Art abstrait jaune à vendre pour égayer votre maison !

En appliquant vigoureusement le jaune - dans Yellow-Red-Blue ou The Yellow Canvas, entre autres - Kandinsky affirmait que le jaune tourmente l’homme, il s’impose à lui comme une contrainte, s’immisçant avec une sorte de brutalité insupportable. En effet, le jaune permet une myriade de significations, d’interprétations et d’émotions coexistant, et cette qualité unique fascinait particulièrement les Expressionnistes Abstraits de première génération. Le jaune éclatant dans Yellow Woman de de Kooning éblouit soudainement l’œil, accentuant toute la splendeur de l’œuvre, tout comme le jaune vif dans Yellow Islands de Pollock. Mais l’ocre jaune des collines californiennes, rappelant sa jeunesse, était essentiel dans l’œuvre de Robert Motherwell. De Little Spanish Prison où des bandes verticales jaunes libres symbolisent l’espoir, à Yellow Chord où un champ de jaune contraste vivement avec des formes noires audacieuses, le jaune devient la couleur signature de Motherwell qui domine son œuvre prolifique. Alors que le jaune continue d’inspirer et de provoquer les artistes d’aujourd’hui, notre sélection hebdomadaire devrait vous aider à choisir votre propre joyau jaune et à l’ajouter à votre collection !

Anya Spielman - Quince

Spielman dévoile par son approche physique intense une œuvre expressionniste débridée qui révèle sa nature impulsive. Cette petite huile sur papier révèle une surface lumineuse et sensuelle saturée avec des couches brillantes et mates de jaune et de blanc superbement superposées. Les lignes noires audacieuses font vaguement référence aux coings, créant une structure sous-jacente qui déconstruit et produit un vocabulaire immergé de l’œuvre. Quince explore l’immobilité et la structure dans un équilibre fragile qui séduit et excite le spectateur. Spielman est une peintre abstraite américaine. Son travail explore la constellation des forces et formes binaires. Elle vit et travaille dans la région de Los Angeles.

Anya Spielman - Quince, 2015. Huile sur papier. 17,8 x 17,8 cm.

Dana Gordon - Line to Structure 8

Line to Structure 8 fait partie de la première série de Gordon créée en 1977, dans laquelle il examine scrupuleusement comment les marques évoluent en lignes, formes et images. Cette acrylique sur papier indien fait main oscille entre linéarité et amas de marques et formes, tandis que sa palette réduite avec un jaune contenu lui permet de se concentrer sur les qualités des lignes et des marques. En se focalisant sur les éléments de base, il plonge profondément dans la nature humaine et ses secrets les plus cachés. Gordon est un peintre abstrait américain et artiste multimédia dont le travail exubérant explore depuis des décennies le potentiel de la création de marques et de lignes pour créer des couleurs, formes et espaces chargés de sens. Il vit et travaille à New York.

Dana Gordon - Line to Structure 8, 1977. Acrylique sur papier indien fait main. 61 x 76,2 cm.

Janise Yntema - Lemon Yellow

Cette œuvre fait partie de la série The Temperature of Light où Yntema superpose de la cire pigmentée translucide pour obtenir une vibrance extraordinaire de couleur. Lemon Yellow est son effort méticuleux pour condenser la sensation de percevoir les citrons comme des souvenirs d’objets observés qui habitent son espace personnel de réflexion. Là, elle permet à la couleur et à la lumière d’interagir et d’exploiter la subjectivité ainsi que le sujet lui-même. Yntema est une peintre abstraite américaine qui travaille avec la technique ancienne de la cire encaustique, un mélange de cire d’abeille, résine et pigments. Elle vit et travaille actuellement à Bruxelles, Belgique.

Janise Yntema - Lemon Yellow, 2015. Cire d’abeille, résine et pigment sur papier d’archives monté sur panneau d’archives avec passe-partout. 41 x 61 cm.

Mel Prest - Pretend It's Yesterday

Cette acrylique hypnotisante sur panneau fait partie de la série In Praise of Planetary Time, inspirée par une éclipse de lune de sang qui transforma la surface lunaire en une sphère rouge brique opaque. S’appuyant sur la discussion sur la différence entre esthétique traditionnelle et moderne dans In Praise of Shadows, elle médite sur la façon dont un changement cosmique progressif affecte ses activités habituelles. Prest a passé des mois à construire la couche jaune et à attendre le travail des lignes – elle a continué une fois que son processus créatif a commencé à résonner avec des pulsations cosmiques sublimes. Prest est une artiste abstraite américaine dont les peintures complexes et superposées mobilisent couleur, ligne et perspective pour activer des phénomènes perceptifs cinétiques. Elle vit et travaille à San Francisco, Californie.

Mel Prest -Pretend It's Yesterday, 2015. Acrylique sur panneau. 35,6 x 27,9 x 5 cm.

Matthew Langley - 4CD

Faisant partie de la série plus informelle Painting A Day, 4CD est une investigation visuelle sur la manière dont l’échelle, le coup de pinceau et la surface interagissent alors que Langley applique sa méthode distincte de construction/extension et de réduction/minimisation de la surface peinte. Il utilise des couches semi-transparentes de peinture jaune qui donnent une pièce viscérale et troublante mettant en lumière la complexité et la nature ambiguë de la peinture. Son approche ouverte suscite la contemplation et l’interrogation alors qu’il transcende les aspects physiques de cette œuvre. Langley est un artiste abstrait américain. Il s’intéresse à l’équilibre entre couleur et processus, création de marques et champ, échelle et relation, planification et improvisation. Il vit et travaille à New York.

Matthew Langley - 4CD, 2015. Acrylique sur papier. 56 x 71 cm.

Stephen Maine - HP13-1113

Faisant partie de la série Halftone Paintings, HP13-1113 est réalisé avec une surface d’impression spécialisée qui laisse une matrice de petits points dans un motif ressemblant à un tramage photographique. Utilisé dans l’impression commerciale pour traduire le ton continu de l’émulsion photographique en un champ de petits points, il donne l’impression d’un agrandissement fragmentaire et d’un focus épuré. Maine applique un jaune très saturé et chromatiquement intense contrasté par un bleu-gris lavande naturalisé pour apporter un élément de surprise et un résultat visuel exceptionnellement captivant. Maine est un peintre abstrait américain, écrivain, conservateur et enseignant. Ses peintures engagent et prolongent les idées contemporaines sur la couleur, la composition, la surface et le processus. Il vit et travaille à Brooklyn, NY.

Stephen Maine - HP13-1113, 2013. Acrylique sur toile. 91 x 76 cm.

Jessica Snow - Space Groove 4

Space Groove 4 présente une sélection habile de jaune vif et rouge ludique qui se dissolvent en remplissant la surface d’une lumière, d’un air, d’un élancement et d’une liberté métaphoriques. L’exploration par Snow de la manière dont la couleur affecte la compression et le poids des coups de pinceau fusionne l’affectif et le rationnel, l’ordre et le chaos. Ses coups de pinceau sans effort et intuitifs semblent spontanés, mais la rigueur de sa préparation émerge progressivement. Elle préfère que son travail reste ouvert à l’interprétation, encourageant des lectures multiples et immergeant chaque spectateur dans son propre univers sémiotique. Snow est une artiste abstraite américaine dont les peintures et dessins se distinguent par des géométries colorées et ludiques. Elle est basée à San Francisco.

Jessica Snow - Space Groove 4, 2019. Huile sur lin. 106,7 x 96,5 cm.

Holly Miller - Bend 2

Faisant partie de la série Bend, cette œuvre est une forme fragmentée en zigzag avec son bord signature cousu qui accentue son aspect tridimensionnel. Miller mêle remarquablement sculpture, peinture et dessin en utilisant des lignes cousues qui soulignent une barrière physique et interrompent les formes. Le jaune apaisant capture une énergie dynamique tout en transmettant une poétique silencieuse qui permet au spectateur de pénétrer à travers les lignes dans la surface peinte. Miller est une artiste abstraite américaine dont les peintures cherchent à fusionner l’optique et le tactile à travers le langage de l’abstraction. Elle vit et travaille à Brooklyn, NY.

Holly Miller - Bend 2, 2013. Acrylique, graphite et fil sur toile. 25,4 x 25,4 cm.

Jill Moser - 1.20 (Ref 09)

Inspirée par les profondeurs en spirale de l’histoire du langage écrit, la fascination de Moser pour le langage visuel et indexical se révèle dans une gouache jaune erratique qui atterrit frénétiquement sur le papier dévoilant ses émotions les plus intenses. Ses coups de pinceau vigoureux et débridés, fins et proches de lignes délicates, aboutissent à une expression lyrique et gestuelle, contemplative et méditative. La spontanéité de son travail est obtenue par un processus méthodique et indexical alors qu’elle évolue personnellement à travers chacune de ses œuvres. Moser est une artiste abstraite américaine dont le travail explore l’intersection de la peinture, de l’écriture et de l’image animée. Elle vit et travaille à New York.

Jill Moser - 1.20 (Ref 09), 2009. Gouache sur papier. 76,2 x 57,15 cm.

Tommaso Fattovich - Clockwork

Cette dernière œuvre de Fattovich est un audacieux mélange de techniques sur toile qui reflète ses tentatives hardies de plonger dans le subliminal tout en jouant avec la composition en appliquant la stratégie surréaliste de l’automatisme. Le jaune domine farouchement Clockwork, rivalisant non seulement avec d’autres couleurs mais aussi avec les couches, lignes et formes qui ajoutent tous à l’expression viscérale de Fattovich. Son style Abstract Punk livre une œuvre brute et pure dans laquelle les fragments du monde moderne apparaissent et disparaissent. Fattovich est un peintre abstrait italien qui déploie la stratégie surréaliste de l’automatisme pour créer des œuvres brutes, superposées et émouvantes qui transmettent des sentiments de désolation et de déclin. Il vit et travaille à Delray Beach, Floride.

Tommaso Fattovich - Clockwork, 2020. Techniques mixtes sur toile. 152,4 x 121,92 cm.

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Image en vedette : Mel Prest - Pretend It's Yesterday, 2015, vue de l’installation.
Par Jovana Vuković