नौम गाबो 20वीं सदी की मूर्तिकला के लिए क्यों महत्वपूर्ण थे

Naum Gabo 20वीं सदी के सबसे महत्वपूर्ण “महान कलाकारों” में से एक थे। वे अपने समय से प्रभावित थे, और उन्होंने एक ऐसा कलात्मक दृष्टिकोण विकसित किया जिसने न केवल उनके समय को, बल्कि हमारे समय को भी आकार दिया। उनकी उपलब्धि को विशेष रूप से प्रभावशाली बनाने वाली बात यह है कि वे ऐसी परिस्थितियों से गुजरे जो किसी को भी उदासीन बना सकती थीं। लेकिन वे अवसाद या हार मानने के बजाय, उन्होंने कला और रोज़मर्रा की ज़िंदगी के बीच के संबंधों को खोजा, और ऐसे कार्य बनाए जो उनकी और कई अन्य लोगों की सोच को बेहतर बनाते थे। इसके अलावा, गाबो उस कलाकारों की पीढ़ी का हिस्सा थे जिन्होंने यह कल्पना की कि कलाकार को किसी एक विशेष प्रकार की रचनात्मक अभिव्यक्ति तक सीमित नहीं रहना चाहिए। गाबो के बनाए गए कार्य कई विधाओं में फैले हुए हैं, जैसे मूर्तिकला, चित्रकला, वास्तुकला और रंगमंच डिजाइन। उन्होंने कलाकार को केवल एकांत में अपने प्रतिभा के साथ रहने वाला व्यक्ति नहीं, बल्कि एक सामाजिक रूप से जुड़ा रचनात्मक दूत माना, जिसकी कल्पना विभिन्न अनुभवों और विचारों के प्रसार का माध्यम हो सकती है। कंस्ट्रक्टिविस्ट के अग्रदूत; Abstraction-Création के प्रमुख सदस्य; गतिशील कला के अग्रणी; गाबो हर पीढ़ी के कलाकारों के लिए एक उदाहरण हैं कि वे न केवल अपने कार्यों के माध्यम से खुद को कैसे अभिव्यक्त करें, बल्कि अपने कार्यों और स्वयं को अपनी संस्कृति के ताने-बाने में कैसे शामिल करें।

कंस्ट्रक्टिविज़्म की ओर मार्ग

रूस के ब्रायान्स्क में सात बच्चों वाले परिवार में जन्मे गाबो को 14 वर्ष की आयु में “विद्रोही” कविता लिखने के कारण स्कूल से निकाल दिया गया था। 15 वर्ष की आयु में, उन्होंने 1905 के रूसी क्रांति के डेढ़ साल के दौरान सीधे अत्याचार देखे। सड़कों पर मजदूरों को पीटा जाना उनके सामाजिक क्रांतिकारी और स्वतंत्र विचारक होने की चेतना को मजबूत कर गया। लेकिन उस कम उम्र में गाबो अभी कलाकार नहीं थे। उनका कला से पहला परिचय तब हुआ जब वे 20 के दशक में थे। 21 वर्ष की आयु में उन्होंने मेडिकल स्कूल में दाखिला लिया, क्योंकि वे अपनी माँ के सिरदर्द का इलाज करना चाहते थे। उन्होंने जल्दी ही अपना ध्यान बदल दिया, विषयों के बीच तेजी से बदलाव करते हुए पहले गणित, फिर विज्ञान, दर्शन और इंजीनियरिंग का अध्ययन किया। 1912 में कला इतिहास का एक पाठ्यक्रम लेने और वासिली कैंडिंस्की की Concerning the Spiritual in Art पढ़ने के बाद गाबो को एक अंतर्दृष्टि हुई, और उन्होंने समझा कि उनकी पीढ़ी के कलाकार अपने विश्वासों को आधुनिक जीवन के अन्य पहलुओं के साथ कैसे जोड़ रहे हैं। प्रेरित होकर उन्होंने अपनी रचनात्मक यात्रा शुरू की और अपने भाई, एंटोइन पेव्सनर के साथ पेरिस चले गए, जो स्वयं भी कलाकार बन रहे थे।

Naum Gabo - ‘Construction with Alabaster Carving’ में अलाबास्टर की कांस्य प्रतिकृति, 1966। कांस्य और पर्सपेक्स। 15 × 18 1/5 × 5 1/10 इंच; 38 × 46.2 × 12.9 सेमी। संस्करण 4/6। फोटो सौजन्य: एनली जूडा फाइन आर्ट, लंदन

पेरिस में रहते हुए, गाबो ने Salon des Indépendants का दौरा किया और अपनी पीढ़ी के प्रमुख अमूर्त और आधुनिकतावादी कलाकारों के कार्यों से जुड़ाव महसूस किया। इस अनुभव ने उनके विचारों को बदल दिया कि कला सामाजिक और राजनीतिक रूप से क्या हासिल कर सकती है। उन्होंने मूर्तिकला में आकृतिपूर्ण कार्य बनाना शुरू किया, लेकिन जल्दी ही ऐतिहासिक कला की पुरानी विधियों को “मृत” समझने लगे। अपने भाई के साथ, गाबो ने 1920 में Realistic Manifesto प्रकाशित किया। यह अतीत की निंदा करता है और भविष्य के पक्ष में है, रंग को चित्रात्मक तत्व के रूप में अस्वीकार करता है; रेखा को काल्पनिक, ग्राफिक तत्व के रूप में खारिज करता है; वास्तविकता की “लगातार गहराई” के बजाय आयतन को अस्वीकार करता है; मूर्तिकला की आवश्यकता के रूप में द्रव्यमान को अस्वीकार करता है; और स्थिर कला को “गतिशील लय” के पक्ष में त्याग देता है। यह घोषणा के साथ समाप्त होता है, “कला को मनुष्य के साथ हर जगह साथ चलना चाहिए जहाँ उसकी अथक जीवन क्रियाएँ होती हैं: कार्यशाला में, कार्यालय में, काम पर, विश्राम में, और अवकाश में; कार्य दिवसों और छुट्टियों में, घर पर और रास्ते में, ताकि मनुष्य में जीवन की ज्वाला बुझ न जाए।” जब उन्होंने यह महाकाव्य घोषणा प्रकाशित की, तब गाबो 30 वर्ष के थे। वे पहले ही एक महाकाव्य जीवन जी चुके थे, जिसने उन्हें 20वीं सदी की प्रारंभिक अमूर्त कला की दुनिया में एक क्रांतिकारी के रूप में उभरने के लिए पूरी तरह तैयार किया था।

Naum Gabo - गोलाकार विषय: काला संस्करण, 1937। पारदर्शी रोडोइड और काला सेलुलोइड।
16 7/10 इंच व्यास; 42.5 सेमी व्यास। फोटो सौजन्य: गैलेरी नताली सेरूसी

स्थान का सृजन

गाबो ने मूर्तिकला के इतिहास में एक महत्वपूर्ण विचार जोड़ा कि किसी वस्तु को मूर्तिकला बनने के लिए काटा या ढाला जाना आवश्यक नहीं है। उनकी विधि “निर्माण” की थी, जिसमें वे विभिन्न तत्वों को इस तरह जोड़ते थे कि उनके बीच स्थान बना रहे—यही कंस्ट्रक्टिविज़्म का एक अर्थ है। कंस्ट्रक्टिविज़्म का दूसरा अर्थ है ऐसी कला बनाना जो उपयोगी हो, समाज के लिए लाभकारी हो। गाबो का मानना था कि उनकी मूर्तिकला निर्माण की विधि इस परिभाषा पर खरी उतरती है, क्योंकि यह स्थान की अवधारणा को दर्शाती है, जो अल्बर्ट आइंस्टीन द्वारा 1915 में प्रकाशित General Theory of Relativity में व्यक्त की गई एक आधुनिक धारणा है, और समय, जो गाबो ने अपनी गतिशील कृतियों में जोड़ा, क्योंकि वे गति को क्षणों के बीतने की एक वास्तविक और कलात्मक अभिव्यक्ति मानते थे।

Naum Gabo - स्पेस में रेखीय निर्माण संख्या 1, 1943। ल्यूसाइट और नायलॉन धागा।
24 1/8 × 24 1/4 × 9 7/8 इंच; 61.3 × 61.6 × 25.1 सेमी। फिलिप्स संग्रह

जब गाबो रूस लौटे, जहाँ वे अपने कंस्ट्रक्टिविस्ट विचारों को अपनी मातृभूमि की सेवा में परिपक्व करना चाहते थे, उस समय समाजवादी यथार्थवाद का युग बढ़ रहा था। उनकी अमूर्त कला उनके देश के लिए कोई मूल्य नहीं रखती थी, इसलिए उन्हें फिर से यात्रा करनी पड़ी। उन्होंने जर्मनी में समय बिताया, जहाँ वे बाउहाउस के प्रमुख सदस्यों के मित्र बने; पेरिस में, जहाँ उन्होंने बैले के लिए सेट और पोशाक डिजाइन की और पिएट मोंड्रियन जैसे कलाकारों से दोस्ती की; और इंग्लैंड में, जहाँ वे सेंट आइव्स स्कूल के सदस्यों जैसे बारबरा हेपवर्थ और बेन निकोलसन से मिले। अंततः, द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, गाबो अमेरिका आए, जहाँ उन्होंने अपनी सौंदर्यशास्त्र की स्थिति को विकसित किया जब तक कि वे 1977 में नहीं मरे। उनके पीछे छोड़ा गया कार्य उनके अनुभवों का परिणाम है, और उनके प्रति एक प्रतिक्रिया भी। उनका दृष्टिकोण इस विचार से बना था कि ऐतिहासिक रूप से मानव सभ्यता केवल अराजकता और हिंसा से अधिक कुछ नहीं थी। उन्होंने अपनी कला के माध्यम से दिखाया कि सतही चीजें उतनी महत्वपूर्ण नहीं हैं जितनी आंतरिक सार और सार्वभौमिक लय। उनकी महत्ता न केवल उनकी अनूठी सौंदर्य दृष्टि में है, बल्कि इस बात में भी है कि उनका कार्य कैसे अमूर्त कला को रोज़मर्रा की ज़िंदगी के साथ जोड़कर एक अधिक सामंजस्यपूर्ण दुनिया की सेवा कर सकता है।

मुख्य छवि: Naum Gabo - व्हाइट स्टोन, 1963-1964। काला रंगा हुआ संगमरमर पर हल्का ग्रे संगमरमर। 18 1/10 × 23 1/5 इंच; 46 × 59 सेमी। फोटो सौजन्य: एनली जूडा फाइन आर्ट, लंदन।

फिलिप Barcio द्वारा