L'importance de la série Burst d'Adolph Gottlieb

Adolph Gottlieb a dit un jour : « Le rôle de l'artiste, bien sûr, a toujours été celui de créateur d'images. Différentes époques nécessitent différentes images. Gottlieb a été témoin de plusieurs époques distinctes et a changé trois fois de manière significative sa méthode afin de répondre à l'évolution de la culture. Son œuvre culmine avec ses peintures Burst, une série qu'il commence en 1957 et continue de développer jusqu'à sa mort en 1974. Le langage visuel des Bursts est simple et direct : la toile est divisée en deux zones : le haut et le bas. La zone supérieure est habitée par une ou plusieurs formes circulaires dans une gamme limitée de couleurs ; la zone inférieure est habitée par une explosion frénétique et gestuelle d’énergie cacophonique et tourbillonnante, normalement peinte en noir. Pour Gottlieb, les peintures Burst représentaient l’expression ultime de sa grande idée : qu’il existe simultanément des polarités dans l’univers, comme l’obscurité et la lumière. La sagesse conventionnelle a tendance à décrire ces forces comme si elles étaient dichotomiques, comme si la lumière était fondamentalement opposée aux ténèbres. Gottlieb a compris que la lumière et l'obscurité sont des points sur un spectre et sont constituées de la même matière dispersée dans des mesures différentes. Il considérait les polarités si similaires que l’une peut devenir l’autre avec seulement le moindre coup de pouce des pouvoirs en place, et les deux zones de ses peintures Burst fonctionnent de la même manière. Les formes circulaires semblent tenir le coup, planant avec confiance au-dessus de ce qui semble être une mêlée. Mais les deux font partie du même tableau, et ni l’un ni l’autre n’est dans un état d’être fixe. Ce qui se passe peut redescendre, et ce qui semble chaotique, dans des circonstances appropriées, peut fusionner et ne faire qu’un.

Les grandes explosions

Des exemples de peintures Burst ornent certaines des collections d'art les plus vénérées au monde. L'imposant « Blast I » (1957), mesurant 228,7 x 114,4 cm, est exposé au MoMA de New York. Sur celui-ci, un orbe rouge gargantuesque plane stoïquement au-dessus d’une mêlée tout aussi menaçante de marques gestuelles noires. Cette image emblématique a lancé la série, et une revisitation poétiquement chargée de son iconographie est réapparue en 1973, juste un an avant la mort de Gottlieb. Dans « Burst » (1973), l’une des dernières peintures réalisées par l’artiste avant sa mort, l’orbe rouge s’est ramolli et a commencé à se désassembler, envoyant des rayons de soleil roses dans l’éther. Pendant ce temps, la mêlée chaotique de marques gestuelles s’est divisée en une sorte de famille de formes, s’enfonçant sous la ligne d’horizon, émettant apparemment des vrilles et des graines dans l’espace.

Adolph Gottlieb - Blast I, 1957. Huile sur toile. 7' 6" x 45 1/8" (228,7 x 114,4 cm). Fonds Philip Johnson. © Fondation Adolph et Esther Gottlieb/Autorisé par VAGA, New York, NY. Collection MoMA.

Parmi les autres célèbres peintures Burst se trouve "Blues" (1962), maintenant dans la collection du Smithsonian American Art Museum. Sa palette de bleus et de noirs est sombre et sereine, l'obscurité se lisant comme une éclipse ou une image après-solarisée. "Trinity" (1962), un autre Burst monumental, est exposé dans la collection permanente du Crystal Bridges Museum of American Art. Cette toile de 203,2 x 469,9 cm étend le champ visuel horizontalement. Trois orbes solides—un bleu, un rouge et un noir—flottent dans l'espace au-dessus d'un élégant assemblage de marques de pinceau calligraphiques. Les marques semblent projeter une ombre grise alors qu'un orbe jaune délicat flotte dans le plan intermédiaire entre les zones supérieure et inférieure. La gamme de variations exemplifiée par "Blues" et "Trinity" démontre la variation énorme que Gottlieb a explorée dans son thème relativement simple, dotant chaque œuvre de la série Burst d'un sens idiosyncratique qui lui est propre.

Adolph Gottlieb-Icône, 1964. Huile sur toile. 144 x 100". ©Fondation Adolph et Esther Gottlieb.

Préparation à l'éclatement

Bien qu’il ait commencé à peindre dans les années 1920, le voyage entrepris par Gottlieb pour arriver au génie simple de ses peintures Burst a commencé dans les années 1930. C’est à ce moment-là qu’il a pris à cœur l’approche surréaliste du subconscient. Il s'est rendu compte que les expressions esthétiques les plus essentielles sont intemporelles car elles se rapportent à des réalités existentielles fondamentales comme le pouvoir, la peur, la naissance et la mort : des éléments de mythes. Ses recherches dans cette voie de pensée l'amènent à développer sa première grande série de peintures, qu'il appelle Pictographs. Basés sur un langage symbolique et intuitif de formes abstraites, ses pictogrammes étaient structurés dans des grilles, une tentative de transmettre des expressions compartimentées de la réalité. Bien que souvent considérés comme abstraits, Gottlieb décrit ses pictogrammes comme réalistes car ils expriment la véritable condition humaine, anxieuse et mystérieuse. Il les a peints jusqu’en 1951, date à laquelle il a décidé que les temps réclamaient quelque chose de nouveau. À la recherche d'une méthode simplifiée, il abandonne la grille et divise la toile en deux : un haut et un bas séparés par une ligne d'horizon. Il a appelé cette nouvelle série Paysages Imaginaires, car ils transmettent le paysage intérieur de l'existence, y compris les états d'être émotionnels, intellectuels, intuitifs et subconscients.

Adolph Gottlieb - Homme regardant une femme, 1949. Huile sur toile. 42 x 54" (106,6 x 137,1 cm). Don de l'artiste. © Fondation Adolph et Esther Gottlieb/Sous licence VAGA, New York, NY. Collection MoMA.

La série Burst est issue des Paysages Imaginaires et représente la distillation de la même idée. Gottlieb a simplifié ce qui se passait dans les parties supérieure et inférieure des paysages imaginaires et a cessé de s'appuyer sur une véritable ligne d'horizon pour diviser la toile en deux parties. Mais les peintures Burst représentent également une sorte d’ajout : l’ajout d’espace. En termes simples, Gottlieb s'est rendu compte que lorsque la ligne d'horizon était supprimée, la seule chose entre les formes supérieures et inférieures de la toile était l'espace, et plus la toile était grande, plus les formes épiques étaient étendues et plus il y avait d'espace. semblait l’être. Mais il ne pensait pas à l’espace uniquement en termes de distance mesurable. Cela concernait davantage l’ensemble du monde visuel et émotionnel du tableau. Les formes habitent le même espace, tout en occupant des territoires distincts au sein de l'espace. Leur espace colorimétrique est distinct ; leur espace formel est distinct ; leur espace linéaire est unique ; et leur espace intellectuel est unique. En fin de compte, c’est la notion d’espace qui était essentielle dans la façon dont Gottlieb percevait ses peintures Burst, car il la comprenait comme une expression accrue de la totalité de l’existence et du mythe de ses parties apparemment individuelles.

Image en vedette : Adolph Gottlieb - Trinity, 1962. Huile sur toile. 80 x 185". ©Fondation Adolph et Esther Gottlieb.
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio