Artistes outsiders dont le travail est considéré comme abstrait

Art brut est un terme englobant qui décrit les artistes travaillant en dehors du monde officiel de l’art. Les artistes bruts sont souvent autodidactes. Parfois, ils œuvrent dans des traditions populaires. D’autres fois, ils sont internés, soit parce qu’ils ont commis des actes criminels, soit parce qu’ils affrontent certaines réalités mentales qui les rendent très vulnérables ou potentiellement dangereux. Au-delà de sa crudité esthétique, ce qui fascine souvent dans l’art brut, c’est l’intention ambiguë ou inconnue des artistes. Les artistes formés, qu’ils en fassent une carrière ou un simple loisir, sont presque toujours capables, et parfois même disposés, à parler de leur art, expliquer leurs intentions et le justifier auprès de ceux qui ne comprennent pas. Mais les artistes bruts ne cherchent aucune validation, et n’offrent presque jamais de justification. Ils créent pour leurs propres raisons, qui n’ont généralement rien à voir avec le reste d’entre nous. Vous souvenez-vous de la première fois que vous avez créé de l’art ? Pourquoi l’avez-vous fait ? Était-ce un instinct ? Étiez-vous en quête de quelque chose, comme la beauté ? Ou jouiez-vous simplement ? Cette impulsion artistique première — l’étincelle innocente et pure de créativité qui nous pousse à manifester quelque chose de visuel — c’est ce que nous voyons si souvent dans l’art brut. En célébration de la riche histoire de l’art brut, nous vous présentons aujourd’hui six artistes abstraits bruts. Leurs intentions peuvent ne pas être claires, et le sens de leurs œuvres ne sera peut-être jamais unanimement accepté. Mais dans leurs créations esthétiques, nous percevons quelque chose d’intuitif, de pur, et de fondamental à la fonction de l’abstraction en art.

Anna Zemánková

La tragédie, la spiritualité et la beauté de la nature ont nourri l’œuvre d’Anna Zemánková. Née en 1908 en Moravie, aujourd’hui partie de la République tchèque, elle s’est enseignée la peinture de paysages dans la vingtaine. Mais ce n’est qu’à la cinquantaine, après être tombée dans une profonde dépression suite à plusieurs déménagements et au décès d’un de ses enfants, qu’elle est revenue à l’art. En peignant, elle croyait être connectée à des forces spirituelles, canalisant une énergie magnétique qui ne pouvait être représentée objectivement. Pour exprimer ces forces avec lesquelles elle communiait, elle peignait des compositions abstraites vaguement inspirées par les motifs, formes et couleurs qu’elle percevait dans la nature, particulièrement dans les fleurs. Ses peintures sont ce pour quoi elle est la plus connue, mais en plus de ses tableaux, elle réalisait aussi des abat-jours élaborés, perçant des trous dans les abat-jours pour créer des motifs abstraits avec la lumière.

Anna Zemánková - Sans titre, années 1980, collage satin et techniques mixtes sur papier (Gauche) et Sans titre, pastel sur papier, années 1970 (Droite)

Pascal Tassini

L’artiste belge Pascal Tassini a découvert sa passion pour la création tard dans sa vie. Incapable de s’occuper pleinement de lui-même à cause d’un trouble obsessionnel chronique, il a vécu chez ses parents à l’âge adulte jusqu’à leur décès. Puis un de ses frères a pris soin de lui et l’a introduit à l’atelier Créahm, à Liège, en Belgique. Au début, Pascal se contentait de nettoyer et d’organiser le centre, mais il s’est vite senti inspiré pour créer. Il a d’abord peint et dessiné, puis a commencé à fabriquer des objets complexes en tissu. Il enveloppait souvent les divers objets qu’il trouvait ou recevait en cadeau. Utilisant une technique qu’il a lui-même imaginée, il a même construit pour lui une tente-studio où il travaille. Les visiteurs qui souhaitent le voir doivent d’abord le laisser enfiler une blouse de laboratoire et prendre leur pouls, les guérissant de leurs maux avant d’entrer dans son atelier.

Pascal Tassini - Assemblages de tissus sans titre

Pascal Tassini - Assemblages de tissus sans titre

Eugene Andolsek

Comme beaucoup d’artistes bruts, Eugene Andolsek ne s’est jamais considéré comme un artiste. Il dessinait au stylo sur du papier millimétré pour se détendre à sa table de cuisine, comme un refuge face à la vie quotidienne. Pendant des décennies, il a accumulé ses dessins géométriques spectaculaires dans un coffre tout en travaillant comme sténographe ferroviaire et en s’occupant de sa mère malade. Après sa retraite et le décès de sa mère, il a finalement perdu la vue et a dû entrer dans un établissement de soins. Là, un employé a découvert ses œuvres et a reconnu leur valeur particulière. En 2005, à 84 ans, trois ans avant sa mort, Eugene a vu son travail exposé pour la première fois, au Musée d’art populaire américain. Il a été surpris par l’attention positive portée à ses peintures, qu’il considérait auparavant au mieux comme de simples sets de table colorés.

Eugene Andolsek - Deux dessins géométriques abstraits sans titre à l’encre sur papier millimétré

Judith Scott

Les créations sculpturales abstraites de Judith Scott offrent une expression profondément émouvante de l’humanité de cette artiste brute. Née sourde, muette et atteinte du syndrome de Down, Judith a passé presque les quatre premières décennies de sa vie dans des conditions déplorables dans divers établissements. Finalement, en 1986, à 44 ans, sa sœur jumelle a pris sa garde et l’a ramenée chez elle à Oakland, en Californie. Là, Judith a pu s’inscrire aux cours du Centre d’Art Creative Growth. C’est là qu’elle a commencé à créer de l’art pour la première fois. Elle rassemblait divers objets, les enroulant dans des réseaux complexes de fibres jusqu’à ce que leur forme soit obscurcie. Les sculptures résultantes reflètent parfois, parfois non, la forme de l’objet de départ. Bien qu’elles ressemblent à des cocons, il est plus juste de dire qu’elles ont subi un processus inverse, bien que tout aussi transformateur. C’est comme si, en étant recouvertes, leur présence essentielle avait été révélée.

Abstraction enveloppée de fibres par Judith Scott (Gauche) et Judith Scott avec une de ses créations (Droite)

Tetsuaki Hotta

L’artiste japonais Tetsuaki Hotta a été interné à 19 ans pour ce qui a été décrit comme un handicap mental. Mais lorsqu’il a commencé à suivre des cours d’art dans l’établissement où il vivait, il est vite apparu que sa capacité à penser de manière abstraite avancée était intacte. Depuis 1970, Hotta peint exclusivement des compositions géométriques abstraites ressemblant à des maisons. Il se désintéresse totalement des formes présentes dans ses œuvres. Il utilise les compositions uniquement comme des examens de la couleur et de l’espace sur un plan plat. Ensemble, ces peintures expressives et intuitives sont comme l’équivalent de l’art brut du travail de l’artiste et enseignant germano-américain Josef Albers, qui a passé sa vie à étudier la couleur à travers sa série Hommage au carré.

Tetsuaki Hotta - œuvre

Dan Miller

Originaire de Californie, Dan Miller a grandi de l’autre côté de la baie de San Francisco, dans une ville appelée Castro Valley. Né autiste, il a, comme Judith Scott, trouvé sa vocation artistique au Centre d’Art Creative Growth à Oakland. Dan Miller est obsédé par le texte, qu’il utilise non pas tant comme une entité expressive en soi, mais plutôt comme un médium esthétique à travers lequel un sens compositionnel et esthétique peut être produit. Ses compositions ont suscité des comparaisons avec les œuvres de l’artiste abstrait Cy Twombly, qui utilisait également des formes glyphiques et des palettes de couleurs sobres dans ses peintures. Contrairement à Twombly cependant, Miller puise dans du texte réel, tiré de son monde intérieur, puis le superpose continuellement jusqu’à ce qu’il devienne illisible. Son travail a été largement salué, et figure même dans le MoMA de New York.

Dan Miller - Sans titre, UD, acrylique, marqueur sur papier, 145 x 193 cm

Dan Miller - Sans titre (blanc sur noir), 2013, acrylique et encre sur papier, 142 x 193 cm

Instincts essentiels

Au cours de nos recherches pour cet article, nous sommes tombés sur l’histoire fascinante du zoologiste britannique Desmond Morris. En plus de son travail de scientifique, Morris était un artiste surréaliste brut. Il a exposé son art à Londres à la fin des années 1940 et au début des années 1950. Mais sa plus grande contribution à l’art s’est matérialisée en 1957, lorsqu’il a exposé les peintures abstraites d’un de ses collègues de son travail quotidien : un chimpanzé nommé Congo. L’idée d’un art abstrait réalisé par un chimpanzé peut sembler ridicule. Cela pourrait même paraître offensant. Mais certains des artistes les plus célèbres au monde ont cherché Desmond Morris pour acquérir des peintures de Congo. Salvador Dali et Pablo Picasso en possédaient chacun une, et Joan Miro a même échangé une de ses propres œuvres contre une peinture de Congo.

Ce que Dali, Picasso et Miro ont compris, c’est que les humains partagent une pulsion esthétique abstraite et primitive avec d’autres animaux. L’acte créatif est notre héritage universel en tant qu’habitants de cette planète. De nombreux animaux trouvent du plaisir dans l’exploration des motifs, formes, lignes, couleurs, textures et compositions. Dali est même allé jusqu’à dire que le chimpanzé peignait comme un humain, et que Jackson Pollock peignait comme un animal. Peut-être cela explique-t-il pourquoi nous prenons tant de plaisir dans le travail des artistes autodidactes et d’autres personnes qui créent de l’art brut. Ils représentent notre espoir qu’il y a quelque chose de pur, brut, primitif, essentiel et universel en chacun de nous, et que cela peut s’exprimer, et peut-être se comprendre, par l’art.

Image en vedette : Judith Scott - Une de ses abstractions enveloppées de fibres
Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement
Par Phillip Barcio