18 Artisti Astratti Contemporanei Parlano della Loro Linea

Insegnare arte è pericoloso e impossibile. Eppure è anche imperativo. Perché l'arte esista, gli artisti devono imparare a diventare ciò che saranno, e a creare ciò che realizzeranno. Alcuni impareranno a scuola, da altri esseri umani imperfetti come loro che, per qualche motivo, hanno assunto il compito pericoloso, impossibile e imperativo di condividere con gli altri ciò che hanno appreso. Altri artisti troveranno insegnanti fuori dall'aula. Potrebbero imparare cosa significa essere un artista frequentando altri artisti durante vernissage o nei bar. Potrebbero imparare cosa significa fare arte guardando video online, o decostruendo l'arte che vedono nei musei o nei libri. Alcuni artisti potrebbero insegnare a se stessi cosa sono seguendo l'ispirazione che ricevono dall'architettura e dal design, rispondendo semplicemente ai pensieri e alle emozioni che provano interagendo con l'ambiente costruito quotidiano e i suoi innumerevoli prodotti e spazi. Altri ancora potrebbero imparare a essere artisti semplicemente abbracciando—e poi coltivando—la loro compulsione interiore a creare. Il processo del fare può insegnarci come fare. Il processo dell'essere può insegnarci cosa vogliamo essere. Alla fine, chiunque superi il processo di apprendimento fino al momento in cui può dire la frase, “Sono un artista,” senza sentire che è una bugia, avrà una storia da raccontare sui propri insegnanti. Oggi vi portiamo una raccolta di tali storie da artisti abbastanza coraggiosi da condividere le loro genealogie di apprendimento. Sono coraggiosi perché annunciare la loro eredità estetica o concettuale li espone a una terribile minaccia. Voi, lettori, potreste rendervi conto che un artista è stato studente di un altro artista, o è stato ispirato da questa o quella cosa, e scambiare ciò per una scorciatoia. Potreste dire, “Aha! Ora vedo chi stanno copiando,” o, “Ora capisco la loro arte!” Invece, mentre leggete questi aneddoti su come questi 18 artisti sono diventati ciò che sono, lasciate che l'informazione espanda la vostra percezione. Seguite ogni filo e scavare più a fondo. Potreste intravedere la bellezza pericolosa, impossibile e imperativa di ciò che significa davvero insegnare e imparare arte.

Anya Spielman

Spielman è stata studentessa di Wayne Thiebauld all'Università della California a Davis. Riguardo agli altri suoi insegnanti, dice:

"Una grande influenza per me è stata vedere il trittico di Hieronymus Bosch, “Il Giardino delle Delizie” al Prado quando ero un'adolescente. Sono rimasta sbalordita dall'iconografia così come dai colori lussureggianti e dalle composizioni intricate della sua opera. Ho risposto immediatamente alla dualità nel lavoro di Bosch: la sua tavolozza netta e illuminata: tonalità di nero d'inchiostro, ombra, rosa pallido, osso, vermiglio e azzurite; le curve dei suoi baccelli di piacere traslucidi in Eden messe a confronto con la discesa psicologica e fisica penetrante in un inferno allucinatorio. Il genio visionario di Bosch ha rappresentato la natura umana in tutte le sue forme, con un'intimità diretta e una potenza che trovo incredibilmente rara ancora oggi."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Olio su pannello. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin ha studiato con Louis Finkelstein mentre era studentessa laureata al Queens College, City University of New York. Nella stessa scuola, ha studiato con Benny Andrews, che si è formato come espressionista astratto alla School of the Art Institute of Chicago negli anni '50; Clinton Hill, che è stato assistente di studio di Mark Rothko; il critico d'arte e Associate Editor di Artforum Robert Pincus-Witten, che dice “ha aiutato il mio occhio critico;” e Charles Cajori, che è stato studente di Hans Hoffman. Dice Sirlin:

"[Lineage] è davvero una questione complicata. I legami con gli artisti sono altrettanto tortuosi. Anne Truitt è stata importante per me quando ero una giovane artista a Yaddo. Melissa Meyer era anche lì quell'estate [1983]. Erin Lawlor era la mia compagna di studio al Rothko Centre in Lettonia. Jose Heerkins era al Rothko Centre nello stesso periodo con noi [2016]. Kara Walker era una studentessa quando insegnavo al The Atlanta College of Art e Kara ed io abbiamo esposto nella stessa Biennale di Atlanta nel 1992. Poi ci sono gli altri artisti—scrittori e drammaturghi. Hayden Herrera [biografa di Frieda Kahlo e Arshile Gorky] è stata la mia mentore come critica d'arte. Chris Kraus [I Love Dick] ed io eravamo insieme a Yaddo... Ero un'amica intima del drammaturgo Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Era sceneggiatore per Warhol... Spero di non averti confuso con questa risposta aggiuntiva."

Deanna Sirlin - Meraviglia, 2015. Tecnica mista su tela. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

"Quando ho iniziato a dipingere, sono stato maggiormente influenzato da Picasso. Ero attratto dal suo uso del colore e del segno, in particolare in “Girl Before A Mirror” (1932). Successivamente, mentre iniziavo a dipingere più in modo espressionista astratto, ero più attratto da Joan Mitchell e Willem De Kooning. Tuttavia, ho iniziato a guardare davvero il loro lavoro dopo aver dipinto in questo modo, non prima."

Brenda Zappitell - Al momento, 2017. Flashe e acrilico con cera fredda su pannello. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

In un'intervista del 2006 per Minus Space NY, il pittore Chris Ashley ha chiesto a Göttin da dove inizia come artista. Göttin ha risposto:

"La storia dell'arte a volte finge che un particolare movimento artistico sia un'entità completa. Usare il termine “concreto” non coincide necessariamente con il background ideologico di Konkrete Kunst, che si basava anche su idee riguardanti la società e la politica. La mia preoccupazione riguarda un'entità che può includere anche contraddizioni—un sì e un no, e persino un forse. Il mio punto di partenza è una sintesi di diversi punti di vista o posizioni allo stesso tempo, che per me è una visione spaziale. Può essere ovvia o sottile, simmetrica o asimmetrica o entrambe insieme, con o senza contraddizione. Può essere regola e deviazione insieme. Alcune delle prime opere che ho realizzato erano collage legati al lavoro di Kurt Schwitters (Merz), qualsiasi materiale trovato incollato grossolanamente su un pezzo di cartone—fisico, diretto, improvvisato, accidentale, colorato, persino dadaista. Successivamente, mi sono interessato all'Arte Minimalista, dove l'opera d'arte è spesso pianificata con precisione, e perfettamente e chiaramente costruita con un uso definito dei materiali e attenzione ai dettagli. Entrambi i movimenti sono importanti per me, e a volte vedo il mio lavoro portare parti di entrambi, corrispondendo tra queste due posizioni storiche dell'arte."

Daniel Göttin - Senza titolo 2 (Rosa), 1992. Acrilico su pavatex. 97 x 58.5 x 3 cm

Gary Paller

"È piuttosto difficile capire le proprie influenze, almeno per me, dato che lavoro principalmente d’intuito e non tanto dalla coscienza. Penso che i miei anni formativi come studente d’arte alla UCLA (BA 74, MFA 77) abbiano formato gran parte di chi sono. In quegli anni la UCLA era una scuola per pittori con un orientamento europeo/modernista. Per la mia prima classe di pittura, ero iscritto al corso introduttivo con Richard Diebenkorn (non avevo idea di chi fosse), ma lui e la direzione della facoltà ebbero dei problemi e la sua posizione fu terminata prima che iniziasse il corso. Così ho studiato con Richard Joseph, un nuovo realista, che mi ha dato una solida base. Solo sei mesi dopo, lavorando in un corso di pittura più avanzato con Charles Garabedian, ho iniziato a sperimentare con l’astrazione. Negli anni, il professore che probabilmente ha avuto più influenza su di me è stato William Brice. Bill era un insegnante e amico molto articolato, dignitoso, generoso, riflessivo e divertente. Come artista prolifico e laborioso, parlava spesso della necessità di passare tempo in studio a risolvere le cose e che tutto il resto è meno importante. Penso spesso a lui e mi sento così fortunato ad averlo conosciuto a lungo. Ci sono voluti anni per separarmi dall’idea di essere uno studente e dal sentire i suoni dei miei vecchi professori nella mia testa ogni volta che dipingevo, ma col tempo ho raggiunto una chiara consapevolezza di chi sono e della responsabilità di creare opere che realizzino la mia visione. Spesso vedo aspetti di altri artisti nel mio lavoro, a volte sentendo che c’è davvero una connessione tramite le stesse idee e altre volte sembra che ogni somiglianza sia solo superficiale. Alla fine, lasciamo che siano gli scrittori d’arte a parlare delle influenze."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Inchiostro su carta. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

Michael Mazur (1935-2009) è stato il mio insegnante di stampa 25 anni fa. Ci siamo incontrati per la prima volta quando soggiornavo al Fine Arts Work Center di Provincetown, dove Michael teneva un workshop di una settimana sulla stampa. Tante cose spiccano nel nostro primo incontro: Michael era una persona incredibilmente empatica e socialmente consapevole, non solo per il soggetto scelto (disegni e stampe dei pazienti sofferenti in un ospedale psichiatrico e animali dietro le sbarre di uno zoo), ma anche nelle nostre conversazioni individuali sulla vita. Mi ha insegnato a essere generosa con l'esempio come modo per bilanciare l'assorbimento di sé nello studio. Non c’era nulla della sua tecnica o della carriera artistica che Michael non volesse condividere. Michael ha trascorso del tempo in Cina alla fine degli anni '80 ed è stato attraverso il suo amore per il paesaggio asiatico che ho imparato a semplificare i miei gesti, a dipingere con un’economia di espressione, qualcosa che tengo molto vicino al mio cuore. Non dimenticherò mai il suo senso dell’umorismo quando mi diceva: “Tracey, this is ungepatchke!”, una parola yiddish che significa troppo occupato e decorato.

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafite e inchiostro su rives. 66 x 50.8 cm

Kyong Lee

Lee cita come sua prima ispirazione un acquerello di Paul Cezanne che ha visto a 11 anni, che le ha lasciato “un'impressione indimenticabile.” Continua dicendo:

"Il mio professore, Klaus Stümpel, era così vicino alla natura che quasi lo soprannominavano ‘un contadino.’ Mi ha consigliato di studiare Frantisek Kupka. Ho studiato il suo processo di astrazione e la sua prospettiva cosmica e mistica. Soprattutto, ho imparato più di ogni altra cosa il suo amore per la vita e la sua volontà di mantenere i suoi pensieri. Quando sono tornato in Corea, ho pensato di nuovo a Kandinsky. Penso che il suo desiderio di trovare una verità oggettiva e universale nell'arte sia una sfida impossibile. Credo che l'arte sia soggettiva e personale più di ogni altra cosa. Quando cerco il mio lato più profondo, posso comunicare con l'interno degli altri. Penso che l'arte possa essere un mezzo che collega il microcosmo (umano) e il macrocosmo (mondo). In particolare, il colore è il soggetto della mia ricerca. Sto cercando il colore come aggettivo. Mi piace l'atteggiamento di Richter verso il lavoro, la sua passione per la pittura e lo spirito di sperimentazione. Forse On Kawara? Mi piace il suo lavoro, con cui voleva dimostrare di essere vivo, e voglio dimostrare a me stesso lavorando ogni giorno che sono ancora vivo, emotivamente e sensibilmente. I miei pensieri su Wassily Kandinsky e molti altri Minimalisti sono molto diversi dalla prospettiva generale. Non sono d'accordo con il loro punto di vista artistico."

Kyong Lee - Picture with White, 2008. Acrilico su tela, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman cita influenze che includono artisti (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman e Andy Warhol), designer (Saul Bass e Roy Kuhlman) e architetti (Le Corbusier). Ma parla anche dei modi personali in cui la cultura ha influenzato la sua arte, come nell'aneddoto seguente:

"L'azienda di mio padre era la segnaletica. Come la maggior parte dei bambini urbani in America, sono cresciuto sul sedile posteriore di un'auto, iper consapevole di cartelloni pubblicitari e neon. Stimoli visivi diretti e accattivanti facevano parte della mia psiche. Recentemente stavo visitando il MoMA a New York e sono stato nuovamente colpito dal dipinto di Barnett Newman “Vir Heroicus Sublimis” (Uomo, Eroico e Sublime) (1950-51). La mia risposta viscerale alla sua potenza, immediatezza e semplicità è stata travolgente, riaffermando il mio passato visivo e la mia identità."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache su carta Khadi fatta a mano. 33.1 x 33.1 cm

Brent Hallard

"Per me, è stato Mondrian. Gli artisti astratti di quel tempo lavoravano più concettualmente con l'astrazione, nel senso che amavano l'idea, mentre Mondrian lavorava a ritroso attraverso la meccanica e ne usciva reinventando il piano dell'immagine. Non molti lo hanno fatto da allora. Poi ho pensato che ci dovessero essere altri modi per entrare in questo strano spazio che Mondrian aveva così chiaramente dominato. [Ellsworth] Kelly e [Robert] Mangold hanno mostrato altri modi per esprimere questo ‘altro’ spazio. L'esperienza di questi artisti mi ha dato spazio per apprezzare davvero gli sforzi dei miei pari e per sforzarmi di superare il prossimo limite."

Brent Hallard - Clouds, 2013. Acrilico su carta. 25.4 x 35.6 cm

Audrey Stone

"Ho amato e pensato spesso al lavoro di Vija Celmins. La sua intensa osservazione e l'esecuzione calma sono per me molto ispiranti. Louise Bourgeois mi ha sempre ispirato con la sua determinazione a esprimersi nel miglior mezzo per le sue idee. Un'ispirazione più ovvia sarebbe Agnes Martin, amo la sua riservatezza sicura, e Mark Rothko per l'impatto emotivo che il suo lavoro può suscitare."

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. Filo, inchiostro e grafite su carta. 43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auville menziona i bunker tedeschi dell'epoca della Seconda Guerra Mondiale che costeggiano la costa atlantica francese. Dice: “La maggior parte delle persone li considera brutte cicatrici. Ai miei occhi, la loro sostanza faceva parte del paesaggio, il tempo li ha fusi con la sabbia, le dune e il mare o con le pitture che gli artisti di strada vi hanno steso sopra.” Inoltre, Auville è stato influenzato da questa esperienza della sua giovinezza:

"All'età di sei o sette anni, ho avuto il privilegio di visitare la Grotta di Lascaux nel Sud-Ovest della Francia. È stato uno shock per me. I miei genitori acquistarono alcuni facsimili come souvenir e passai ore a guardarli nel seminterrato di casa nostra chiedendomi cosa facesse la differenza tra le immagini e l'opera d'arte reale. La differenza era ovvia, ma faticavo a capirne la sostanza. Accendevo e spegnevo la luce, incollavo sabbia sulle immagini nel tentativo di replicare la sostanza delle pitture di Lascaux, ma non raggiunsi mai quella che pensavo fosse la loro anima."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Cemento pigmentato su pannelli di schiuma. Struttura e cornice per appendere sul retro. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan menziona influenze che vanno da artisti (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) a designer di album (Hipgnosis, Peter Saville), a musicisti (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Dice:

"Negli anni prima della mia pubertà, il linguaggio visivo di Piet Mondriaan riceveva molta attenzione nei Paesi Bassi. Ero troppo giovane per pensare in termini di arte, ma Mondriaan era lì, ed era intrigante. E lo è ancora! Poco dopo ho conosciuto i Suprematisti che, come me, prendevano le forme geometriche come punto di partenza. Poiché le mie sorelle hanno circa cinque anni più di me, ho scoperto (tramite i loro fidanzati) nei primi anni dell'adolescenza la musica ‘progressiva’ e il design delle copertine che la accompagnava. Non sorprende che volessi diventare un designer di copertine. Se dovessi scegliere un artista visivo che ha cambiato il mio modo di vedere le cose, sarebbe Ellsworth Kelly. A metà degli anni '80 il Stedelijk Museum di Amsterdam acquistò “Blue Curve VI” ([1983]). Andavo regolarmente a guardarla e studiavo il linguaggio visivo. Ma ora, forse più importante, sono guidato anche dalla mia reazione personale all'arte... Ho iniziato a riflettere sull'arte... lo scopo, il significato, oh cielo."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Inchiostro Ultrachrome HD su carta Hannemuhle. 29.7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Gli insegnamenti di Josef Albers influenzano il mio modo di pensare al posizionamento dei colori in diversi contesti. E gli skyspaces di James Turrell hanno influenzato il mio modo di pensare al posizionamento del colore atmosferico in diversi contesti. In generale, l'estetica complessiva delle mie serie Paper Skies e Moving Pictures è fortemente influenzata da pittori americani moderni come Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella, ecc."

Brenda Biondo - Paper Sky n. 21 (Grande), 2015. Stampa a sublimazione su alluminio (finitura opaca/lucida). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"Ho scoperto, più di 20 anni fa, la cappella di Ronchamp, un'opera tardiva dell'architetto Charles Edouard Jeanneret, noto come Le Corbusier. Non ho mai provato, né prima né dopo, una tale percezione della correttezza delle possibilità tra massività ed elevazione. Da allora è iniziata per me questa lunga ricerca, che ancora oggi mi alimenta, con l'obiettivo di avvicinarmi al rapporto più appropriato tra pieno e vuoto."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum e acquaforte su rame. Stampa su carta bfk rives 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Vorrei parlare dell'artista che mi ha ispirato per decenni, più di qualsiasi altro artista: Matisse, un artista che si potrebbe studiare per tutta la vita. La sua opera ha preso molte strade grazie alla sua sperimentazione e alla ricerca di nuove possibilità nella pittura. Sono opere belle, stimolanti, complesse, a volte dolci e serene, a volte difficili e impegnative—riflesso di come è la vita."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Acquerello su carta. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

Piuttosto che elencare le sue influenze, Cantrick cita gli artisti il cui lavoro la interessa di più, che ci sia o meno un collegamento diretto con il suo. La sua breve lista per moderno e contemporaneo:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé e Per Kirkeby. Questa è una lista eclettica e non esaustiva, ma ciò che hanno in comune è chiarezza, complessità e vitalità—che sono le mie stesse preoccupazioni—espresse attraverso colori forti e struttura, forme distinte e uno spazio pittorico poco profondo. Per il pre-moderno, Vermeer, Degas e Manet sono in cima alla mia lista, per, ancora una volta, quel trio di attributi: chiarezza, complessità, vitalità. Inoltre: la tensione nella resa solida di Vermeer trasmette un’immobilità incredibilmente palpabile—la sospensione del tempo. Il modo particolare di Degas di punteggiare il suo spazio con aree “silenziose”, non animate e/o un forte elemento verticale favorisce una visione prolungata e ritmica. E c’è un’immediatezza e freschezza in Manet che, a parte tutta la sua maestria, è, nel suo meglio, coinvolgente."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Acrilico su lino. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"Nel mio caso non sono stata influenzata da un singolo artista in particolare, ma piuttosto dalla comunità artistica in cui sono cresciuta a Chicago. C’erano artisti ovunque nel mio quartiere, chiamato Lincoln Park o Old Town, e quando da pre-adolescente ho mostrato interesse per il disegno, sono stata incoraggiata a frequentare la scuola affiliata al meraviglioso Art Institute of Chicago per il disegno della figura. Lì ho potuto attraversare direttamente il Museo con la sua famosa collezione impressionista per entrare nella scuola. Penso che questo abbia fondamentalmente formato il mio interesse per la linea, il gesto e il colore."

Anne Russinof - Look See, 2014. Olio su tela. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"La mia [Lineage] artistica si trova in artisti che combinano un approccio "riduttivo" alla creazione di immagini/oggetti con un’attenzione alla superficie e ai dettagli sottili. Mi vengono in mente Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros e Sol Lewitt. Inoltre, il lavoro scultoreo di Richard Serra, Carl Andre e Fred Sandback, con il loro particolare uso dello spazio tridimensionale, continua a ispirare il mio approccio alla pittura."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Acrilico su tela. 122 x 96,9 cm