Ce que nous devons savoir sur les peintures d'Alexander Calder

Alexander Calder est le plus souvent associé à l’introduction du mobile dans les beaux-arts. Ses sculptures cinétiques et fantaisistes oscillent au moindre souffle de vent, se transformant en d’innombrables nouvelles configurations. On connaît moins les centaines de peintures d’Alexander Calder, ainsi que les milliers de gravures, qui occupent également à juste titre une place sacrée dans d’importants musées du monde entier. Calder ne se considérait pas vraiment comme un peintre. Il s’adonnait au travail en deux dimensions davantage comme un geste exploratoire, une manière d’examiner des idées sur la couleur, l’espace et la composition. Néanmoins, bien que ce ne fût pas son principal centre d’intérêt, son œuvre picturale organise et contextualise brillamment ses idées sur le mouvement et les relations entre les objets au sein de ce qu’il appelait le système de l’univers.

Les premières peintures d’Alexander Calder

Alexander Calder est né dans une famille d’artistes. Son père était sculpteur, et les premières œuvres que Calder réalisa furent dans l’atelier du sous-sol que son père entretenait. Pensant que cela mènerait à une carrière dans la fabrication d’objets, Calder étudia le génie mécanique à l’école. Mais un jour de 1924, alors qu’il travaillait comme ingénieur dans le Nord-Ouest Pacifique, il remarqua trois sommets enneigés et ressentit l’envie de les peindre. Il écrivit à sa famille pour demander des fournitures de peinture, que sa mère lui envoya. L’année suivante, il se retrouva à New York pour suivre des cours de peinture à la Art Students League.

Alexander Calder - Le Trapèze Volant, 1925. Huile sur toile. © Alexander Calder

En cours, Calder apprit à peindre des sujets réalistes, pour lesquels il avait un talent naturel. Il obtint rapidement un emploi d’illustrateur pour un journal. Mais l’attrait de ce travail ne fut pas assez fort pour le retenir, et en 1926 il partit pour Paris. Là, il se lia avec les artistes d’avant-garde de l’époque. En 1930, lors d’une visite d’atelier chez le peintre Piet Mondrian, Calder déclara avoir découvert l’abstraction. « J’ai été particulièrement impressionné par quelques rectangles de couleur qu’il avait épinglés sur son mur, » expliqua Calder. « Je suis rentré chez moi et j’ai essayé de peindre de façon abstraite. »

Peinture abstraite sans titre réalisée par Calder en 1930 après une visite d’atelier chez Mondrian. © Alexander Calder

Relations dans l’espace

Calder comprit rapidement que ses peintures n’atteignaient pas l’effet désiré, qui était de créer du mouvement. Il retourna donc passer la majeure partie de son temps en atelier à travailler dans l’espace tridimensionnel. Néanmoins, il continua à peindre ici et là, cherchant toujours à créer des compositions qui semblaient en mouvement. Il s’inspira de l’univers tout entier ; en particulier des relations que les corps dans l’espace entretiennent entre eux et avec leur environnement. Il limita principalement sa palette au noir, blanc et rouge, commentant que s’il le pouvait, il n’utiliserait que le rouge. « Les couleurs secondaires et les nuances intermédiaires ne servent qu’à embrouiller et troubler la netteté et la clarté », disait-il.

Peinture abstraite sans titre réalisée par Calder en 1930 après une visite d’atelier chez Mondrian. © Alexander Calder

Les formes sur lesquelles il s’appuyait principalement dans ses peintures abstraites étaient les cercles, sphères et disques, qui, disait-il, « représentent plus que ce qu’ils sont simplement ». Mais il créa aussi un langage unique de formes ressemblant à des triangles, des enclumes et des boomerangs. Il appelait ces formes des sphères, simplement « des sphères d’une forme différente ». Il les arrondissait et tentait de leur donner un sens de dynamisme, comme si elles étaient en transition. La seule forme qu’il hésitait à utiliser était le rectangle, disant : « Je n’utilise pas les rectangles – ils arrêtent. Je l’ai fait parfois, mais seulement quand je veux bloquer, constiper le mouvement ».

Alexander Calder - Sans titre, 1942. Gouache et encre sur papier. © Alexander Calder (gauche) / Alexander Calder - Fétiches, 1944. Huile sur toile. © Alexander Calder (droite)

Réalité abstraite

Bien que la plupart des gens considèrent ses peintures comme abstraites, Calder se considérait comme un peintre réaliste. Il disait : « Si vous pouvez imaginer une chose, la faire apparaître dans l’espace – alors vous pouvez la créer, et tout de suite vous êtes un réaliste ». Néanmoins, il savait qu’une certaine abstraction était communiquée par son œuvre. Il était conscient des limites de l’espace bidimensionnel pour représenter ses idées, mais estimait que tant que les spectateurs étaient inspirés à chercher leurs propres significations, il pouvait être satisfait. Il disait : « Que d’autres saisissent ce que j’ai en tête semble secondaire, du moins tant qu’ils ont autre chose en la leur ».

Alexander Calder - Formes impartiales, 1946. Huile sur toile. © Alexander Calder

Tout au long de sa carrière, Calder resta souple quant à sa propre compréhension des formes et compositions dans ses peintures. Cette souplesse est bien communiquée par la juxtaposition de deux peintures similaires qu’il créa à dix ans d’intervalle, dont les titres révèlent l’évolution de la relation que Calder développa envers les potentialités de son œuvre. La première, réalisée en 1946, s’intitule Formes impartiales. La seconde, réalisée en 1956, contient presque le même langage de formes, mais cette fois l’impartialité a disparu. Au lieu de cela, la peinture s’intitule Santos, le mot espagnol pour saints.

Alexander Calder - Santos, 1956. Huile sur contreplaqué. © Alexander Calder

Image en vedette : Alexander Calder - Tunnel spatial (détail), 1932. Aquarelle et encre sur papier. © Alexander Calder
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio