स्टेनली व्हिटनी के ग्रिड पेंटिंग्स क्यों महत्वपूर्ण हैं

अमेरिकी अमूर्त चित्रकार Stanley Whitney की हाल की चित्रकारी में एक विशिष्ट जाली जैसी विशेषता है। वे रंगों के वास्तुशिल्पीय स्तंभ हैं, जो नियो-प्लास्टिसिस्ट टेलीविजन रंग पट्टियों की याद दिलाते हैं। और उनके हाल के चित्र उनके जाल की ओर आकर्षण को और भी स्पष्ट करते हैं, जो मोटी काली रेखाओं की सरल रचनाओं से बने हैं, जो एक प्राथमिक चेकरबोर्ड या मछली के जाल जैसी दिखती हैं। लेकिन व्हिटनी हमेशा जाली चित्रकार नहीं थे। जाली वह चीज़ थी जिसकी ओर उन्हें आकर्षित होने में दशकों लगे। वास्तव में, जब उनके पिछले पचास वर्षों की चित्रकारी को देखा जाता है, तो काम के साथ एक प्रगतिशील कथा जुड़ती है, जो इसके मूल से बहुत आगे बढ़ गई है, और रास्ते में और सरल और गहरी हो गई है। यह विडंबना है क्योंकि व्हिटनी ने एक बार मॉडर्न आर्ट न्यूज पॉडकास्ट में कहा था कि उन्होंने अमूर्त दृश्य भाषा अपनाई क्योंकि, “मैं वास्तव में कहानीकार नहीं बनना चाहता था।” लेकिन उनकी सौंदर्यशास्त्र की प्रगति एक कहानी बताती है। यह एक सामान्य, नायकात्मक, शुरुआत-मध्य-अंत प्रकार की कहानी नहीं है। यह अधिक एक कालक्रम या चल रहे युद्ध के अग्रिम पंक्तियों से समाचार रिपोर्टों की श्रृंखला की तरह है। वह युद्ध, जिसे स्टेनली व्हिटनी ने 1960 के दशक के अंत में अमूर्तन की ओर मुड़ने से पहले भी लड़ा है, चित्रकारी और रेखांकन के माध्यमों के साथ है, और रंग और स्थान की अभिव्यक्ति में उनकी भूमिका के साथ है।

रंगीन बचपन

यह कोई आश्चर्य की बात नहीं है कि स्टेनली व्हिटनी रंग के अध्ययन के लिए जाने जाते हैं। अब अपने 70 के दशक में, वे एक प्यारी कहानी बताते हैं जब वे दस साल के बच्चे थे और अपने पैतृक शहर ब्रिन मॉर, पेंसिल्वेनिया के एक पड़ोसी स्कूल में अपनी पहली चित्रकला कक्षा में गए थे। शिक्षक ने कक्षा के बच्चों को आत्म-चित्र बनाने का निर्देश दिया। जबकि अन्य छात्र अपने विभिन्न यथार्थवादी चेहरे पकड़ने का प्रयास कर रहे थे, व्हिटनी रंग की ओर अधिक आकर्षित महसूस कर रहे थे बजाय प्रतिनिधित्वात्मक विषय वस्तु के।

अपने वास्तविक स्वरूप से संबंधित रंग पैलेट बनाने के बजाय, उन्होंने एक ऐसा आत्म-चित्र बनाया जिसमें वे हर रंग शामिल कर सके जो वे सोच सके। व्हिटनी कहते हैं कि शिक्षक को चित्र पसंद आया, लेकिन उनके माता-पिता इसे समझ नहीं पाए। उन्होंने उन्हें फिर कभी कक्षा में नहीं भेजा। लेकिन इससे व्हिटनी का चित्रकारी और रंग की संभावनाओं की ओर आकर्षण कम नहीं हुआ। वास्तव में, यह कहना अतिशयोक्ति नहीं होगी कि उस दिन से जब वे दस साल के थे और अपनी पहली चित्रकला कक्षा में थे, स्टेनली व्हिटनी रंग को अपना विषय बनाने के लिए आदर्श तरीका खोजने के लिए प्रतिबद्ध रहे हैं।

Stanley Whitney - शैम्पेन और शेर, 2010, फोटो क्रेडिट्स: Galerie Nordenhake

स्थान की खोज

रंग के प्रति आकर्षण के अलावा, स्टेनली व्हिटनी बचपन में रेखांकन की प्रक्रिया की ओर भी आकर्षित थे। उनकी काली और सफेद रेखाचित्र पहली नजर में उनके रंग प्रेम से असंबंधित लगते थे, लेकिन दोनों के बीच एक सूक्ष्म संबंध था जिसे उन्हें कई वर्षों बाद समझ में आया। यह संबंध स्थान से जुड़ा है। जब वे अपनी काली और सफेद रेखाचित्र बनाते थे, तो उन्होंने पाया कि स्थान का वितरण अनगिनत तरीकों से हो सकता है क्योंकि रेखाएं रचना में सफेद स्थान के साथ अपने संबंध को तय करती हैं। लेकिन जैसे-जैसे वे चित्रकारी में अधिक निपुण हुए, वे इस बात से उलझन में थे कि रंग के साथ उसी स्थान की बातचीत कैसे की जाए।

उनके शुरुआती आकृतिपूर्ण कार्यों में रंग घुटन और तंग लगते हैं। अमूर्तन में उनके पहले प्रयास, जो रंग क्षेत्र चित्रकारी पर आधारित थे और जिनमें अतिरिक्त भावात्मक चिन्ह थे, रंग बहुत ढीले लगते थे। उन्होंने कहा, “मैं काम में बहुत हवा चाहता हूँ। मैं काम में बहुत स्थान चाहता हूँ।” लेकिन वे कैनवास के स्थान के ऊपर हवा बनाने के तरीके को लेकर उलझन में थे। उनकी खोज 1970 के दशक में भूमध्य सागर की यात्रा के दौरान हुई। मिस्र और रोम की यात्रा के दौरान उन्होंने वास्तुकला और प्रकाश में इसका उत्तर देखा। प्राचीन वास्तुकला ने संरचना, नियंत्रण और स्तंभित तत्वों की लोकतांत्रिक संभावनाओं को व्यक्त किया। भूमध्य सागर की छायाएं और प्रकाश ने उन्हें दिखाया कि रंग और प्रकाश एक ही हैं, और ठंडे और गर्म रंग, जैसे ठंडा और गर्म प्रकाश, स्थान को व्यक्त करते हैं। इससे चित्रकारी का एक रहस्य खुला, जैसा कि वे कहते हैं, “हवा और स्थान रंग में हो सकते हैं, न कि रंग स्थान पर हो।”

Stanley Whitney - बिना शीर्षक, 2013, कागज पर ग्रेफाइट, फोटो क्रेडिट्स: Galerie Nordenhake

एक विधिपूर्ण प्रक्रिया

“यही वह शुरुआत थी जब चीजें एक साथ आने लगीं,” व्हिटनी कहते हैं। उस समय से वे धीरे-धीरे आज के जाली चित्रों की ओर बढ़ रहे हैं। उन्होंने रंग को रेखा द्वारा कैसे व्यक्त किया जा सकता है, यह निर्धारित करने के लिए ग्रैफिटी जैसे इशारों का उपयोग किया, जो मोंड्रियन के काम के समान है। उन्होंने जाली के विभिन्न तरीकों का अध्ययन किया, स्तंभित आकृतियों से लेकर बिंदुओं और रंग पट्टियों की पंक्तियों तक। वे जानते थे कि वे अपने रंगों को समान रूप से समाहित करने के लिए एक कंकाल ढांचा चाहते हैं, लेकिन वे नहीं चाहते थे कि जाली का नियम उनके काम को किसी विशेष दिशा में मजबूर करे। वे संरचना और स्वतंत्रता का सही मिश्रण खोजना चाहते थे, जैसे जैज़।

Stanley Whitney - लश लाइफ, 2014, लिनन पर तेल, फोटो क्रेडिट्स: Galerie Nordenhake

स्टेनली व्हिटनी के अब के परिपक्व जाली कार्य शुद्ध और स्थिर हैं। वे पहली नजर में उनके पहले प्रयासों की वह खुरदरी और बेचैनी भी नहीं दिखाते जो उन्हें जीवंत बनाती थी। लेकिन करीब से देखने पर मानवीय हाथ के चित्रकारी चिन्ह स्पष्ट होते हैं, और रचनाओं की जटिलता यह दर्शाती है कि व्हिटनी अभी भी अपनी उलझन से गहराई से जूझ रहे हैं। उन्होंने रंग को अपना विषय बनाने का तरीका खोज लिया है। उन्होंने यह रहस्य खोजा है कि रंग और प्रकाश एक ही हैं, और दोनों स्थान के रूप हैं। और इन खोजों के माध्यम से, उन्होंने एक ऐसा कार्य संग्रह बनाया है जो समृद्ध और निर्विवाद रूप से अर्थपूर्ण है। लेकिन अपनी खोजों के बावजूद, वे हमेशा एक धारदार किनारे पर बने रहते हैं, कभी पूरी तरह से अर्थ प्रकट नहीं करते, या शायद कभी जानना या जानने की परवाह नहीं करते कि वह अर्थ क्या है।

Stanley Whitney - मैनहट्टन, 2015, कैनवास पर तेल, फोटो क्रेडिट्स: Galerie Nordenhake

मुख्य छवि: Stanley Whitney - बिना शीर्षक, 2016, लिनन पर तेल, फोटो क्रेडिट्स: Galerie Nordenhake
सभी छवियाँ © कलाकार और Galerie Nordenhake;
सभी छवियाँ केवल उदाहरण के लिए उपयोग की गई हैं
फिलिप Barcio द्वारा