Abstraction associative de Howard Hodgkin - Le maître de la couleur

Howard Hodgkin considère ses peintures comme des offrandes. Il transforme les matières premières des souvenirs et des sentiments en objets expressifs qui, espère-t-il, pourront être utiles aux autres. Cela peut sembler hérétique de la part d’un peintre abstrait de suggérer que l’art devrait être utile. Le modernisme regorge de nombreux artistes qui insistent sur le fait que l’art n’a aucun but utilitaire. Mais Hodgkin estime que ses peintures, inspirées par ses propres expériences significatives, peuvent à leur tour donner un sens à la vie des autres. Quant à la signification exacte de ses peintures, Hodgkin se garde bien de ne jamais le dire. Mis à part les références énigmatiques trouvées dans leurs titres, il fait rarement allusion au souvenir ou au sentiment qui a inspiré leur création. Plutôt que de dicter la réponse du spectateur, il laisse tout ouvert, évoquant uniquement des souvenirs et des moments à travers les couleurs et les coups de pinceau dans l'espoir que nous développerons, de manière totale, une relation avec lui à travers sa peinture.

Abstraction associative

Howard Hodgkin est né dans une famille artistique. Son cousin était le peintre de paysage britannique Eliot Hodgkin, qui était déjà en route vers le succès au moment où Howard est né en 1932. Mais bien que Howard et Eliot soient maintenant tous deux des contributeurs vénérés à l'histoire de l'art britannique, leurs approches de la peinture sont assez différentes. Eliot était strictement figuratif dans son approche et a un jour déclaré que son plus grand accomplissement était de convaincre les spectateurs de voir la beauté dans les choses ordinaires, comme les légumes ou les paysages communs. Howard, cependant, a adopté l'abstraction jeune et croit que ses peintures ne sont pas du tout belles, et que les qualifier de belles pourrait même être les rejeter.

Howard Hodgkin-Art, 1999-2005. Huile sur bois. 52,4 x 55,3 cm. © 2019 Howard Hodgkin

Howard considère les peintures qu'il réalise comme des objets, mais souhaite qu'elles soient interprétées par les spectateurs sur un plan émotionnel. Chaque tableau qu'il réalise commence par l'expérience des impressions d'un instant : les couleurs, la lumière, l'environnement et les formes. Il ramène ensuite ces impressions chez lui et les exprime dans son atelier à travers la peinture. Nous appelons son processus abstraction associative, car il crée des images non objectives à partir d'associations personnelles. Il se définit comme un peintre figuratif de situations émotionnelles.

Howard Hodgkin - Apprendre la musique russe, 1999. Huile sur bois. 55,9 x 65,4 cm. Collection privée. © 2019 Howard Hodgkin

À la recherche de l'abstraction

Les premières œuvres que Hodgkin a peintes étaient figuratives et représentatives. Mais à la fin de la vingtaine, il a transformé son style pour devenir plus abstrait. Ses formes sont devenues épurées, et il a utilisé la couleur moins pour transmettre des formes précises et plus pour exprimer l'essence émotionnelle globale de la composition. Il a donné à ses compositions abstraites des titres non spécifiques, mais subtilement communicatifs, qui faisaient allusion à des expériences et des souvenirs personnels.

Howard Hodgkin - Mémoires, 1949. Gouache sur carton. 22 x 25 cm. © 2019 Howard Hodgkin

Alors que Hodgkin embrassait l'abstraction, son ami et contemporain David Hockney devenait connu comme peintre figuratif. Hockney a attiré l'attention et le succès financier tandis que Hodgkin est resté relativement anonyme et a connu des difficultés financières. Néanmoins, Hodgkin a poursuivi son style esthétique personnel et intime, recherchant des moyens plus nuancés de communiquer ses émotions à travers la couleur et la peinture plutôt que de rechercher strictement les éloges de la critique.

Howard Hodgkin - Gramophone, 1957. Huile sur carton. 76,2 x 63,5 cm. © 2019 Howard Hodgkin

Objets contrôlés

Dans les années 1970, Hodgkin a développé une stratégie pour accroître son contrôle sur la façon dont les spectateurs conçoivent ses peintures. Il pensait que plus il pouvait faire en sorte que ses peintures se démarquent en tant qu'objets, plus il pouvait inciter les spectateurs à les considérer plus longtemps. Réalisant que les cadres ajoutés aux images représentaient une intrusion dans l'image, il a commencé soit à peindre des bordures le long des bords de ses images, soit à encadrer d'abord ses peintures, puis à peindre les cadres dans le cadre de la composition.

En peignant le cadre, il défie complètement le tableau en tant qu'objet et évite qu'il ne soit altéré par des éléments esthétiques supplémentaires. Il étend cet acte de contrôle jusque sur les murs sur lesquels ses tableaux sont accrochés, qu'il considère également comme une barrière potentielle entre le spectateur et l'œuvre. Lors de la Biennale de Venise en 1984, Hodgkin a peint les murs de son exposition en vert. Il avait alors souligné dans une interview que les murs blancs reflétaient trop de lumière. Les murs verts ne reflétaient pas la lumière, donc toute la lumière pouvait être réfléchie par ses images.

Howard Hodgkin - Quand sommes-nous allés au Maroc, 1988 – 1993. Huile sur bois. 196,9 x 269,2 cm

Expression maximale

Hodgkin est toujours actif en tant que peintre aujourd'hui, au milieu des années 80. Dans une récente interview, il a parlé des moments difficiles qu'il a vécus pour obtenir la reconnaissance de son travail. Il mentionne que même s'il a trouvé son style mature relativement jeune, il a fallu encore des décennies avant que quiconque le prenne au sérieux. Il mentionne même avoir envisagé le suicide dans la trentaine. Mais il a également constaté qu'en vieillissant, il se souciait de moins en moins de la renommée et de la reconnaissance, et était capable de se concentrer davantage sur le développement de stratégies pour une expression toujours plus directe de ses émotions.

Sa transformation initiale vers l’abstraction consistait à essayer de montrer moins et d’exprimer plus. En ne peignant pas les choses telles qu’elles apparaissent, il espérait les peindre telles qu’elles se sentent. Il s'est concentré sur le potentiel expressif de la couleur et sur le pouvoir de la peinture elle-même pour communiquer la complexité. Plus son travail se tournait simplement vers la couleur et la peinture, plus le véritable sujet – l’émotion – pouvait se montrer. Essentiellement, au fil du temps, il a appris à laisser davantage de non-dits. Aujourd’hui, dans ce qu’il appelle « la vieillesse », il dit s’être enfin permis de laisser ses peintures dire le moins possible, afin qu’elles puissent atteindre une expression maximale.

Howard Hodgkin – Pensées nocturnes, 2014 – 2015. Huile sur bois. 37,1 x 47,9 cm. © 2019 Howard Hodgkin

Image en vedette : Howard Hodgkin - Tears for Nan (détail), 2014. Huile sur bois. 28,6 x 29,8 cm. © 2019 Howard Hodgkin
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio