21वीं सदी के अब तक के सबसे महत्वपूर्ण अमूर्त कलाकार

यदि आप मेरे जैसे हैं, तो भले ही मैंने यह लेख लिखा हो, आपको इस लेख के शीर्षक से थोड़ी परेशानी हो सकती है। कैसे, केवल दो दशकों में, मैं संभवतः जान सकता हूँ कि 21वीं सदी के सबसे महत्वपूर्ण कलाकार कौन होंगे? 1920 में, 20वीं सदी के कई सबसे महत्वपूर्ण कलाकार अभी तक पैदा भी नहीं हुए थे। और वैसे भी, यह तय करने का मापदंड क्या है कि कोई कलाकार महत्वपूर्ण है या नहीं? इन बातों से सहमत होने के बावजूद, मैं फिर भी कभी-कभी यह जानना उपयोगी समझता हूँ कि मैं किन कलाकारों को महत्वपूर्ण मानता हूँ और क्यों, और एक नए दशक की शुरुआत एक उपयुक्त बहाना लगती है। जहाँ तक महत्वपूर्ण कलाकार की परिभाषा की बात है, मेरे 11 वर्षों के कला पत्रकार के अनुभव में (जो मेरे कई सहकर्मियों की तुलना में बहुत कम है), मैंने इस प्रश्न के दर्जनों उत्तर सुने हैं। अधिकांश लोग तीन मापदंडों पर निर्भर होते हैं: प्रसिद्धि, नीलामी की कीमतें, और प्रतिष्ठित प्रदर्शनियों और संग्रहों में शामिल होना। फिर भी, जबकि यह प्रसिद्धि का त्रिकोण हो सकता है जो किसी कलाकार को विकिपीडिया पृष्ठ दिला सकता है, मेरी राय में इसका कलाकार को महत्वपूर्ण बनाने से बहुत कम लेना-देना है। मेरे लिए, किसी कलाकार की महत्ता का एकमात्र संतोषजनक मापदंड है कि वे अन्य मनुष्यों पर कितना प्रभाव डालते हैं। महत्वपूर्ण कलाकार लोगों को कला के मूल्य में विश्वास बनाए रखने के लिए प्रेरित करते हैं, और वे अन्य लोगों को अपनी कला बनाने या अपनी कला जारी रखने के लिए प्रेरित करते हैं। जहाँ तक इस सूची में शामिल कलाकारों की बात है, यह अनिवार्य रूप से अपूर्ण, असत्य और विवादास्पद है; सभी सूचियाँ ऐसी ही होती हैं। फिर भी, इन दस कलाकारों में से प्रत्येक ने यहाँ अपनी जगह इसलिए बनाई है क्योंकि उन्होंने पहले ही अन्य कलाकारों और कला क्षेत्र के बाहर के लोगों पर प्रभाव डाला है। वे परागणकर्ता हैं, जो प्रेरणा, प्रयोग और क्रिया के आवश्यक तत्व फैलाते हैं, ताकि हम भविष्य में अमूर्त कला को जीवित रख सकें।

टोम्मा अब्ट्स

लगभग दो दशकों से, जर्मन चित्रकार टोम्मा अब्ट्स (जन्म 1967) बार-बार एक ही आकार की पेंटिंग बना रही हैं—48 x 38 सेमी। वह सहजता से काम करती हैं ताकि अमूर्त, ज्यामितीय रचनाएँ तैयार कर सकें जो अपनी स्वयं की तर्कशक्ति का पालन करती हैं, अक्सर रचनाओं पर कई परतें लगाती हैं जब तक कि वे संतुष्ट न हों, जबकि पिछले परतों की मोटी बनावट दिखाई देती रहती है। किसी भी दृश्य शैली के प्रति बंधी नहीं, केवल अपनी विधि के प्रति समर्पित, अब्ट्स अपनी धीमी गति के लिए प्रसिद्ध हैं। अधिक उत्पादन न करने और अपनी दृश्य शैली को परिभाषित करने की मांग को अनदेखा करने के बावजूद, अब्ट्स टर्नर पुरस्कार जीतने वाली पहली महिला चित्रकार बनीं—यह साबित करता है कि अपनी राह खोजने का मूल्य क्या होता है।

टोम्मा अब्ट्स - फेके, 2013। कैनवास पर ऐक्रेलिक और तेल। 48 x 38 सेमी, 18 7/8'' x 15''। निजी संग्रह, न्यूयॉर्क की अनुमति से। सर्पेंटाइन गैलरी।

मार्क ब्रैडफोर्ड

मार्क ब्रैडफोर्ड (जन्म 1961) चित्रकारी, कोलाज और डेकोलाज की विधियों को मिलाकर अमूर्त चित्र बनाते हैं जो वर्तमान और अतीत की भौतिक और सांस्कृतिक वास्तविकताओं के बीच उनके संबंध का मानचित्रण करते हैं। उनके सामग्री और प्रक्रियाओं ने कलाकारों की एक पीढ़ी को स्पर्शनीय कृतियाँ बनाने के लिए प्रेरित किया है जो विकास और क्षय के बीच के आदान-प्रदान को दर्शाती हैं। अपनी कला करियर के अलावा, ब्रैडफोर्ड एक प्रभावशाली समुदाय आयोजक हैं, जो परोपकारी आइलीन हैरिस नॉर्टन और कार्यकर्ता एलन डिकास्ट्रो के साथ मिलकर आर्ट + प्रैक्टिस बनाते हैं, जहाँ जोखिम में पड़े पड़ोसी, जैसे कि पालक देखभाल से बाहर निकल रहे बच्चे, कला में भाग ले सकते हैं।

मार्क ब्रैडफोर्ड - मॉन्स्टर, 2009। मुद्रित सामग्री, ऐक्रेलिक, कार्बन पेपर, डोरी, कागज, और मिश्रित माध्यम कैनवास पर। 102 x 144 इंच (259.08 x 365.76 सेमी)। संग्रह SFMOMA। © मार्क ब्रैडफोर्ड

चार्लिन वॉन हेइल

जर्मन अमूर्त चित्रकार चार्लिन वॉन हेइल (जन्म 1960) पोस्टमॉडर्निज्म की निंदकता को अस्वीकार करते हुए मानती हैं कि उसकी बर्बादी से कुछ नया उभर सकता है। वॉन हेइल सभी दृश्य इतिहास को अपनी स्रोत सामग्री के रूप में अपनाती हैं, अनगिनत संदर्भों को व्यक्तिगत तरीकों से मिलाकर यह सुझाव देती हैं कि हम एक बहुत ही समृद्ध और विविध सौंदर्यशास्त्र विरासत के वारिस हैं, जैसा कि हमारे कला इतिहास के शिक्षक बताते हैं।

चार्लिन वॉन हेइल - बिना शीर्षक, 2007। दस मोनोप्रिंट की एक श्रृंखला में से एक जिसमें लिथोग्राफ, लकड़ी की छपाई,
स्क्रीनप्रिंट, और डिजिटल प्रिंट, स्याही, ऐक्रेलिक, और कोलाज के अतिरिक्त शामिल हैं। ट्वेंटी-फर्स्ट सेंचुरी फंड। MoMA संग्रह। © चार्लिन वॉन हेइल

निकोलस ह्लोबो

दक्षिण अफ्रीकी बहुविध कलाकार निकोलस ह्लोबो (जन्म 1975) उस आशावादी समय के अग्रदूत हैं जब आंकड़े और विश्लेषण की तुलना में भावना और सृजनात्मकता अधिक महत्वपूर्ण हो जाएगी। उनका काम उनकी पहचान से प्रेरित है, फिर भी वे निर्भीक होकर अपनी सांस्कृतिक प्रभावों के तथ्यों से परे जाते हैं—ऐसे तथ्य जो अन्यथा उन्हें केवल वही काम बनाने के लिए बाध्य कर सकते हैं जो है—और अर्ध-जादुई अमूर्त कृतियाँ बनाते हैं जो संभावनाओं की ओर बढ़ती हैं।

निकोलस ह्लोबो - अमासुंट्सवाना, 2018। तांबा। 51.18 x 112.99 x 72.83 इंच (130 x 287 x 185 सेमी)। लेहमैन माउपिन। © निकोलस ह्लोबो

जिम लैम्बी

स्कॉटिश कलाकार जिम लैम्बी (जन्म 1964) पॉप कला की केंद्रीय धारणा—कि लोग "समझते हैं"—को अमूर्त कला के अधिक अमूर्त पहलुओं के साथ जोड़ते हैं। लैम्बी के लिए प्रसिद्ध विशाल फर्श स्थापना इन दोनों दृष्टिकोणों के बीच सामान्य आधार खोजती है, दीवारों से औपचारिकता को हटाकर रंग, रेखा, सतह और चमक के साथ मूर्त स्थान भरती है। उनकी स्थापनों से दर्शकों के साथ बिना दबाव के रोज़मर्रा के संवाद होते हैं, जो अब सचमुच अपने आप को उस कृति के अंदर देख सकते हैं।

जिम लैम्बी - साउंड सिस्टम, 2015। रंगीन धात्विक विनाइल। रॉसलिन ऑक्सले9 गैलरी। © जिम लैम्बी

जूली मेहरेतु

इथियोपिया में जन्मी, अमेरिकी चित्रकार जूली मेहरेतु (जन्म 1970) की पेंटिंग से मिलना एक पूरी तरह से नए दृश्य सभ्यता में आमंत्रण है। उनकी प्रत्येक अमूर्त रचना एक जटिल, जीवित जीव की तरह बनती है, फैलती है, बढ़ती है, और जटिल संरचनाओं और परस्पर निर्भरताओं का विकास करती है। मेहरेतु उस जुड़े हुए युग की अनेक चिंताओं और अवसरों को पूरी तरह व्यक्त करती हैं जिसमें हम रहते हैं।

जूली मेहरेतु - स्टेडिया II, 2004। कैनवास पर स्याही और ऐक्रेलिक। 107 2/5 × 140 1/10 × 2 1/5 इंच (272.73 × 355.92 × 5.71 सेमी)। परफॉर्मा, न्यूयॉर्क। जीन ग्रीनबर्ग रोहतिन और निकोलस रोहतिन तथा ए. डब्ल्यू. मेलोन अधिग्रहण निधि का उपहार। © जूली मेहरेतु

ओडिली डोनाल्ड

नाइजीरिया में जन्मे, अमेरिकी अमूर्त चित्रकार ओडिली डोनाल्ड ओडिता (जन्म 1966) उन अंतरराष्ट्रीय कलाकारों की लहर का हिस्सा हैं जो स्वदेशी कला की विरासत और पश्चिमी आधुनिकता के बीच के संबंधों पर वैश्विक ध्यान आकर्षित कर रहे हैं। ओडिता अपने मूल नाइजीरिया के पैटर्न, रंग और रूपों को आधुनिकतावादी अमूर्तता की सौंदर्य रणनीतियों के साथ मिलाते हैं, अक्सर अपने बड़े पैमाने के कार्यों को सार्वजनिक स्थानों में प्रदर्शित करते हैं, जहाँ वे ऊर्जा और सार्वभौमिकता का वास्तुशिल्पीय रूप बन जाते हैं।

ओडिली डोनाल्ड ओडिटा - डेजर्ट सन, 2014। कैनवास पर ऐक्रेलिक। 72 x 90 इंच। जैक शेनमैन गैलरी, न्यूयॉर्क। © ओडिली डोनाल्ड ओडिता

एवा रॉथशिल्ड

आयरिश अमूर्त मूर्तिकार एवा रॉथशिल्ड (जन्म 1971) साहसपूर्वक घोषणा करती हैं कि सक्रियता अमूर्त कला बनाने के विकल्प में निहित है। एक ऐसे युग में जब कथा सामग्री राजा लगती है, रॉथशिल्ड दिखाती हैं कि सुप्रीमेटिज्म, कंस्ट्रक्टिविज्म और मिनिमलिज्म में दिखाई देने वाली कालातीत दृश्य भाषाएँ स्वतंत्रता, स्वायत्तता, विविधता और शांति की बोल्ड, नई अमूर्त रूपरेखाएँ बना सकती हैं।

एवा रॉथशिल्ड - xxx, 2013। एल्यूमिनियम और रंग। 280 x 560.5 x 279.5 सेमी। फोटो: © एवा रॉथशिल्ड, स्टुअर्ट शेव/मॉडर्न आर्ट, लंदन और गैलरी एवा प्रेसेनह्यूबर, ज्यूरिख की अनुमति से

थॉमस शाइबिट्ज़

जर्मन कलाकार थॉमस शाइबिट्ज़ (जन्म 1968) इस प्रश्न का उत्तर देते हैं कि अमूर्त कला क्षेत्र में मनमौजीपन और खेल को गंभीरता से कैसे लिया जा सकता है, भले ही यह युग चिंता से भरा हो। रयोनिज़्म, फ्यूचरिज़्म और क्यूबिज़्म जैसे आंदोलनों की विरासत भाषाओं को वास्तुशिल्पीय चित्रणों और मध्य-शताब्दी डिज़ाइन की गूंज के साथ मिलाकर, शाइबिट्ज़ ऐसे परिचित कार्य बनाते हैं जो ऐसा प्रतीत होते हैं जैसे वे एक समानांतर सौंदर्यशास्त्र ब्रह्मांड से निकले हों।

पाए व्हाइट

अमेरिकी कलाकार पाए व्हाइट (जन्म 1963) अमूर्तता का उपयोग करके हमें हमारे समय की पहचानी जाने वाली छवियाँ दिखाती हैं। उनके काल्पनिक कार्य प्रकृति की शक्तियों के चित्रण को हमारे अत्यधिक डिजिटलीकृत, अत्यधिक भौतिकीकृत वर्तमान से निकाले गए टुकड़ों के साथ मिलाते हैं, जो कभी-कभी संरचना और भ्रम के मेल से भयावह दृश्य प्रस्तुत करते हैं।

मुख्य छवि: चार्लिन वॉन हेइल - द लैंग्वेज ऑफ द अंडरवर्ल्ड, 2017। लिनन पर ऐक्रेलिक और चारकोल। 90 × 108"। © चार्लिन वॉन हेइल
सभी चित्र केवल उदाहरण के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप बार्सियो द्वारा