Pourquoi Naum Gabo a joué un rôle déterminant dans la sculpture du XXe siècle

Naum Gabo était l'un des « artistes importants » par excellence du XXe siècle. Il a été façonné par son époque et a développé une position artistique qui a façonné son époque et la nôtre en retour. Ce qui rend sa contribution particulièrement impressionnante, c’est qu’il a vécu des circonstances qui auraient facilement pu rendre quelqu’un morose. Mais plutôt que de succomber à la dépression ou à la défaite, il a découvert les liens entre l’art et la vie quotidienne et a créé des œuvres qui améliorent sa vision et celle de beaucoup d’autres. De plus, Gabo faisait partie de la génération d’artistes qui imaginaient qu’un artiste n’avait pas besoin d’être redevable à un type particulier d’exutoire créatif. Les œuvres créées par Gabo couvrent de nombreuses disciplines, de la sculpture à la peinture en passant par l'architecture et la conception de théâtre. Il ne voyait pas l'artiste comme une figure isolée, seul dans une pièce avec son génie, mais comme un ambassadeur créatif socialement engagé, dont l'imagination pouvait être un canal pour la diffusion d'une grande variété d'expériences et de concepts. Pionnier constructiviste; membre clé d'Abstraction-Création; pionnier de l'art cinétique; Gabo est véritablement un exemple pour les artistes de toutes générations sur la manière non seulement de s'exprimer avec leur travail, mais aussi sur la manière d'incorporer leur travail et eux-mêmes dans le tissu même de leur culture.

La voie vers le constructivisme

Né dans une famille de sept enfants à Briansk, en Russie, Gabo a été expulsé de l'école à l'âge de 14 ans pour avoir écrit de la poésie « subversive ». À l’âge de 15 ans, il a été témoin des atrocités commises au cours de la Révolution russe de 1905, qui a duré un an et demi. Les images qu’il a vues des ouvriers battus dans les rues ont solidifié sa conscience de révolutionnaire social et de non-conformiste. Mais à ce jeune âge, Gabo n’était pas encore un artiste. Sa première exposition à l’art n’a eu lieu qu’à l’âge de 20 ans. À 21 ans, il s'inscrit à la faculté de médecine, affirmant vouloir pouvoir soigner sa mère, qui souffrait de maux de tête. Il a rapidement changé d'orientation, passant rapidement d'une matière à l'autre, étudiant d'abord les mathématiques, puis les sciences, la philosophie et l'ingénierie. Ce n'est que lorsqu'il suivit un cours d'histoire de l'art en 1912 et lu Concernant le spirituel dans l'art de Vassily Kandinsky que Gabo eut une révélation. , et a réalisé comment les artistes de sa génération croisaient leurs croyances avec d'autres aspects de la vie moderne. Inspiré pour commencer sa vie créative, il s'installe à Paris avec son frère, Antoine Pevsner, qui devient également artiste.

Naum Gabo - Moulage en bronze de l'albâtre dans "Construction avec sculpture en albâtre", 1966. Bronze et plexiglas.15 × 18 1/5 × 5 1/10 po ; 38 × 46,2 × 12,9 cm. Édition 4/6. Photo gracieuseté d'Annely Juda Fine Art, Londres

À Paris, Gabo a visité le Salon des Indépendants et s'est connecté au travail des principaux artistes abstraits et modernistes de sa génération. Cette expérience a transformé ses opinions sur ce que l’art pouvait accomplir socialement et politiquement. Il a commencé à réaliser des sculptures figuratives, mais en est rapidement venu à considérer les méthodes lourdes de l’art historique comme « mortes ». Avec son frère, Gabo publie en 1920 le Manifeste réaliste. Il dénonce le passé en faveur du futur, répudiant la couleur comme un élément pictural ; rejeter la ligne comme élément imaginaire et graphique ; renier le volume au lieu de la « profondeur continue » de la réalité ; rejeter la masse comme nécessité sculpturale ; et désavouer l’art statique au profit des « rythmes cinétiques ». Il se termine par la déclaration selon laquelle, « L'art est appelé à accompagner l'homme partout où se déroule et agit sa vie infatigable : à l'établi, au bureau, au travail, au repos et dans les loisirs ; les jours de travail et les jours fériés, à la maison et sur la route, pour que la flamme de la vie ne s'éteigne pas chez l'homme. » Au moment où il publie cette proclamation épique, Gabo avait 30 ans. Il avait déjà vécu une vie épique, qui l’avait parfaitement préparé à émerger comme un révolutionnaire dans le monde de l’art abstrait du début du XXe siècle.

Naum Gabo - Thème sphérique : variation noire, 1937. Rhodoide transparent et celluloïd noir.
16 7/10 de diamètre ; 42,5 cm de diamètre. Photo gracieuseté de la Galerie Natalie Seroussi

Créer de l'espace

Une idée clé que Gabo a ajoutée à l’histoire de la sculpture était qu’il n’est pas nécessaire qu’une masse soit sculptée ou coulée pour qu’une sculpture puisse naître. Sa méthode consistait à « construire », à construire une forme à partir d’éléments disparates de manière à permettre à l’espace d’exister entre les éléments – une des significations du terme constructivisme. Un autre sens de ce mot, constructivisme, concerne littéralement la création d’un art constructif, c’est-à-dire utilitaire ou utile à la société. Gabo pensait que sa méthode de construction de sculptures correspondait également à cette description, puisqu'elle incarnait l'idée d'espace, une idée moderne exprimée par Albert Einstein dans sa Théorie générale de la relativité, publié en 1915, et le temps, un élément que Gabo a ajouté à ses œuvres cinétiques, car il considérait que le mouvement était à la fois une expression littérale et artistique du passage des instants.

Naum Gabo - Construction linéaire dans l'espace n°1, 1943. Lucite avec fil de nylon.
24 1/8 × 24 1/4 × 9 7/8 po ; 61,3 × 61,6 × 25,1 cm. Collection Phillips

Lorsque Gabo est retourné en Russie, où il espérait faire mûrir ses idées constructivistes au service de son pays d'origine, l'ère du réalisme socialiste prenait de l'ampleur. Son travail abstrait n'avait aucune valeur pour sa patrie, il a donc de nouveau été contraint de voyager. Il a passé du temps en Allemagne, où il s'est lié d'amitié avec des membres clés du Bauhaus ; à Paris, où il a conçu des décors et des costumes pour le ballet et s'est lié d'amitié avec des artistes comme Piet Mondrian ; et en Angleterre, où il s'est lié d'amitié avec des membres de l'École de St. Ives, tels que Barbara Hepworth et Ben Nicholson. Enfin, après la Seconde Guerre mondiale, Gabo est venu en Amérique, où il a continué à faire évoluer sa position esthétique jusqu'à sa mort en 1977. L'œuvre qu'il a laissée derrière lui est à la fois le fruit de ses expériences et une réponse à celles-ci. Sa vision était formée par l'idée que, historiquement, la civilisation humaine n'avait été guère plus qu'un chaos et une violence. Il a démontré à travers son art que les choses superficielles ne sont pas aussi importantes que la substance intérieure et les rythmes universels. Son importance réside non seulement dans l'unicité de sa vision esthétique, mais aussi dans les manières dont son travail illustre comment l'art abstrait peut interagir avec la vie quotidienne au service d'un monde plus harmonieux.

Image en vedette : Naum Gabo - Pierre blanche, 1963-1964. Marbre gris pâle sur marbre peint en noir. 18 1/10 × 23 1/5 po ; 46 × 59 cm. Photo gracieuseté d'Annely Juda Fine Art, Londres.

Par Phillip Barcio