'(पुनः) विवियन स्प्रिंगफोर्ड की दाग चित्रकला की खोज'

न्यूयॉर्क में अलमाइन रेक गैलरी ने हाल ही में विवियन स्प्रिंगफोर्ड के कार्यों की अपनी दूसरी प्रमुख एकल प्रदर्शनी खोली। इस कलाकार का पुनर्मूल्यांकन धीरे-धीरे 1990 के दशक के अंत में शुरू हुआ था, जब उनकी वृद्धावस्था में, उनका लगभग परित्यक्त चेल्सी स्टूडियो—जो दशकों पुरे चित्रों से भरा हुआ था और धूल से ढका हुआ था—उनके देखभालकर्ता द्वारा खोजा गया। खोज के समय, स्प्रिंगफोर्ड लगभग अज्ञात थीं, क्योंकि उन्होंने एक दशक से अधिक समय तक चित्रकारी नहीं की थी (उन्होंने 1980 के मध्य में मैक्युलर डिजनरेशन के कारण अपनी दृष्टि खोने के बाद चित्रकारी बंद कर दी थी)। उन्होंने 15 वर्षों से अधिक समय तक अपने कार्यों का प्रदर्शन नहीं किया था। फिर भी, 1960 के दशक की शुरुआत में, वह अपनी पीढ़ी के सबसे प्रसिद्ध कलाकारों में से एक बनने के लिए तैयार थीं। जैसे ही उनकी प्रतिष्ठा स्थापित हो रही थी, स्प्रिंगफोर्ड ने उस अमूर्त अभिव्यक्तिवादी प्रेरित, भावात्मक शैली को छोड़ दिया जिसने उन्हें ध्यान आकर्षित कराया था, और इसके बजाय एक सोख-धब्बा रंग क्षेत्र चित्रण तकनीक अपना ली। उन्होंने लगभग पूरी तरह से अपने कार्यों की बिक्री और प्रदर्शन बंद कर दी, सिवाय कुछ प्रदर्शनों के जो कई दशकों में हुए। उन्होंने अपने करियर के अंतिम बीस वर्षों को एक अद्वितीय और तुरंत पहचाने जाने वाली अमूर्त दृश्य भाषा विकसित करने में समर्पित किया, जो पारदर्शी रंग के केंद्रित, जैविक आकारों वाली अंगूठी से पहचानी जाती है। जब वह 2003 में निधन हो गईं, तो उन्होंने न केवल एक शानदार, फिर भी कम जानी-पहचानी कृति छोड़ी, बल्कि एक रोचक रहस्य भी छोड़ दिया—एक प्रतिभाशाली और अच्छी तरह से जुड़े कलाकार जो प्रसिद्ध होने के रास्ते पर थी, अचानक उस कला बाजार से क्यों दूर हो गई जिसे वह पसंद करती थी? अलमाइन रेक में वर्तमान प्रदर्शनी इस कलाकार के कार्य को प्रकाश में लाने का नवीनतम प्रयास है। प्रदर्शनी में लगभग 20 कार्य स्प्रिंगफोर्ड की वह प्रतिष्ठा और मजबूत करते हैं जिसके वह हकदार हैं, साथ ही यह भी कुछ संकेत देते हैं कि यह कलाकार क्यों केंद्र मंच की बजाय एकांत में चली गई।

रूप और शून्यता

स्प्रिंगफोर्ड ने अपने जीवन के अंतिम दो दशकों में जो केंद्रित वृत्ताकार धब्बा चित्र बनाए, वे मेरे लिए उनके पूर्व कार्यों से मौलिक रूप से भिन्न हैं, क्योंकि वे रूप और शून्यता के बीच के अंतःक्रिया को दर्शाते हैं। उनके पूर्व कार्यों में अपारदर्शी, गहरे, अमूर्त रंग के क्षेत्र होते हैं, जो चीनी लेखन की परंपरा में तेजी से बनाए गए होते हैं। ये गहरे, भावात्मक क्षेत्र पूर्ण भावना से भरे होते हैं, और अपनी प्राचीन उपस्थिति से रचना पर हावी होते हैं, दर्शक को एक निर्णायक केंद्र बिंदु प्रदान करते हैं। भले ही इन चित्रों में कोई विशिष्ट रूप पहचान में न आए, गहरे रंग के द्रव्यमान एक स्पष्ट उपस्थिति बनाते हैं। इसके विपरीत, उनके बाद के वृत्ताकार धब्बा चित्रों में, स्प्रिंगफोर्ड पारदर्शिता और प्रकाशमानता को अपनाती हैं, जो किसी भी विशेष तत्व को रचना पर हावी होने से रोकती है।

विवियन स्प्रिंगफोर्ड - बिना शीर्षक, 1972। कैनवास पर ऐक्रेलिक। 124.5 x 124.5 सेमी (49 x 49 इंच)।

उनके बाद के चित्रों में हर रंग की परत, हर रंग, और चित्र के हर क्षेत्र को समान महत्व देने का यह विकल्प मुझे न केवल सौंदर्यशास्त्र में विकास प्रतीत होता है, बल्कि यह भी दर्शाता है कि स्प्रिंगफोर्ड ने अपने मानसिक दृष्टिकोण में भी विकास किया। सतह, रंग, और प्रकाश के बीच अंतःक्रिया में दर्शकों को शामिल करके, ये चित्र हमें उनके बनने की प्रक्रिया में आमंत्रित करते हैं। ये संरचना और भावना की तुलना में स्वतंत्रता और खुलापन अधिक दर्शाते हैं। ये परिवर्तन के चित्र हैं, जो पूर्ण कौशल और पूर्ण प्रयोग के बीच निलंबित हैं। उनके पूर्व अमूर्त अभिव्यक्तिवादी कार्यों की नकल जैसी भावना की तुलना में, ये सोख-धब्बा चित्र एक प्रामाणिकता रखते हैं जो दर्शाती है कि इन्हें एक ऐसे कलाकार ने बनाया है जो सीमांत स्थानों की अवधारणा से सहज था। निश्चितता की आवश्यकता न होना स्वीकृति की आवश्यकता न होने से जुड़ा हो सकता है, जो शायद इस बात का कारण हो सकता है कि स्प्रिंगफोर्ड ने इन कार्यों को बहुत कम प्रदर्शित किया।

विवियन स्प्रिंगफोर्ड - बिना शीर्षक, 1983। कैनवास पर ऐक्रेलिक। 69.2 x 67.3 सेमी (27 1/4 x 26 1/2 x 1 1/8 इंच)।

समय का मापन

मुझे यह भी स्वाभाविक लगता है कि इन अंतिम सोख-धब्बा चित्रों को प्रक्रिया के कार्य कहा जाए। मेरा यह मतलब नहीं है कि वे वस्तुओं के रूप में उन प्रक्रियाओं से कम महत्वपूर्ण हैं जिनसे वे बने हैं। बल्कि मेरा मतलब है कि वे प्रक्रिया के महत्व को प्रकट करते हैं। जैसे एक कटे हुए पेड़ की तने पर दिखाई देने वाली केंद्रित अंगूठियां, वैसे ही इन चित्रों की केंद्रित अंगूठियां समय के प्रवाह का रिकॉर्ड हैं। हर अंगूठी हमें याद दिलाती है कि एक रंग की परत को लगाने, फैलने, और अपने आधार के साथ एक होने में कितना समय लगा। इन चित्रों में कुछ भी जल्दी नहीं किया गया है। उनकी सौंदर्य उपस्थिति धीरे-धीरे फैलने वाली शक्तियों का परिणाम है, जो अप्रत्याशित नियमों के अनुसार काम करती हैं। ये चित्र उनकी रचना की प्रक्रियाओं पर ध्यान आकर्षित करते हैं, साथ ही सामान्य रूप से प्रक्रियाओं की अवधारणा पर भी हमारा ध्यान केंद्रित करते हैं।

विवियन स्प्रिंगफोर्ड के इंस्टॉलेशन दृश्य, अलमाइन रेक न्यूयॉर्क, 13 नवंबर, 2020 - 13 जनवरी, 2021

स्प्रिंगफोर्ड ने एक बार कहा था कि उनके लिए चित्रकारी “सार्वभौमिक समग्र के साथ पहचान बनाने का प्रयास है... मैं अपनी छोटी सी जगह या ऊर्जा के पैटर्न को खोजने की कोशिश करती हूं जो लयबद्ध गति और रंग के माध्यम से मेरे अंदरूनी को व्यक्त करे। ब्रह्मांड, तारों, और प्रकृति का विस्तृत केंद्र मेरे लिए अमूर्त शब्दों में एक निरंतर चुनौती है।” एक कलाकार के रूप में, वह शुरुआत के प्रति समर्पित थीं, जैसे ब्रह्मांड बिग बैंग से ठीक पहले का क्षण। वास्तव में, उनके प्रत्येक सोख-धब्बा चित्र एक ऐसे ब्रह्मांड के समान है जो अभी-अभी बिग बैंग के बाद है, जो अभी भी फैल रहा है, फट रहा है, और कुछ अद्वितीय में परिवर्तित हो रहा है, जिसका अंतिम स्वरूप अज्ञात है। उन्होंने शायद अपने पूरे कार्य और पूरे करियर को उसी तरह देखा जैसा उन्होंने इन चित्रों को देखा। यह समझाता है कि उनकी जिम्मेदारी चित्रों को प्रदर्शित करने या बेचने की नहीं थी, या यहां तक कि किसी को यह बताने की भी नहीं थी कि उन्होंने चित्र बनाए हैं। बल्कि, उनकी प्राथमिकता अपने सामग्री की प्रकृति को समझना, अपनी तकनीक में काम करने वाली शक्तियों की खोज करना, और उन शक्तियों को अपने बनाए हुए संसारों में मुक्त करना था। मुझे लगता है कि स्प्रिंगफोर्ड ईश्वर समान थीं, अपनी इच्छा में कि बाकी हम सब यह चिंता करें कि यह सब आखिर कहां समाप्त होता है।

मुख्य छवि: विवियन स्प्रिंगफोर्ड - बिना शीर्षक, 1971। कैनवास पर ऐक्रेलिक। 127 x 127 x 2.5 सेमी (50 x 50 x 1 इंच)।
सभी चित्र केवल उदाहरण के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा