Quand l’art d’Arpita Singh est devenu abstrait

Les images qui habitent les peintures figuratives que Arpita Singh crée depuis la fin des années 1980 prennent vie avec excitation et énergie. Elles bourdonnent et vibrent de vie, et parlent avec assurance de la condition humaine. Il n’y a pas de récit unique dominant dans ses œuvres, et pourtant chaque tableau qu’elle réalise suggère clairement une histoire en train de se dérouler. Quelle est exactement cette histoire reste flou, ou tout au plus complexe, car Singh elle-même semble ne pas avoir de réponses mais seulement des questions, ou plutôt des enquêtes qu’elle explore assidûment dans son art. Mais comme tout artiste qui utilise des éléments figuratifs, Singh a souvent été qualifiée d’artiste figurative. Elle a aussi été qualifiée de féministe, de moderniste et de progressiste. Ces étiquettes émergent sans doute à la vue des créatures qu’elle peint, des êtres avec lesquels Singh sympathise si clairement, bien qu’elle les ait placés dans des décors qui soulignent douloureusement les épreuves et les complexités de la vie. Mais les étiquettes ne sont qu’un raccourci pour ceux qui souhaitent parler des peintures sans vraiment chercher à approfondir la compréhension d’une artiste et de son œuvre. Et peut-être que l’étiquette la plus lourde à porter pour un artiste est celle de la nationalité. Arpita Singh a été exclusivement présentée comme une artiste indienne. Mais comme l’a souligné René Magritte, «Montrer l’art belge a autant de sens que montrer l’art des végétariens.» L’origine régionale est sans importance. L’art appartient à la culture humaine. C’est pourquoi il est si réjouissant de voir le corpus d’œuvres actuellement exposé par Arpita Singh à la Talwar Gallery à New York. Bien que cette galerie soit elle-même dédiée à la présentation exclusive d’artistes du sous-continent indien, il est possible d’ignorer ce fait et de se concentrer sur le point que ce corpus particulier, composé de dessins abstraits réalisés par Singh entre 1973 et 1982, a un attrait véritablement universel, et souligne la vérité que Singh est une citoyenne du monde, et que son œuvre est une offrande à toute l’humanité.

Arpita Singh découvre l’abstraction

Arpita Singh est née en 1937 dans ce qui s’appelle aujourd’hui le Bangladesh. Sa carrière artistique a commencé dans un cadre quelque peu académique. Elle a obtenu son diplôme en Beaux-Arts au Delhi Polytechnic à New Delhi, en Inde, une école d’ingénierie aujourd’hui connue sous le nom d’Université technique de Delhi. Mais après avoir obtenu son diplôme, elle a pris un tournant radical dans une direction esthétique différente. Elle a été employée par le gouvernement dans un programme qui encourageait un retour aux formes d’art traditionnelles indiennes. Dans ce programme, elle a pratiqué le tissage et d’autres techniques traditionnelles et s’est immergée dans l’histoire esthétique de sa culture. Plus tard, lorsqu’elle a commencé à peindre professionnellement, elle s’est retrouvée en lutte avec ce qu’elle considérait comme des compositions sans inspiration, telles que des natures mortes ternes. Elle s’est donc tournée vers certaines de ces racines anciennes et traditionnelles lorsqu’elle a cherché des moyens de renouer avec l’esprit de son art.

Au début des années 1970, Singh a fait une pause dans la représentation d’objets, et s’est concentrée sur les bases de ce qu’est la création d’un tableau. Elle s’est connectée aux gestes de son métier, y compris ces mêmes gestes que les tisserands, les travailleurs du textile et les artisans de toutes sortes ont toujours utilisés. Elle a commencé à faire des dessins sur papier, dans lesquels elle utilisait simplement ces marques anciennes pour exprimer les éléments formels de la ligne, de la forme et du contour. En utilisant un minimum absolu de couleur et pratiquement aucune référence à la figuration, elle a amené ces compositions épurées à un état d’harmonie par l’expression d’idées esthétiques universelles. En regardant ces dessins dans le contexte de son travail précédent, on a l’impression qu’elle a soudainement fait une transition radicale vers l’abstraction. Plutôt que de représenter des choses, elle créait soudainement des microcosmes poétiques d’abstraction. Mais en vérité, elle était simplement revenue à l’expression la plus basique de l’art : le geste humain, et l’expression des éléments esthétiques essentiels du monde physique.

Arpita Singh - exposition Tying Down Time, Talwar Gallery, 2017, vue d’installation

Tout conserver

Ces dessins abstraits que Singh a créés sur une période de près d’une décennie lui ont donné l’inspiration créative qu’elle désirait depuis longtemps. Ils lui ont offert l’occasion d’explorer le sentiment et l’émotion sans aucun lien avec des objets ou des histoires. Ils l’ont reliée à sa propre physicalité et à la physicalité de ses outils, et cette connexion a posé les bases sur lesquelles elle a créé son vaste œuvre depuis. Les harmonies, la profondeur, la vivacité et la vitalité de ses peintures contemporaines émergent de ce vocabulaire visuel épuré que Singh a développé lors de sa soi-disant divergence vers l’abstraction. Mais en regardant attentivement ses peintures figuratives, on peut voir qu’en réalité ce n’était pas une divergence. C’était simplement une partie d’un processus d’expression continu. Ces œuvres apparemment abstraites contiennent beaucoup de concret. Et ses peintures figuratives contiennent beaucoup d’abstrait.

Il est intéressant, et peut-être révélateur, que les dessins actuellement exposés à la Talwar Gallery n’aient jamais été montrés auparavant. Peut-être que Singh considérait simplement cette phase de son développement comme un temps d’apprentissage et d’expérimentation. Peut-être n’a-t-elle jamais eu l’intention de montrer ces œuvres en public, car elle ne voulait peut-être pas être perçue comme changeant de direction. Ou peut-être ne voulait-elle pas être mal interprétée comme faisant une déclaration ouverte sur les mérites relatifs de l’abstraction ou de la figuration. Peut-être que ces œuvres faisaient simplement partie de sa pratique privée en atelier. C’est en fait son mari, lui aussi peintre, qui a sauvé ces œuvres sur papier, les préservant au fil des décennies. C’est grâce à lui que nous avons ce trésor à considérer aujourd’hui. Et c’est particulièrement agréable de les regarder avec le recul, en repensant à tout le reste du travail que Singh a créé depuis ces dessins. La possibilité de les comparer dans leur contexte avec les œuvres qui ont suivi réaffirme que ce corpus n’est pas séparé de son autre travail. Il en fait partie intégrante.

Arpita Singh - exposition Tying Down Time, Talwar Gallery, 2017, vue d’installation

Solemnité à la surface

Le titre de cette exposition actuelle, Tying Down Time, offre un point de départ poétique pour regarder les dessins présentés. Une grande partie du travail figuratif que Singh a réalisé aborde des questions importantes pour la culture humaine contemporaine, telles que la violence physique, la guerre et la subjugation systématique des faibles. Tying Down Time pourrait facilement avoir une connotation menaçante si l’on lit la phrase d’une certaine manière, comme si le temps était venu d’attacher quelqu’un. Mais la phrase pourrait aussi être lue de façon plus bienveillante, comme si elle faisait référence à un désir mélancolique commun et essentiellement humain de suspendre le temps, ou de considérer une période nostalgique du passé. Certainement, puisque cette exposition ne présente que des œuvres créées durant une période spécifique du passé, et puisque ces œuvres sont uniques dans le reste de son œuvre, il semblerait qu’un certain niveau de nostalgie soit à l’œuvre dans le titre de l’exposition. Mais il est aussi tentant, surtout en regardant profondément l’obscurité inhérente et la force des marques et des compositions de ces œuvres, de penser qu’une chose bien plus solennelle est aussi en jeu.

Une pensée qui me revient personnellement sans cesse en regardant les dessins abstraits d’Arpita Singh est qu’ils semblent parler d’un temps de germination : ils montrent un temps de commencements et de possibilités ; un temps de potentiel. Ce sont comme des proto-récits. Ils préparent le terrain pour des événements imminents. C’est comme s’ils émettaient de l’énergie, tels des univers primordiaux miniatures. Le fait que Singh ait utilisé une palette aussi douce pour ces œuvres me fait penser à la terre, à l’air, à l’eau, au grand dessous, à la surface gonflée d’où émergent les choses futures. Ces œuvres ont finalement transformé son style de peinture d’une manière qui lui a donné une profondeur visuelle et un poids qui n’existaient pas auparavant dans son travail. Elles étaient en effet les graines de ce qui allait venir. Et comme la source primordiale, elles représentent quelque chose d’universel et de pur, et quelque chose d’ancien. Comme chacune de ces œuvres semble s’être formée en elle-même par un processus organique, moment après moment, trait après trait, il semble que l’ensemble de l’œuvre d’Arpita Singh ait émergé d’elles, se rassemblant en partie grâce à leur énergie et se déployant naturellement, inévitablement et poétiquement à partir d’elles comme source.

Arpita Singh - exposition Tying Down Time, Talwar Gallery, 2017, vue d’installation

Tying Down Time est visible à la Talwar Gallery à New York jusqu’au 11 août 2017. C’est une occasion d’explorer un moment unique dans la carrière d’une artiste qui n’a pas encore reçu la reconnaissance qu’elle mérite, et de considérer les éléments abstraits universels qui sous-tendent les peintures figuratives plus familières pour lesquelles elle est largement reconnue.

Image en vedette : Arpita Singh - exposition Tying Down Time, Talwar Gallery, 2017, vue d’installation

Toutes les images sont fournies par Talwar Gallery

Par Phillip Barcio