L'importance de la série Burst d'Adolph Gottlieb

Adolph Gottlieb a dit un jour : « Le rôle de l'artiste, bien sûr, a toujours été celui de créateur d'images. Des époques différentes exigent des images différentes. » Gottlieb a été témoin de plusieurs époques nettement différentes, et a modifié sa méthode à trois reprises de manière significative afin de répondre à l'évolution de la culture. Son œuvre a atteint son apogée avec ses peintures Burst, une série qu'il a commencée en 1957 et qu'il a continué à développer jusqu'à sa mort en 1974. Le langage visuel des Bursts est simple et direct : la toile est divisée en deux zones : haut et bas. La zone supérieure est habitée par une ou plusieurs formes circulaires dans une gamme limitée de couleurs ; la zone inférieure est habitée par une explosion frénétique et gestuelle d'énergie tourbillonnante et cacophonique, généralement peinte en noir. Pour Gottlieb, les peintures Burst signifiaient l'expression ultime de sa grande idée : qu'il existe simultanément des polarités dans l'univers, telles que l'obscurité et la lumière. La sagesse conventionnelle tend à décrire ces forces comme si elles étaient dichotomiques — comme si la lumière était fondamentalement opposée à l'obscurité. Gottlieb comprenait que la lumière et l'obscurité sont des points sur un spectre, faits de la même substance dispersée en différentes proportions. Il considérait les polarités si semblables que l'une peut devenir l'autre avec seulement une légère impulsion des forces en présence, et les deux zones de ses peintures Burst fonctionnent de manière similaire. Les formes circulaires semblent maîtriser la situation, flottant avec assurance au-dessus de ce qui semble être une mêlée. Mais les deux font partie de la même image, et aucune n'est dans un état fixe d'existence. Ce qui est en haut peut descendre, et ce qui paraît chaotique, dans les bonnes circonstances, peut se rassembler et devenir un.

Les Bursts majeurs

Des exemples de peintures Burst ornent certaines des collections d'art les plus vénérées au monde. Le massif « Blast I » (1957), mesurant 228,7 x 114,4 cm, est accroché au MoMA de New York. On y voit un orbe rouge gargantuesque qui flotte stoïquement au-dessus d'une mêlée tout aussi menaçante de marques gestuelles noires. Cette image emblématique a lancé la série, et une revisite poétiquement chargée de son iconographie est apparue à nouveau en 1973, juste un an avant la mort de Gottlieb. Dans « Burst » (1973), l'une des dernières peintures créées par l'artiste avant sa mort, l'orbe rouge s'est adouci et a commencé à se désassembler, envoyant des éclats roses dans l'éther. Pendant ce temps, la mêlée chaotique de marques gestuelles s'est fragmentée en une sorte de famille de formes, s'enfonçant sous la ligne d'horizon, semblant émettre des tentacules et des graines dans l'espace.

Adolph Gottlieb - Blast I, 1957. Huile sur toile. 2,29 x 1,14 m. Fonds Philip Johnson. © Fondation Adolph et Esther Gottlieb / Autorisé par VAGA, New York, NY. Collection MoMA.

Gottlieb a explorée dans son thème relativement simple, conférant à chaque œuvre de la série Burst un sens idiosyncratique qui lui est propre.

Adolph Gottlieb - Icon, 1964. Huile sur toile. 366 x 254 cm. © Fondation Adolph et Esther Gottlieb.

Préparer l'explosion

Bien qu'il ait commencé à peindre dans les années 1920, le chemin que Gottlieb a suivi pour parvenir au génie simple de ses peintures Burst a débuté dans les années 1930. C'est alors qu'il a adopté pleinement l'approche surréaliste de l'inconscient. Il a compris que les expressions esthétiques les plus essentielles sont intemporelles parce qu'elles se rapportent à des réalités existentielles fondamentales comme le pouvoir, la peur, la naissance et la mort : la matière des mythes. Ses recherches dans cette voie l'ont conduit à développer sa première grande série de peintures, qu'il a appelée Pictographs. Basées sur un langage symbolique et intuitif de formes abstraites, ses Pictographs étaient structurées dans des grilles — une tentative de transmettre des expressions compartimentées de la réalité. Bien que souvent considérées comme abstraites, Gottlieb décrivait ses Pictographs comme réalistes puisqu'elles exprimaient la véritable condition humaine anxieuse et mystérieuse. Il les a peintes jusqu'en 1951, quand il a décidé que les temps réclamaient quelque chose de nouveau. En quête d'une méthode simplifiée, il a abandonné la grille et divisé la toile en deux — un haut et un bas avec une ligne d'horizon entre les deux. Il a appelé cette nouvelle série Paysages imaginaires, car ils transmettaient le paysage intérieur de l'existence, incluant les états émotionnels, intellectuels, intuitifs et subconscients de l'être.

Adolph Gottlieb - Homme regardant une femme, 1949. Huile sur toile. 106,6 x 137,1 cm. Don de l'artiste. © Fondation Adolph et Esther Gottlieb / Autorisé par VAGA, New York, NY. Collection MoMA.

La série Burst a évolué à partir des Paysages imaginaires, et elle représente la distillation de la même idée. Gottlieb a simplifié ce qui se passait dans les parties supérieure et inférieure des Paysages imaginaires, et a cessé de s'appuyer sur une ligne d'horizon réelle pour diviser la toile en deux parties. Mais les peintures Burst représentent aussi une sorte d'ajout — l'ajout de l'espace. En termes simples, Gottlieb a réalisé que lorsque la ligne d'horizon était supprimée, la seule chose entre les formes supérieure et inférieure sur la toile était l'espace, et plus la toile était grande, plus les formes semblaient étendues et épiques, et plus il semblait y avoir d'espace. Mais il ne pensait pas à l'espace uniquement en termes de distance mesurable. Il s'agissait davantage de la totalité du monde visuel et émotionnel de la peinture. Les formes habitent le même espace, et pourtant occupent des territoires distincts à l'intérieur de cet espace. Leur espace coloré est distinct ; leur espace formel est distinct ; leur espace linéaire est unique ; et leur espace intellectuel est unique. En fin de compte, c'est cette notion d'espace qui était essentielle à la façon dont Gottlieb percevait ses peintures Burst, car il la comprenait comme une expression amplifiée de la totalité de l'existence, et du mythe de ses parties apparemment individuelles.

Image en vedette : Adolph Gottlieb - Trinity, 1962. Huile sur toile. 203 x 470 cm. © Fondation Adolph et Esther Gottlieb.
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio