Abstraction associative de Howard Hodgkin - Le maître de la couleur

Howard Hodgkin considère ses peintures comme des offrandes. Il transforme les matières premières que sont les souvenirs et les sentiments en objets expressifs qu’il espère pouvoir être utiles aux autres. Cela peut sembler hérétique qu’un peintre abstrait suggère que l’art devrait être utile. Le modernisme regorge de tant d’artistes qui insistent sur le fait que l’art n’a absolument aucun but utilitaire. Mais Hodgkin croit que ses peintures, inspirées par ses propres expériences significatives, peuvent à leur tour inspirer du sens dans la vie des autres. Quant à ce que ses peintures signifient exactement, Hodgkin prend soin de ne jamais le dire. À part des références cryptiques trouvées dans leurs titres, il ne laisse que rarement entrevoir le souvenir ou le sentiment qui a inspiré leur création. Plutôt que de dicter la réponse que le spectateur doit avoir, il laisse tout ouvert, évoquant seulement des souvenirs et des instants par les couleurs et les coups de pinceau dans l’espoir que nous, de manière pure et simple, développerons une relation avec lui à travers sa peinture.

Abstraction associative

Howard Hodgkin est né dans une famille d’artistes. Son cousin était le peintre britannique de paysages Eliot Hodgkin, déjà en voie de succès au moment de la naissance d’Howard en 1932. Mais bien qu’Howard et Eliot soient tous deux aujourd’hui des contributeurs vénérés de l’histoire de l’art britannique, leurs approches de la peinture sont assez différentes. Eliot était strictement figuratif dans sa démarche, et disait que sa plus grande réussite était d’avoir convaincu les spectateurs de voir la beauté dans les choses ordinaires, comme les légumes ou les paysages communs. Howard, cependant, a adopté l’abstraction dès son jeune âge et croit que ses peintures ne sont pas du tout belles, et que les qualifier de belles serait même les dénigrer.

Howard Hodgkin - Art, 1999-2005. Huile sur bois. 52,4 x 55,3 cm. © 2019 Howard Hodgkin

Howard considère les peintures qu’il réalise comme des objets, mais souhaite qu’elles soient interprétées par les spectateurs sur un plan émotionnel. Chaque tableau qu’il réalise commence par les impressions qu’il ressent d’un instant : les couleurs, la lumière, l’environnement et les formes. Il ramène ensuite ces impressions chez lui et les exprime dans son atelier à travers la peinture. Nous appelons son procédé abstraction associative, puisqu’il crée des images non figuratives à partir d’associations personnelles. Il se qualifie lui-même de peintre figuratif de situations émotionnelles.

Howard Hodgkin - Apprendre la musique russe, 1999. Huile sur bois. 55,9 x 65,4 cm. Collection privée. © 2019 Howard Hodgkin

Trouver l’abstraction

Les premières œuvres peintes par Hodgkin étaient figuratives et représentatives. Mais vers la fin de sa vingtaine, il transforma son style pour devenir plus abstrait. Ses formes furent épurées, et il utilisa la couleur moins pour transmettre des formes précises que pour exprimer l’essence émotionnelle globale de la composition. Il donna à ses compositions abstraites des titres non spécifiques, mais subtilement communicatifs, qui laissaient entrevoir des expériences et souvenirs privés.

Howard Hodgkin - Mémoires, 1949. Gouache sur panneau. 22 x 25 cm. © 2019 Howard Hodgkin

Alors que Hodgkin adoptait l’abstraction, son ami et contemporain David Hockney devenait connu comme peintre figuratif. Hockney attirait l’attention et le succès financier tandis que Hodgkin restait relativement inconnu et rencontrait des difficultés financières. Néanmoins, Hodgkin poursuivit son style esthétique personnel et intime, cherchant des moyens plus nuancés de communiquer ses émotions par la couleur et la peinture plutôt que de rechercher strictement la reconnaissance critique.

Howard Hodgkin - Gramophone, 1957. Huile sur panneau. 76,2 x 63,5 cm. © 2019 Howard Hodgkin

Objets maîtrisés

Dans les années 1970, Hodgkin développa une stratégie pour accroître son contrôle sur la manière dont les spectateurs percevaient ses peintures. Il estimait que plus il pouvait faire ressortir ses peintures comme des objets, plus il pouvait attirer les spectateurs à les considérer plus longtemps. Réalisant que les cadres ajoutés aux images représentaient une intrusion dans l’image, il commença soit à peindre des bordures le long des bords de ses images, soit à encadrer ses peintures d’abord puis à peindre les cadres comme partie intégrante de la composition.

En peignant le cadre, il défiait complètement la peinture en tant qu’objet, et empêchait qu’elle soit modifiée par des éléments esthétiques supplémentaires. Il étendit cet acte de contrôle jusqu’aux murs sur lesquels ses peintures étaient accrochées, qu’il considérait aussi comme une barrière potentielle entre les spectateurs et l’œuvre. À la Biennale de Venise en 1984, Hodgkin peignit les murs de son exposition en vert. Il nota dans une interview à l’époque que les murs blancs réfléchissent trop la lumière. Les murs verts ne réfléchissaient pas la lumière, ainsi toute la lumière pouvait être reflétée par ses tableaux.

Howard Hodgkin - Quand sommes-nous allés au Maroc, 1988 – 1993. Huile sur bois. 196,9 x 269,2 cm

Expression maximale

Hodgkin est encore actif comme peintre aujourd’hui, dans sa mi-quatre-vingtaine. Dans une interview récente, il parla des difficultés qu’il eut à obtenir la reconnaissance pour son travail. Il mentionne que bien qu’il ait trouvé son style mature relativement jeune, il fallut encore des décennies avant que quelqu’un ne le prenne au sérieux. Il évoque même avoir envisagé le suicide dans sa trentaine. Mais il constata aussi qu’avec l’âge, il se souciait de moins en moins de la célébrité et de la reconnaissance, et put se concentrer davantage sur le développement de stratégies pour une expression toujours plus directe de l’émotion.

Sa transformation initiale vers l’abstraction consistait à essayer de montrer moins et d’exprimer plus. En ne peignant pas les choses telles qu’elles apparaissent, il espérait les peindre telles qu’elles se ressentent. Il se concentra sur le potentiel expressif de la couleur, et sur le pouvoir même de la peinture pour communiquer la complexité. Plus son travail devint simplement une affaire de couleur et de peinture, plus le véritable sujet — l’émotion — pouvait apparaître. Essentiellement, avec le temps, il apprit à laisser plus de choses non dites. Maintenant, dans ce qu’il appelle « la vieillesse », il dit s’être enfin permis de laisser ses peintures dire le moins possible, afin qu’elles atteignent une expression maximale.

Howard Hodgkin - Pensées nocturnes, 2014 – 2015. Huile sur bois. 37,1 x 47,9 cm. © 2019 Howard Hodgkin

Image en vedette : Howard Hodgkin - Larmes pour Nan (détail), 2014. Huile sur bois. 28,6 x 29,8 cm. © 2019 Howard Hodgkin
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio