Abstraction et utilisation de différents types de lignes dans l'art

La ligne est l’un des éléments formels de l’art. Avec des éléments tels que la couleur, la forme, la texture et l’espace, elle constitue un aspect esthétique à contempler, en dehors des composantes subjectives et interprétatives d’une œuvre. Discuter de la ligne dans l’art revient à peu près à discuter de l’arôme dans le vin ou de la saveur dans la nourriture. C’est une partie d’une expérience esthétique plus vaste. Objectivement, les peintres utilisent la ligne pour délimiter les formes et créer la perspective, entre autres choses. Mais il existe aussi une théorie selon laquelle différents états émotionnels peuvent être inspirés par différents types de lignes dans l’art. Par exemple, une ligne horizontale transmettrait le repos, car elle imite la position d’un corps au repos ; une ligne verticale transmettrait la spiritualité, car elle suggère la hauteur ; les lignes horizontales et verticales mélangées transmettraient la stabilité ; les lignes diagonales transmettraient le mouvement ; et les lignes courbes transmettraient l’humanité et la sensualité. On ignore si les spectateurs ordinaires, non guidés, ressentent réellement de telles émotions en regardant un tableau ; d’autant plus que le sujet peut influencer les messages supposés communiqués par les lignes. Mais peut-être qu’en observant comment divers peintres abstraits ont utilisé la ligne au fil des ans, nous pouvons découvrir s’il existe effectivement des vérités sous-jacentes reliant l’état émotionnel des spectateurs et l’esthétique de la ligne dans l’art.

Spiritualité et ligne

En plus d’être l’un des premiers peintres occidentaux à poursuivre une forme de peinture entièrement non figurative, l’artiste russe Wassily Kandinsky se préoccupait profondément de transmettre la spiritualité à travers son art. En 1912, il publia un livre intitulé De l’esprit dans l’art. Il y exposait son désir d’atteindre, par l’art visuel, ce que la musique avait déjà atteint par le son : la communication d’universaux à travers un langage esthétique abstrait.

En 1926, après avoir longuement testé ses théories esthétiques, Kandinsky publia un autre ouvrage intitulé Point et ligne sur plan. Ce traité affirmait définitivement sa croyance en l’impact émotionnel de la ligne dans l’art. Les tableaux qu’il créa à la même époque peuvent être lus comme des démonstrations de ses théories. Ils utilisent la ligne formellement pour délimiter les formes, créer des volumes et la perspective, mais aussi pour inspirer un effet émotionnel. Un exemple emblématique est le tableau Composition VIII, apprécié pour son sens de l’harmonie et de l’équilibre compositionnel. On y voit des lignes horizontales et verticales croisées dans la partie inférieure qui fournissent une base stable à la composition. De multiples lignes diagonales créent un mouvement vers un point de fuite en haut à droite. Et des lignes courbes introduisent une présence vivante, biologique, en perpétuel changement.

Wassily Kandinsky - Composition VIII, 1923. Huile sur toile. 140,3 x 200,7 cm. Musée Solomon R. Guggenheim, New York, Collection fondatrice Solomon R. Guggenheim. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris

Forces opposées

Bien que sa philosophie fût très différente de celle de Kandinsky, le peintre néerlandais Piet Mondrian croyait lui aussi au pouvoir communicatif de la ligne. Il pensait pouvoir réduire le langage pictural à ses éléments les plus essentiels. Il réduisit progressivement ses outils visuels jusqu’à parvenir à un style utilisant uniquement des lignes horizontales et verticales, ainsi qu’une palette de couleurs très limitée. Par ce style austère, il estimait pouvoir communiquer la vérité spirituelle fondamentale de l’univers.

Mondrian rejeta les lignes diagonales car il voulait éviter la perspective afin d’obtenir un plan d’image totalement plat. Il rejeta aussi les courbes car il voulait transmettre quelque chose de pur et d’universel. Il croyait que seules les lignes horizontales et verticales, utilisées ensemble, représentaient les forces opposées pures et essentielles de l’univers, telles que la masculinité et la féminité, le positif et le négatif, l’immobilité et le mouvement.

Piet Mondrian - Composition n° III, avec rouge, bleu, jaune et noir, 1929. Huile sur toile. 50 × 50,2 cm. Collection privée

La parfaite imperfection

La peintre canadienne Agnes Martin adopta une approche esthétique partageant de nombreuses similitudes avec celle de Piet Mondrian. Mais Martin était considérée comme bien plus expressive et émotive que Mondrian. Tous deux se concentraient presque exclusivement sur une combinaison de lignes horizontales et verticales. Mais Martin peignait des grilles dessinées à la main qui révèlent sa touche humaine. Même dans leur apparente précision, elles contiennent des imperfections subtiles et infimes.

Ces imperfections remplissent la même fonction qu’une ligne courbe, transmettant quelque chose d’organique et d’essentiellement humain. Bien que son œuvre soit peut-être plus émotionnelle, comme le révèlent ses titres, tels que Amitié, Joie-Gaîté, et Belle Vie, elle croyait, tout comme Mondrian, au pouvoir des lignes horizontales et verticales pour exprimer quelque chose d’harmonieux et d’universel.

Agnes Martin - Amitié, 1963. Feuille d’or et huile sur toile. 190,5 x 190,5 cm. Don de Celeste et Armand P. Bartos. Collection MoMA. © 2019 Succession Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

Couleur et courbes

L’œuvre du peintre américain Cy Twombly tire son aspect emblématique d’un langage visuel fondé presque entièrement sur la couleur et la ligne. Ses tableaux sont abstraits, communiquant des sentiments intenses par leur palette simplifiée et l’énergie et l’intensité de leurs griffonnages. Leurs lignes sont principalement de nature glyphe, ce qui signifie que leur nature courbe et sensuelle ressemble à une forme d’écriture primitive.

En plus des lignes glyphes, des lignes verticales remplissent aussi ses images. Mais plutôt que d’être dessinées, ces lignes verticales furent créées par des gouttes formées lorsque son pinceau appuyait sur la surface. Ces verticales donnent aux formes courbes et glyphes une impression de montée. Son tableau Bacchus manifeste parfaitement ce phénomène, ses courbes sensuelles évoquant un sentiment de transcendance soutenu par les gouttes verticales.

Cy Twombly - Sans titre (Bacchus), 2005. Acrylique sur toile. 317,5 x 417,8 cm. © Cy Twombly

Ligne et illusion

La ligne est un élément vital dans le travail des artistes optiques. Et les tableaux de Bridget Riley n’utilisent pas seulement la ligne pour susciter une réponse émotionnelle chez les spectateurs. Ils utilisent aussi la ligne pour provoquer une réaction physique. Les œuvres que Riley réalisa dans les années 1960 étaient souvent dites provoquer chez les spectateurs un malaise, comme s’ils ressentaient des vertiges et des nausées à cause de la sensation de mouvement créée par les tableaux.

Dans son tableau de 1966 Descending, Riley crée un sentiment de hauteur grâce à de fortes verticales, ainsi qu’un sentiment de perspective et de mouvement par des rangées répétées de diagonales. De plus, elle crée une sensation de douceur sensuelle par le placement stratégique de courbes suggérées dans les lignes verticales. L’absence de lignes horizontales contribue en effet au sentiment général que tout est déséquilibré.

Bridget Riley - Descending, 1966. Émulsion sur panneau. 91,5 x 91,5 cm. © Bridget Riley

Voix contemporaines de la ligne

De nombreux peintres contemporains explorent le pouvoir communicatif de la ligne dans l’art. Le peintre brésilien Christian Rosa utilise un langage linéaire idiosyncratique et épuré qui partage beaucoup avec l’œuvre de Wassily Kandinsky. La peintre abstraite américaine Margaret Neill crée des compositions linéaires courbes, sensuelles et intuitives qui dialoguent harmonieusement avec le travail de Cy Twombly. Le peintre néerlandais José Heerkens utilise les lignes horizontales et verticales conjointement avec la couleur pour l’exploration de l’espace. Et l’artiste franco-américain Peter Soriano emploie la ligne de manière à fusionner des sensibilités graphiques avec quelque chose de métaphysique et d’éthéré.

En plus de ceux que nous avons mentionnés, de nombreux autres artistes abstraits du siècle passé ont exploré le pouvoir de la ligne pour transmettre un sens et inspirer une réponse émotionnelle. Il est impossible de prouver s’ils ont tous rencontré un succès universel. Mais il ne fait aucun doute que les éléments esthétiques formels de l’art sont au moins capables d’évoquer des réactions émotionnelles. Et considérées ensemble, les œuvres de ces artistes abstraits que nous avons évoqués présentent des arguments convaincants en faveur du pouvoir communicatif de la ligne.

Image en vedette : Christian Rosa - Endless refill (détail), 2013, peinture en aérosol, crayon, ruban adhésif, bâton d’huile et huile sur toile, 180 x 200 cm
Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement
Par Phillip Barcio