स्टेनली व्हिटनी के ग्रिड पेंटिंग्स क्यों महत्वपूर्ण हैं

अमेरिकी अमूर्त चित्रकार स्टेनली व्हिटनी द्वारा हाल की पेंटिंग्स में एक विशिष्ट ग्रिड जैसी गुणवत्ता है। ये रंगों के वास्तुशिल्पीय ढेर हैं, जो नियो-प्लास्टिसिस्ट टेलीविजन रंग पट्टियों की याद दिलाते हैं। और उनकी हाल की ड्रॉइंग्स उनके ग्रिड के प्रति आकर्षण को और भी स्पष्ट करती हैं, जिसमें मोटी काली रेखाओं की सरल रचनाएँ शामिल हैं जो एक प्राथमिक चेकर्स या मछली जाल की तरह दिखती हैं। लेकिन व्हिटनी हमेशा एक ग्रिड चित्रकार नहीं थे। ग्रिड एक ऐसा तत्व था जिसकी ओर उनकी ओर खींचने में उन्हें दशकों लग गए। वास्तव में, जब पिछले पांच दशकों में उनकी पेंटिंग्स पर नज़र डालते हैं, तो एक प्रकार की प्रगतिशील कथा को उनके काम से जोड़ना असंभव नहीं है, जो इसके मूल से बहुत आगे बढ़ चुकी है, और इस दौरान और अधिक सरल और अधिक गहन हो गई है। यह विडंबनापूर्ण है क्योंकि व्हिटनी ने एक बार मॉडर्न आर्ट न्यूज पॉडकास्ट पर कहा कि उन्होंने अमूर्त दृश्य भाषा को अपनाने का कारण यह बताया कि, “मैं वास्तव में एक कहानीकार नहीं बनना चाहता था।” लेकिन उनकी सौंदर्यात्मक विकास एक कहानी बताता है। यह एक सामान्य, नायक, शुरुआत-मध्य-अंत प्रकार की कहानी नहीं है। यह बल्कि एक कालक्रम की तरह है, या एक चल रहे युद्ध के मोर्चे से समाचार रिपोर्टों की एक श्रृंखला की तरह है। वह युद्ध, जिसे स्टेनली व्हिटनी ने 1960 के दशक के अंत में अमूर्तता की ओर मुड़ने से पहले ही शुरू किया था, चित्रण और ड्राइंग के माध्यमों के साथ है, और रंग और स्थान के अभिव्यक्ति में उनकी भूमिका के साथ है।

एक रंगीन युवा

यह कोई आश्चर्य की बात नहीं है कि स्टेनली व्हिटनी को रंगों की जांच के लिए जाना जाता है। अब जब वह 70 के दशक में हैं, वह अपने गृहनगर ब्रिन मावर, पेंसिल्वेनिया के एक पड़ोस के स्कूल में अपनी पहली पेंटिंग क्लास में भाग लेने वाले दस साल के बच्चे के रूप में एक सुंदर कहानी सुनाते हैं। शिक्षक ने कक्षा के बच्चों को आत्म-चित्र बनाने के लिए कहा। जबकि अन्य छात्रों ने अपने विभिन्न यथार्थवादी चेहरों को कैद करने की कोशिश की, व्हिटनी ने प्रतिनिधित्वात्मक विषय वस्तु की तुलना में रंगों की ओर अधिक आकर्षित महसूस किया।

"अपने वास्तविक रूप से संबंधित रंग पैलेट को मिलाने की कोशिश करने के बजाय, उसने एक आत्म-चित्र बनाया जिसमें उसने हर रंग को शामिल किया जिसे वह सोच सकता था। व्हिटनी कहते हैं कि शिक्षक को यह पेंटिंग पसंद आई, लेकिन उसके माता-पिता इसे नहीं समझ पाए। उन्होंने उसे फिर से कक्षा में नहीं भेजा। लेकिन इससे व्हिटनी को पेंटिंग और रंग की संभावनाओं की ओर आकर्षित होने से नहीं रोका। वास्तव में, यह कहना कोई अतिशयोक्ति नहीं है कि उस दिन से, जब वह दस साल का था और अपनी पहली पेंटिंग कक्षा में था, स्टेनली व्हिटनी रंग को अपने विषय बनाने के लिए आदर्श तरीके की खोज में प्रतिबद्ध रहे हैं।"

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, photo credits of Galerie Nordenhake

स्थान ढूँढना

रंग के प्रति अपनी आकर्षण के अलावा, स्टेनली व्हिटनी युवा अवस्था में चित्र बनाने की प्रक्रिया की ओर भी आकर्षित थे। उनके काले और सफेद चित्र पहले तो रंग के प्रति उनके प्रेम से असंबंधित लगते थे, लेकिन दोनों के बीच एक सूक्ष्म संबंध था जिसे समझने में उन्हें कई साल लग गए। यह संबंध स्थान से कुछ लेना-देना है। जब उन्होंने अपने काले और सफेद चित्र बनाए, तो उन्होंने पाया कि स्थान का वितरण अनगिनत तरीकों से हो सकता है क्योंकि रेखाएँ रचना में सफेद स्थान के साथ अपने संबंध को बातचीत करती हैं। हालाँकि, जब वह चित्रकला में अधिक कुशल हो गए, तो वह रंग के साथ उसी स्थान की बातचीत को प्राप्त करने के तरीके से चकित थे।

अपने प्रारंभिक चित्रात्मक कार्यों में, रंग संकुचित और तंग महसूस होते हैं। अमूर्तता में उनके पहले प्रयास, जो रंग क्षेत्र चित्रण पर आधारित थे और जिनमें अतिरिक्त गतिशील चिह्न थे, में रंग बहुत ढीले लगते हैं। उन्होंने कहा, “मैं काम में बहुत हवा चाहता हूँ। मैं काम में बहुत जगह चाहता हूँ।” लेकिन वह यह समझने में उलझे हुए थे कि कैनवास की जगह पर हवा कैसे बनाई जाए। उनकी खोज 1970 के दशक में भूमध्य सागर की यात्रा के दौरान हुई। जब उन्होंने मिस्र और रोम का दौरा किया, तो उन्होंने वास्तुकला और प्रकाश में उत्तर देखा। प्राचीन वास्तुकला ने संरचना, नियंत्रण, और ढेर किए गए तत्वों की लोकतांत्रिक संभावनाओं को व्यक्त किया। भूमध्य सागर की छायाएँ और प्रकाश ने उन्हें दिखाया कि रंग और प्रकाश एक ही हैं, और ठंडे और गर्म रंग, जैसे ठंडा और गर्म प्रकाश, स्थान को व्यक्त करते हैं। इससे चित्रकला का एक रहस्य खुल गया, जैसा कि वह कहते हैं, “हवा और स्थान रंग में हो सकते हैं, न कि रंग स्थान पर हो।

Stanley Whitney - Untitled, 2013, graphite on paper, photo credits of Galerie Nordenhake

एक विधिपूर्ण प्रक्रिया

“यह चीजों के एक साथ आने की शुरुआत थी,” व्हिटनी कहते हैं। उस बिंदु से आगे वह आज जो ग्रिड पेंटिंग्स बनाते हैं, की ओर धीरे-धीरे विकसित होते रहे हैं। उन्होंने यह पता लगाने के लिए ग्रैफिटी जैसे इशारों का उपयोग करने का अन्वेषण किया है कि रंग को रेखा द्वारा कैसे व्यक्त किया जा सकता है, जो मोंड्रियन के काम के समान है। उन्होंने ग्रिड के प्रति दृष्टिकोण के तरीकों की जांच की है, जैसे कि ढेर किए गए आकार, बिंदुओं की पंक्तियाँ और रंगों के बैंड। वह जानते थे कि वह अपने रंगों को एक समान तरीके से समाहित करने के लिए एक कंकाली ढांचे की इच्छा रखते थे, लेकिन वह यह भी नहीं चाहते थे कि ग्रिड का नियम उनके टुकड़ों को किसी विशेष दिशा में मजबूर करे। वह संरचना और स्वतंत्रता का सही मिश्रण खोजना चाहते थे, जैसे जैज़।

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, oil on linen, photo credits of Galerie Nordenhake

स्टेनली व्हिटनी द्वारा बनाए गए परिपक्व ग्रिड कार्य शुद्ध और स्थिर हैं। वे पहले तो ऐसा लगता है कि उनमें कुछ उस grit और angst की कमी है जिसने उनके पहले के प्रयासों को इतना जीवंत बना दिया। लेकिन निकटता से देखने पर मानव हाथ के चित्रकारी के निशान स्पष्ट होते हैं, और रचनाओं की जटिलता उस गहराई को प्रकट करती है जिसके साथ व्हिटनी अभी भी अपने पहेली से जूझते हैं। उन्होंने रंग को अपना विषय बनाने का एक तरीका खोज लिया है। उन्होंने यह रहस्य खोजा है कि रंग और प्रकाश एक ही हैं, और दोनों स्थान के रूप हैं। और इन खोजों के माध्यम से, उन्होंने एक ऐसा कार्य तैयार किया है जो समृद्ध और निस्संदेह अर्थ से भरा हुआ है। लेकिन अपनी खोजों के बावजूद, वह हमेशा एक तेज धार पर बने रहे हैं, कभी भी यह प्रकट नहीं करते, या शायद कभी जानने या जानने की परवाह नहीं करते, कि वह अर्थ वास्तव में क्या है।

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, oil on canvas, photo credits of Galerie Nordenhake

विशेष छवि: स्टेनली व्हिटनी - बिना शीर्षक, 2016, लिनन पर तेल, गैलरी नॉर्डेनहाके के फोटो क्रेडिट्स
सभी चित्र © कलाकार और गैलरी नॉर्डेनहाक;
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा