18 Artisti Astratti Contemporanei Parlano della Loro Linea

È pericoloso e impossibile insegnare arte. Eppure è anche imperativo. Affinché l'arte esista, gli artisti devono imparare come diventare ciò che stanno per diventare e come creare ciò che stanno per creare. Alcuni impareranno a scuola, da altri esseri umani imperfetti come loro che, per qualche motivo, hanno intrapreso il compito pericoloso, impossibile e imperativo di condividere con gli altri ciò che hanno appreso. Altri artisti troveranno insegnanti al di fuori dell'aula. Potrebbero imparare cosa significa essere un artista trascorrendo del tempo con altri artisti durante le inaugurazioni o nei bar. Potrebbero imparare cosa significa fare arte guardando video online, o de-costruendo l'arte che vedono nei musei o nei libri. Alcuni artisti potrebbero insegnare a se stessi cosa sono seguendo l'ispirazione che ricevono dall'architettura e dal design, semplicemente rispondendo ai pensieri e ai sentimenti che provano mentre interagiscono con l'ambiente costruito quotidiano e i suoi innumerevoli prodotti e spazi. Altri ancora potrebbero imparare a essere artisti semplicemente abbracciando - e poi nutrendo - la loro compulsione interiore a creare. Il processo di creazione può insegnarci come fare. Il processo di essere può insegnarci cosa vogliamo essere. Alla fine, tutti coloro che superano il processo di apprendimento fino al momento in cui possono dire la frase, "Io sono un artista," senza sentirlo come una menzogna, avranno una storia da raccontare sui loro insegnanti. Oggi vi presentiamo una raccolta di tali storie da artisti abbastanza coraggiosi da condividere le loro genealogie di apprendimento. Sono coraggiosi perché annunciare il loro patrimonio estetico o concettuale li espone a una terribile minaccia. Tu, lettore, potresti renderti conto che un artista era studente di un altro artista, o era ispirato da questo o quel qualcosa, e scambiare ciò per una scorciatoia. Potresti dire, "Aha! Ora vedo chi stanno copiando," o, "Ora capisco la loro arte!" Invece, mentre leggi questi aneddoti su come questi 18 artisti siano diventati ciò che sono, lascia che le informazioni espandano la tua percezione. Segui ogni filo e scava più a fondo. Potresti intravedere la pericolosa, impossibile, imperativa bellezza di ciò che significa davvero insegnare e imparare arte.

Anya Spielman

Spielman è stata una studentessa di Wayne Thiebauld mentre era all'Università della California a Davis. Riguardo ai suoi altri insegnanti, dice:

"Una grande influenza per me è stata vedere il trittico di Hieronymus Bosch, "Il Giardino delle Delizie Terrene" al Prado quando ero un adolescente. Rimasi sbalordito dall'iconografia così come dai colori lussureggianti e dalle composizioni intricate delle sue opere. Risposi immediatamente alla dualità nel lavoro di Bosch: la sua palette netta e illuminata: tonalità di nero inchiostro, ocra, rosa pallido, osso, vermiglio e azzurrite; le curve delle sue capsule di piacere traslucide in Eden giustapposte alla discesa psicologica e fisica penetrante in un inferno allucinatorio. Il genio visionario di Bosch ha reso la natura umana in tutte le sue forme, con un'intimità e una potenza dirette che trovo incredibilmente rare anche oggi."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Olio su pannello. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin ha studiato con Louis Finkelstein mentre era studentessa laureata al Queens College, City University of New York. Nella stessa scuola, ha studiato con Benny Andrews, che si è formato come espressionista astratto alla School of the Art Institute of Chicago negli anni '50; Clinton Hill, che è stato assistente di studio di Mark Rothko; il critico d'arte e redattore associato di Artforum Robert Pincus-Witten, che lei dice "ha aiutato il mio occhio critico;" e Charles Cajori, che è stato studente di Hans Hoffman. Dice Sirlin:

"[Lineage] è davvero una questione complicata. I legami con gli artisti si sviluppano anche in modo laterale. Anne Truitt è stata importante per me quando ero un giovane artista a Yaddo. Melissa Meyer era lì anche quell'estate [1983]. Erin Lawlor era la mia compagna di studio al Rothko Centre in Lettonia. Jose Heerkins era al Rothko Centre nello stesso periodo con noi [2016]. Kara Walker era una studentessa quando ho insegnato all'Atlanta College of Art e Kara e io abbiamo esposto nella stessa Biennale di Atlanta nel 1992. Poi ci sono gli altri artisti—scrittori e drammaturghi. Hayden Herrera [biografa di Frieda Kahlo e Arshile Gorky] è stata la mia mentore come scrittrice d'arte. Chris Kraus [I Love Dick] e io eravamo a Yaddo insieme... Ero un amico stretto del drammaturgo Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Era uno sceneggiatore per Warhol... Spero di non aver confuso le cose per te in questa risposta aggiuntiva."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Tecnica mista su tela. 127 x 106,7 cm

Brenda Zappitel

"Quando ho iniziato a dipingere, sono stato maggiormente influenzato da Picasso. Ero attratto dal suo uso del colore e dalla sua tecnica di segno, in particolare in "Ragazza davanti a uno specchio" (1932). Più tardi, mentre iniziavo a dipingere in modo più astratto espressionista, ero più attratto da Joan Mitchell e Willem De Kooning. Tuttavia, ho iniziato a guardare il loro lavoro dopo aver dipinto in questo modo, non prima."

Brenda Zappitell - At the moment, 2017. Flashe e acrilico con cera fredda su pannello. 127 x 127 cm

Daniele Gottino

In un'intervista del 2006 per Minus Space NY, il pittore Chris Ashley ha chiesto a Göttin da dove inizia come artista. Göttin ha risposto:

"La storia dell'arte a volte finge che un particolare movimento artistico sia un'entità completa. Usare il termine "concreto" non coincide necessariamente con il contesto ideologico della Konkrete Kunst, che si basava anche su idee riguardanti la società e la politica. La mia preoccupazione riguarda un'entità che può includere anche contraddizioni—un sì e un no, e persino un forse. Il mio punto di partenza è una sintesi di diversi punti di vista o posizioni contemporaneamente, che per me è una visione spaziale. Può essere ovvia o sottile, simmetrica o asimmetrica o entrambe insieme, con o senza contraddizione. Può essere regola e deviazione insieme. Alcuni dei lavori precedenti che ho realizzato erano collage legati al lavoro di Kurt Schwitters (Merz), qualsiasi materiale trovato incollato grossolanamente su un pezzo di cartone—fisico, diretto, improvvisato, accidentale, colorato, persino dadaistico. In seguito, mi sono interessato all'Arte Minimal, dove l'opera d'arte è spesso pianificata con precisione, e costruita in modo perfetto e chiaro con un uso definito dei materiali e attenzione ai dettagli. Entrambi i movimenti sono importanti per me, e a volte vedo il mio lavoro portare parti di entrambi, corrispondendo tra queste due posizioni storiche dell'arte."

Daniel Göttin - Untitled 2 (Pink), 1992. Acrilico su pavatex. 97 x 58,5 x 3 cm

Pallet di Gary

"È piuttosto difficile comprendere le proprie influenze, almeno per me, poiché lavoro principalmente d'intuito e non tanto di coscienza. Penso che i miei anni formativi come studente d'arte alla UCLA (BA 74, MFA 77) abbiano costituito una grande parte di chi sono. In quei giorni la UCLA era una scuola per pittori con una tendenza europea/modernista. Per il mio primo corso di pittura, ero iscritto al corso introduttivo di pittura con Richard Diebenkorn (non avevo idea di chi fosse), ma lui e la leadership del corpo docente avevano alcuni problemi, e la sua posizione fu terminata prima che il corso iniziasse. Così ho studiato con Richard Joseph, un nuovo realista, che mi ha messo su una solida base. Solo sei mesi dopo, lavorando in un corso di pittura più avanzato con Charles Garabedian, ho iniziato a sperimentare con l'astrazione. Nel corso degli anni, il professore che probabilmente ha avuto più influenza su di me è stato William Brice. Bill era un insegnante e amico molto articolato, dignitoso, generoso, riflessivo e divertente. Come artista prolifico e laborioso, parlava spesso della necessità di trascorrere tempo in studio a lavorare e tutto il resto è meno importante. Penso spesso a lui e mi sento così fortunato ad averlo conosciuto a lungo. Ci sono voluti diversi anni per separarmi dall'idea di essere uno studente e dall'ascoltare i suoni dei miei vecchi professori nella mia testa ogni volta che dipingevo, ma col tempo ho raggiunto una chiara consapevolezza di chi sono e della responsabilità che ho di creare opere che soddisfino la mia visione. Spesso vedo aspetti di altri artisti nel mio lavoro, a volte sentendo che c'è davvero una connessione attraverso le stesse idee e altre volte sembra solo che qualsiasi somiglianza sia solo superficiale. Alla fine, lasciate che gli scrittori d'arte parlino delle influenze."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Inchiostro su carta. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) è stato il mio insegnante di incisione 25 anni fa. Ci siamo incontrati per la prima volta quando soggiornavo al Fine Arts Work Center di Provincetown, dove Michael stava offrendo un workshop di una settimana sull'incisione. Molte cose spiccano riguardo alla nostra connessione iniziale: Michael era una persona incredibilmente empatica e socialmente consapevole, non solo nel suo soggetto scelto (disegni e stampe dei pazienti sofferenti in un ospedale psichiatrico e animali dietro le sbarre in uno zoo), ma anche nelle nostre conversazioni uno a uno sulla vita. Mi ha insegnato a essere generoso attraverso l'esempio come modo per bilanciare l'autoassorbimento dello studio. Non c'era nulla della sua tecnica o della ricerca di una carriera artistica che Michael non condividesse. Michael ha trascorso del tempo in Cina alla fine degli anni '80 e grazie al suo amore per il paesaggio asiatico, ho imparato a semplificare i miei gesti, a dipingere con un'economia di espressione, qualcosa che tengo molto vicino al mio cuore. Non dimenticherò mai il suo senso dell'umorismo quando mi diceva: "Tracey, questo è ungepatchke!", una parola yiddish che significa troppo occupato e decorato."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafite e inchiostro su rives. 66 x 50,8 cm

Kyong Lee

Lee cita la sua prima ispirazione in un acquerello di Paul Cezanne che ha visto quando aveva 11 anni, il quale ha lasciato "un'impressione indimenticabile." Prosegue dicendo:

"Il mio professore, Klaus Stümpel, era così vicino alla natura che quasi gli era stato dato il soprannome di 'contadino'. Mi ha consigliato di studiare Frantisek Kupka. Ho studiato il suo processo di astrazione e la sua prospettiva cosmica e mistica. Soprattutto, ho imparato più di ogni altra cosa riguardo al suo amore per la vita e alla sua volontà di mantenere i suoi pensieri. Quando sono tornato in Corea, ho ripensato a Kandinsky. Penso che il suo desiderio di trovare una verità oggettiva e universale nell'arte sia una sfida impossibile. Credo che l'arte sia soggettiva e personale piuttosto che qualcos'altro. Quando cerco il mio lato più profondo, posso comunicare con l'interno degli altri. Penso che l'arte possa essere un mezzo che collega il microcosmo (umano) e il macrocosmo (mondo). In particolare, il colore è l'oggetto della mia ricerca. Sto cercando il colore come aggettivo. Mi piace l'atteggiamento di Richter verso il lavoro, la sua passione per la pittura e lo spirito di sperimentazione. Forse On Kawara? Mi piace il suo lavoro, che voleva dimostrare di essere vivo, e voglio dimostrare a me stesso, lavorando ogni giorno, che sono ancora vivo, emotivamente e sensibilmente. I miei pensieri su Wassily Kandinsky e molti altri Minimalisti sono molto diversi dalla prospettiva generale. Non sono d'accordo con il loro punto di vista artistico."

Kyong Lee - Immagine con Bianco, 2008. Acrilico su tela, 150 x 200 cm

Giovanna Freeman

Freeman cita influenze che includono artisti (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman e Andy Warhol), designer (Saul Bass e Roy Kuhlman) e architetti (Le Corbusier). Ma parla anche dei modi personali in cui la cultura ha influenzato la sua arte, come nella seguente aneddoto:

"L'azienda di mio padre era la segnaletica. Come la maggior parte dei ragazzi delle città americane, sono cresciuto sul sedile posteriore di un'auto, iper consapevole dei cartelloni pubblicitari e del neon. Gli stimoli visivi diretti e accattivanti facevano parte della mia psiche. Recentemente, ho visitato il MoMA a New York e sono stato colpito di nuovo dal dipinto di Barnett Newman "Vir Heroicus Sublimis" (Uomo, Eroico e Sublime) (1950-51). La mia risposta viscerale al suo potere, alla sua immediatezza e semplicità è stata travolgente, riaffermando il mio passato visivo e la mia identità."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache su carta Khadi fatta a mano. 33,1 x 33,1 cm

Il dottor Brent Hallard

"Per me, è stato Mondrian. Gli artisti astratti di quel tempo lavoravano in modo più concettuale con l'astrazione, il che significava che gli piaceva l'idea di essa, mentre Mondrian lavorava all'indietro attraverso i meccanismi e ne usciva dall'altra parte reinventando il piano dell'immagine. Non molti lo hanno fatto da allora. Ho cominciato a pensare che ci devono essere più modi per entrare in questo strano spazio che Mondrian aveva così chiaramente sotto controllo. [Ellsworth] Kelly e [Robert] Mangold hanno mostrato altri modi per esprimere questo 'altro' spazio. L'esperienza di questi artisti mi ha dato spazio per apprezzare davvero gli sforzi dei miei coetanei e per cercare di superare la prossima busta."

Brent Hallard - Clouds, 2013. Acrilico su Carta. 25,4 x 35,6 cm

Pietra di Audrey

"Ho amato e pensato frequentemente al lavoro di Vija Celmins. La sua intensa osservazione e calma esecuzione sono per me molto ispiratrici. Louise Bourgeois mi ha sempre ispirato con la sua determinazione a esprimersi nel miglior medium per le sue idee. Un'ispirazione più ovvia sarebbe Agnes Martin, amo la sua riserva sicura, e Mark Rothko per il colpo emotivo che il suo lavoro può dare."

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. Filo, inchiostro e grafite su carta. 43,2 x 35,6 cm

Pietro Auville

Auville menziona i blockhaus tedeschi dell'era della Seconda Guerra Mondiale che costeggiano la costa atlantica francese. Dice: “La maggior parte delle persone li considera brutti segni. Ai miei occhi, la loro sostanza faceva parte del paesaggio, il tempo li ha fusi con la sabbia, le dune e il mare o con i dipinti che gli artisti di strada vi hanno steso.” Inoltre, Auville è stato influenzato da questa esperienza della sua giovinezza:

"All'età di sei o sette anni, ho avuto il privilegio di visitare la Grotta di Lascaux nel sud-ovest della Francia. È stata una sorpresa per me. I miei genitori hanno acquistato alcune riproduzioni come souvenir e ho trascorso ore a guardarle nel seminterrato della nostra casa, chiedendomi cosa facesse la differenza tra le immagini e l'opera d'arte reale. La differenza era ovvia, ma stavo lottando per capire la sua sostanza. Accendevo e spegnevo la luce, incollavo sabbia sulle immagini nel tentativo di replicare la sostanza dei dipinti di Lascaux, ma non sono mai riuscito a raggiungere ciò che pensavo fosse la loro anima."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Cemento pigmentato su pannelli di schiuma. Struttura e telaio appeso sul retro. 120 x 120 x 6 cm

Luca de Haan

De Haan menziona influenze che vanno da artisti (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) a designer di album (Hipgnosis, Peter Saville), a musicisti (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Dice:

"Negli anni prima della mia pubertà, il linguaggio visivo di Piet Mondriaan ricevette molta attenzione nei Paesi Bassi. Ero troppo giovane per pensare in termini di arte, ma Mondriaan era semplicemente lì, ed era intrigante. E lo è ancora! Poco dopo conobbi i Suprematisti che, come me, prendevano forme geometriche come punto di partenza. Poiché le mie sorelle sono circa cinque anni più grandi di me, scoprii (attraverso i loro fidanzati) all'inizio della mia adolescenza la musica 'progressiva' e il relativo design delle copertine. Non sorprende che volessi diventare un designer di copertine. Se dovessi scegliere un artista visivo che ha cambiato il mio modo di vedere le cose, sarebbe Ellsworth Kelly. A metà degli anni '80 il Museo Stedelijk di Amsterdam acquistò "Blue Curve VI" (1982). Andavo regolarmente a guardarlo e studiavo il linguaggio visivo. Ma ora, forse più importante, sono guidato anche dalla mia reazione all'arte... Ho cominciato a pensare all'arte... lo scopo, il significato, oh mio."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Inchiostro Ultrachrome HD su carta Hannemuhle. 29,7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Gli insegnamenti di Josef Albers influenzano il mio modo di pensare a come mettere i colori in contesti diversi. E gli skyspace di James Turrell hanno influenzato il mio modo di pensare a come mettere il colore atmosferico in contesti diversi. In generale, l'estetica complessiva delle mie serie Paper Skies e Moving Pictures è fortemente influenzata da pittori americani moderni come Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella, ecc."

Brenda Biondo -Paper Sky n. 21 (Grande), 2015. Stampa a sublimazione di tintura su alluminio (finitura opaca/lucida). 83,8 x 96,5 cm

Pierre Muckensturm

"Ho scoperto, più di 20 anni fa, la cappella di Ronchamp, un'opera tarda dell'architetto Charles Edouard Jeanneret, conosciuto come Le Corbusier. Non ho mai provato, né prima né dopo, una percezione così corretta delle possibilità tra massiccio ed elevazione. Da allora è iniziata per me questa lunga ricerca, che ancora oggi mi nutre, mirante ad avvicinarmi alla relazione più appropriata tra pieno e vuoto."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum e puntasecca su rame. Stampa su carta BFK Rives 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Neve

"Vorrei parlare dell'artista che mi ha ispirato per decenni, più di qualsiasi altro artista: Matisse, un artista che si potrebbe studiare per tutta la vita. Il suo lavoro ha preso così tante strade grazie alla sua sperimentazione e indagine su nuove possibilità con la pittura. Sono opere belle, edificanti, complesse, a volte incantevoli e serene, a volte difficili e impegnative—riflesso di come è la vita."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Acquerello su carta. 31,8 x 31,8 cm

Susanna Cantrick

Invece di elencare le sue influenze, Cantrick cita gli artisti il cui lavoro la interessa di più, indipendentemente dal fatto che ci sia o meno un legame diretto con il suo lavoro. La sua breve lista per l'arte moderna e contemporanea:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé e Per Kirkeby. Questa è una lista eclettica e non esaustiva, ma ciò che hanno in comune è chiarezza, complessità e vitalità—che sono le mie stesse preoccupazioni—espresse attraverso colori e strutture forti, forme distinte e uno spazio pittorico superficiale. Per il periodo pre-moderno, Vermeer, Degas e Manet sono in cima alla mia lista, per, di nuovo, quel trio di attributi: chiarezza, complessità, vitalità. Inoltre: La tensione nella solida resa di Vermeer trasmette un'incredibile immobilità palpabile—la sospensione del tempo. Il particolare modo di Degas di punteggiare il suo spazio con aree "silenziose", non animate e/o un forte elemento verticale promuove una visione prolungata e ritmica. E c'è un'immediatezza e freschezza in Manet che, a parte tutto il resto della maestria, è, al suo meglio, avvincente."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Acrilico su lino. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"Nel mio caso non sono stato influenzato da un artista in particolare, ma piuttosto dalla comunità artistica in cui sono cresciuto a Chicago. C'erano artisti ovunque nel mio quartiere, chiamato Lincoln Park o Old Town, e quando ho mostrato interesse per il disegno da pre-adolescente, sono stato incoraggiato ad andare alla scuola affiliata con il meraviglioso Art Institute of Chicago per il disegno dal vero. Lì ho potuto attraversare direttamente il Museo con la sua famosa collezione impressionista per entrare nella scuola. Penso che questo abbia fondamentalmente formato il mio interesse per la linea, il gesto e il colore."

Anne Russinof - Look See, 2014. Olio su tela. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"La mia discendenza artistica si trova in artisti che combinano un approccio "riduttivo" alla creazione di immagini/oggetti con un'attenzione alla superficie e ai dettagli sottili. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros e Sol Lewitt mi vengono in mente. Inoltre, il lavoro scultoreo di Richard Serra, Carl Andre e Fred Sandback, con il loro particolare uso dello spazio tridimensionale, continua a ispirare il mio approccio alla pittura."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Acrilico su tela. 122 x 96,9 cm