Abstraction et utilisation de différents types de lignes dans l'art

La ligne est l'un des éléments formels de l'art. Outre des éléments tels que la couleur, la forme, la texture et l'espace, c'est quelque chose d'esthétique à contempler en dehors des composants subjectifs et interprétatifs d'une œuvre d'art. Discuter de ligne dans l'art équivaut à peu près à discuter de l'arôme du vin ou de la saveur des aliments. C’est une partie d’une expérience esthétique plus vaste. Objectivement, les peintres utilisent la ligne pour tracer des formes et créer de la perspective, entre autres. Mais il existe également une théorie selon laquelle divers états émotionnels peuvent être inspirés par différents types de lignes artistiques. Par exemple, une ligne horizontale est censée exprimer le repos, puisqu'elle imite la position d'un corps au repos ; une ligne verticale est censée transmettre la spiritualité, car elle induit la hauteur ; des lignes mixtes horizontales et verticales sont censées véhiculer la stabilité ; les lignes diagonales sont censées transmettre le mouvement ; et les lignes courbes sont censées véhiculer l'humanité et la sensualité. On ne sait pas si les spectateurs typiques, non coachés, éprouvent réellement de tels sentiments lorsqu’ils regardent un tableau ; d'autant plus que le sujet peut affecter les messages censés être communiqués par lignes. Mais peut-être qu’en examinant la manière dont divers peintres abstraits ont utilisé la ligne au fil des années, nous pourrons découvrir s’il existe effectivement des vérités sous-jacentes reliant l’état émotionnel du spectateur et l’esthétique de la ligne dans l’art.

Spiritualité et Ligne

En plus d'être l'un des premiers peintres occidentaux à poursuivre une forme de peinture complètement non représentative, l'artiste russe Wassily Kandinsky était profondément préoccupé par la transmission de la spiritualité à travers son art. En 1912, il publia un livre intitulé Du spirituel dans l'art. Dans celui-ci, il discuta de son désir d'atteindre à travers l'art visuel ce que la musique avait déjà atteint par le son : la communication des universalités à travers un langage esthétique abstrait.

En 1926, après avoir testé de manière approfondie ses théories esthétiques, Kandinsky a publié un autre livre intitulé Point et ligne sur plan. Ce traité affirmait de manière définitive sa croyance en l'impact émotionnel de la ligne dans l'art. Les tableaux qu'il a créés à cette même époque peuvent être considérés comme des démonstrations de ses théories. Ils utilisent la ligne de manière formelle pour délimiter des formes, créer des volumes dimensionnels et établir une perspective, tout en inspirant également un effet émotionnel. Un exemple emblématique est le tableau Composition VIII, qui est admiré pour son sens de l'harmonie et de l'équilibre compositionnel. Dans celui-ci, des lignes horizontales et verticales croisées dans le cadre inférieur fournissent une base stable pour la composition. Plusieurs lignes diagonales créent un mouvement vers un point de fuite dans le coin supérieur droit. Et des lignes courbes introduisent une présence vivante et biologique qui est en flux.

Vassily Kandinsky - Composition VIII, 1923. Huile sur toile. 55 1/4 x 79 pouces (140,3 x 200,7 cm). Musée Solomon R. Guggenheim, New York, collection fondatrice Solomon R. Guggenheim. © 2019 Société de Droits des Artistes (ARS), New York/ADAGP, Paris

Forces opposées

Bien que sa philosophie soit très différente de celle de Kandinsky, le peintre néerlandais Piet Mondrian croyait également au pouvoir communicatif de la ligne. Il pensait qu'il pouvait réduire le langage de la peinture à ses éléments les plus essentiels. Il a progressivement réduit ses outils visuels jusqu'à arriver à un style qui n'utilisait que des lignes horizontales et verticales, et une palette de couleurs sévèrement limitée. À travers ce style austère, il sentait qu'il pouvait communiquer la vérité spirituelle sous-jacente de l'univers.

Mondrian a rejeté les lignes diagonales parce qu'il voulait éviter la perspective afin d'obtenir un plan d'image complètement plat. Et il rejetait les courbes parce qu’il voulait communiquer quelque chose de pur et d’universel. Il croyait que les lignes horizontales et verticales seules, lorsqu'elles étaient utilisées ensemble, représentaient les forces pures, essentielles et opposées de l'univers, telles que la masculinité et la féminité, la positivité et la négativité, l'immobilité et le mouvement.

Piet Mondrian - Composition No III, avec rouge, bleu, jaune et noir, 1929. Huile sur toile. 50 × 50,2 cm (19,6 × 19,7 pouces). Collection Privée

Le parfait imparfait

La peintre d'origine canadienne Agnès Martin a employé une approche esthétique qui partageait de nombreuses similitudes avec celle de Piet Mondrian. Mais Martin était considéré comme beaucoup plus expressif et émotif que Mondrian. Les deux peintres se sont presque entièrement concentrés sur une combinaison de lignes horizontales et verticales. Mais Martin a peint des grilles dessinées à la main qui révèlent sa touche humaine. Même dans leur apparente précision, ils contiennent des imperfections subtiles et infimes.

Ces imperfections assument la même fonction qu’une ligne courbe, véhiculant quelque chose d’organique et d’essentiel humain. Bien que son travail soit peut-être plus émotionnel, comme le révèlent ses titres, tels que Friendship, Happiness-Glee, et Beautiful Life, elle, comme Mondrian, croyait au pouvoir de lignes horizontales et verticales pour exprimer quelque chose d'harmonieux et d'universel.

Agnes Martin - Amitié, 1963. Feuille d'or et huile sur toile. 6' 3" x 6' 3" (190,5 x 190,5 cm). Don de Céleste et Armand P. Bartos. Collection du MoMA. © 2019 Succession d'Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

Couleur et courbes

L'œuvre du peintre américain Cy Twombly tire son apparence iconique d'un langage visuel basé presque entièrement sur la couleur et la ligne. Ses peintures sont abstraites, communiquant des sentiments intenses à travers leur palette simplifiée et l'énergie et l'intensité de leur gribouillage. Leurs lignes sont principalement de nature glyphique, ce qui signifie que leur nature courbée et sensuelle ressemble à une sorte d'écriture primitive.

Outre les lignes glyphiques, des lignes verticales remplissent également ses images. Mais plutôt que d'être dessinées, les lignes verticales ont été créées par des gouttes faites lorsque son pinceau poussait contre la surface. Les verticales donnent aux formes courbes et glyphiques l’impression qu’elles s’élèvent. Sa peinture Bacchus manifeste parfaitement ce phénomène, car ses courbes sensuelles évoquent un sentiment de transcendance soutenu par les coulures verticales.

Cy Twombly - Sans titre (Bacchus), 2005. Acrylique sur toile. 317,5 x 417,8 cm. © Cy Twombly

Ligne et illusion

La ligne est un élément vital du travail des artistes Op. Et les peintures de Bridget Riley n'utilisent pas seulement la ligne pour évoquer une réponse émotionnelle chez les spectateurs. Elles utilisent également la ligne pour créer une réponse physique. Les œuvres que Riley a réalisées dans les années 1960 étaient souvent dites faire sentir aux spectateurs des nausées, comme s'ils devenaient étourdis et nauséeux à cause de la sensation de mouvement créée par les peintures.

Dans sa peinture Descending de 1966, Riley crée une impression de hauteur à partir de fortes verticales, ainsi qu'une impression de perspective et de mouvement à partir de rangées répétées de diagonales. De plus, elle crée une sensation de douceur sensuelle grâce au placement stratégique des courbes implicites dans les lignes verticales. L’absence de lignes horizontales ajoute en effet également au sentiment général de déséquilibre.

Bridget Riley - Descendant, 1966. Émulsion sur panneau. 91,5 x 91,5 cm. © Bridget Riley

Voix contemporaines de la ligne

De nombreux peintres contemporains explorent le pouvoir communicatif de la ligne dans l'art. Le peintre brésilien Christian Rosa utilise un langage de ligne idiosyncratique et sparse qui partage beaucoup avec le travail de Wassily Kandinsky. La peintre abstraite américaine Margaret Neill crée des compositions linéaires sensuelles, intuitives et courbes qui dialoguent harmonieusement avec le travail de Cy Twombly. Le peintre néerlandais José Heerkens utilise des lignes horizontales et verticales en conjonction avec la couleur pour l'examen de l'espace. Et l'artiste franco-américain Peter Soriano utilise la ligne de manière à fusionner des sensibilités graphiques avec quelque chose de métaphysique et d'éthéré.

En plus de ceux que nous avons mentionnés, de nombreux autres artistes abstraits au cours du siècle dernier ont exploré le pouvoir de la ligne pour transmettre un sens et inspirer une réponse émotionnelle. Il n’existe aucun moyen de prouver s’ils ont atteint un succès universel. Mais il ne fait aucun doute que les éléments esthétiques formels de l’art sont au moins capables de susciter des réactions émotionnelles. Et considérées ensemble, les œuvres de ces artistes abstraits que nous avons mentionnés présentent des arguments convaincants en faveur du pouvoir communicatif de la ligne.

Image de présentation : Christian Rosa - Recharge sans fin (détail), 2013, peinture en aérosol, crayon, ruban adhésif, bâton d'huile et huile sur toile, 180 x 200 cm
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio