1943. Huile et caséine sur toile, 242,9 x 603,9 cm. Musée Stanley de l’Université de l’Iowa, don de Peggy Guggenheim, 1959.6 © 2020 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio