18 Artisti Astratti Contemporanei Parlano della Loro Linea

È pericoloso e impossibile insegnare l'arte. Eppure è anche imperativo. Perché l'arte esista, gli artisti devono imparare a diventare ciò che diventeranno e a creare ciò che creeranno. Alcuni impareranno a scuola, da altri esseri umani imperfetti come loro che, per qualunque ragione, si sono assunti il compito pericoloso, impossibile e imperativo di condividere con gli altri ciò che hanno imparato. Altri artisti troveranno insegnanti fuori dall'aula. Potrebbero imparare cosa significhi essere artisti frequentando altri artisti alle inaugurazioni o nei bar. Potrebbero imparare cosa significhi fare arte guardando video online o decostruendo l'arte che vedono nei musei o nei libri. Alcuni artisti potrebbero insegnare a se stessi ciò che sono seguendo l'ispirazione che ricevono dall'architettura e dal design, semplicemente reagendo ai pensieri e ai sentimenti che provano interagendo con l'ambiente costruito quotidiano e con i suoi innumerevoli prodotti e spazi. Altri ancora potrebbero imparare a essere artisti semplicemente abbracciando - e poi coltivando - la loro interiore compulsione a creare. Il processo del fare può insegnarci come fare. Il processo dell'essere può insegnarci ciò che vogliamo essere. Alla fine, chiunque attraversi il processo di apprendimento fino al momento in cui riesce a dire la frase «Sono un artista» senza sentire che sia una bugia avrà una storia da raccontare sui propri insegnanti. Oggi vi presentiamo una raccolta di storie di questo tipo, raccontate da artisti abbastanza coraggiosi da condividere le proprie genealogie formative. Sono coraggiosi perché dichiarare la propria eredità estetica o concettuale li espone a una terribile minaccia. Tu, lettore, potresti renderti conto che un artista è stato allievo di un altro artista o che è stato ispirato da questa o quella cosa, e scambiare ciò per una scorciatoia. Potresti dire: «Ah! Ora vedo chi stanno copiando» oppure «Ora capisco la loro arte!». Invece, mentre leggi questi aneddoti su come questi 18 artisti sono diventati ciò che sono, lascia che le informazioni amplino la tua percezione. Segui ogni filo e vai più a fondo. Potresti intravedere la bellezza pericolosa, impossibile e imperativa di ciò che significa davvero insegnare e imparare l'arte.

Anya Spielman

Spielman è stata allieva di Wayne Thiebaud all'Università della California a Davis. A proposito degli altri suoi insegnanti, dice:

"Una grande influenza per me è stata vedere il trittico di Hieronymus Bosch, “Il giardino delle delizie terrene”, al Prado quando ero adolescente. Sono rimasta folgorata dall’iconografia, oltre che dal colore sontuoso e dalle composizioni intricate delle sue opere. Ho reagito immediatamente alla dualità nell’opera di Bosch: la sua tavolozza aspra e luminosa: tonalità di nero inchiostro, terra d’ombra, rosa pallido, osso, vermiglio e azzurrite; le curve dei suoi traslucidi baccelli del piacere nell’Eden, contrapposte alla discesa psicologica e fisica, lancinante, verso un inferno allucinatorio. Il genio visionario di Bosch ha reso la natura umana in tutte le sue forme, con un’intimità e una forza dirette che trovo incredibilmente rare ancora oggi."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Olio su pannello. 15.3 x 15.3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin ha studiato con Louis Finkelstein mentre era studentessa laureata al Queens College della City University of New York. Nella stessa università ha studiato con Benny Andrews, formatosi come espressionista astratto alla School of the Art Institute of Chicago negli anni Cinquanta; Clinton Hill, assistente di studio di Mark Rothko; il critico d’arte e Associate Editor di Artforum Robert Pincus-Witten, che a suo dire “ha affinato il mio occhio critico”; e Charles Cajori, allievo di Hans Hofmann. Dice Sirlin:

"[Lineage] è davvero una questione complessa. Anche i collegamenti con gli artisti si sviluppano trasversalmente. Anne Truitt è stata importante per me quando ero una giovane artista a Yaddo. Melissa Meyer era lì anch’essa quell’estate [1983]. Erin Lawlor era la mia compagna di studio al Rothko Centre in Lettonia. Jose Heerkens era al Rothko Centre nello stesso periodo, insieme a noi [2016]. Kara Walker era una studentessa quando insegnavo all’Atlanta College of Art, e Kara e io abbiamo esposto nella stessa Biennale di Atlanta nel 1992. Poi ci sono gli altri artisti: scrittori e drammaturghi. Hayden Herrera [biografa di Frida Kahlo e Arshile Gorky] è stata la mia mentore come scrittrice d’arte. Chris Kraus [I Love Dick] e io eravamo insieme a Yaddo... Ero una cara amica del drammaturgo Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Era sceneggiatore per Warhol... Spero di non averti confuso con questa risposta aggiuntiva."

Deanna Sirlin - Meraviglia, 2015. Tecnica mista su tela. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

“Quando ho iniziato a dipingere, sono stato fortemente influenzato da Picasso. Mi attiravano il suo uso del colore e il modo di tracciare i segni, in particolare in “Ragazza davanti a uno specchio” (1932). In seguito, quando ho iniziato a dipingere in modo più espressionista astratto, mi sono sentito maggiormente attratto da Joan Mitchell e Willem De Kooning. Tuttavia, ho iniziato a osservare davvero il loro lavoro dopo aver dipinto in questo modo, non prima.”

Brenda Zappitell - Al momento, 2017. Flashe e acrilico con cera fredda su pannello. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

In un’intervista del 2006 per Minus Space NY, il pittore Chris Ashley chiese a Göttin da dove inizia come artista. Göttin rispose:

La storia dell’arte talvolta finge che un particolare movimento artistico sia un’entità completa. L’uso del termine “concreto” non coincide necessariamente con il retroterra ideologico della Konkrete Kunst, che si fondava anche su idee riguardanti la società e la politica. La mia riflessione riguarda un’entità che può includere anche contraddizioni: un sì e un no, e persino un forse. Il mio punto di partenza è una sintesi simultanea di opinioni o posizioni diverse, che per me rappresenta una visione spaziale. Può essere evidente o sottile, simmetrica o asimmetrica, o entrambe le cose insieme, con o senza contraddizioni. Può unire regola e deviazione. Alcune delle prime opere che ho realizzato erano collage legati al lavoro di Kurt Schwitters (Merz): qualsiasi materiale trovato, incollato alla meglio su un pezzo di cartone - fisico, diretto, improvvisato, accidentale, colorato, persino dadaista. In seguito mi sono interessato alla Minimal Art, nella quale l’opera è spesso progettata con precisione e costruita in modo perfetto e chiaro, con un uso definito dei materiali e attenzione ai dettagli. Entrambi i movimenti sono importanti per me e talvolta vedo il mio lavoro portare con sé elementi di entrambi, collocandosi tra queste due posizioni della storia dell’arte.

Daniel Göttin - Senza titolo 2 (Rosa), 1992. Acrilico su pavatex. 97 x 58.5 x 3 cm

Gary Paller

"È piuttosto difficile comprendere le proprie influenze, almeno per me, poiché lavoro soprattutto d'istinto e non tanto in modo consapevole. Penso che i miei anni formativi come studente d'arte alla UCLA (BA 74, MFA 77) abbiano contribuito in larga misura a formare la persona che sono. A quei tempi la UCLA era una scuola di pittura a tutti gli effetti, con un orientamento europeo/modernista. Per il mio primo corso di pittura, ero stato iscritto al corso introduttivo con Richard Diebenkorn (non avevo idea di chi fosse), ma lui e la dirigenza della facoltà ebbero alcuni problemi e il suo incarico fu terminato prima dell'inizio del corso. Così studiai con Richard Joseph, un realista moderno, che mi diede solide basi. Solo sei mesi dopo, lavorando in un corso di pittura più avanzato con Charles Garabedian, cominciai a sperimentare con l'astrazione. Nel corso degli anni, il professore che probabilmente ha avuto la maggiore influenza su di me è stato William Brice. Bill era un insegnante e amico molto eloquente, dignitoso, generoso, riflessivo e spiritoso. Essendo un artista prolifico e instancabile, parlava spesso della necessità di trascorrere tempo in studio per sviscerare le cose, e che tutto il resto è meno importante. Penso spesso a lui e mi sento così fortunato ad averlo conosciuto a lungo. Ci sono voluti diversi anni per liberarmi dall'idea di essere uno studente e dal sentire nella mia testa le voci dei miei vecchi professori ogni volta che dipingevo, ma con il tempo ho acquisito una chiara consapevolezza di chi sono e della responsabilità che ho di realizzare opere che diano forma alla mia visione. Spesso vedo aspetti di altri artisti nel mio lavoro, a volte con la sensazione che ci sia davvero un legame dovuto alle stesse idee, altre volte invece mi sembra che qualsiasi somiglianza sia solo superficiale. Alla fine, lasciamo che siano gli scrittori d'arte a parlare delle influenze."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Inchiostro su carta. 37.8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) è stato il mio insegnante di incisione 25 anni fa. Ci incontrammo per la prima volta quando soggiornavo al Fine Arts Work Center di Provincetown, dove Michael teneva un workshop di una settimana sull'incisione. Molti aspetti del nostro primo incontro mi sono rimasti impressi: Michael era una persona incredibilmente empatica e sensibile alle questioni sociali, non solo nei soggetti che sceglieva (disegni e stampe dei pazienti sofferenti di un ospedale psichiatrico e di animali dietro le sbarre in uno zoo), ma anche nelle nostre conversazioni a tu per tu sulla vita. Mi insegnò a essere generosa attraverso l'esempio, come modo per bilanciare l'autoreferenzialità dello studio. Non c'era nulla sulla sua tecnica o sulla costruzione di una carriera artistica che Michael non volesse condividere. Michael trascorse del tempo in Cina alla fine degli anni Ottanta e fu grazie al suo amore per il paesaggio asiatico che imparai a semplificare i miei gesti, a dipingere con un'economia espressiva, qualcosa che mi sta molto a cuore. Non dimenticherò mai il suo senso dell'umorismo quando mi diceva: «Tracey, questo è ungepatchke!», una parola yiddish che significa troppo elaborato e decorato."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafite e inchiostro su rives. 66 x 50,8 cm

Kyong Lee

Lee cita come prima fonte d'ispirazione un acquerello di Paul Cezanne che vide a 11 anni e che le lasciò «un'impressione indimenticabile». Prosegue dicendo:

"Il mio professore, Klaus Stümpel, era così vicino alla natura da essere quasi soprannominato «un contadino». Mi consigliò di studiare Frantisek Kupka. Studiai il suo processo di astrazione e la sua prospettiva cosmica e mistica. Soprattutto, imparai più di ogni altra cosa dal suo amore per la vita e dalla sua volontà di conservare i propri pensieri. Quando tornai in Corea, pensai di nuovo a Kandinsky. Credo che il suo desiderio di trovare nell'arte una verità oggettiva e universale sia una sfida impossibile. Penso che l'arte sia soprattutto soggettiva e personale. Quando esploro il mio lato interiore più profondo, riesco a comunicare con l'interiorità degli altri. Penso che l'arte possa essere un mezzo di connessione tra il microcosmo (l'essere umano) e il macrocosmo (il mondo). In particolare, il colore è il tema della mia ricerca. Cerco il colore come aggettivo. Mi piacciono l'atteggiamento di Richter nei confronti del lavoro, la sua passione per la pittura e lo spirito di sperimentazione. Forse On Kawara? Mi piace il suo lavoro, con cui voleva dimostrare di essere vivo, e voglio dimostrare a me stessa, lavorando ogni giorno, di essere ancora viva, emotivamente e sensibilmente. Le mie idee su Wassily Kandinsky e su molti altri minimalisti sono molto diverse dalla prospettiva generale. Non concordo con il loro punto di vista artistico."

Kyong Lee - Quadro con il bianco, 2008. Acrilico su tela, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman cita tra le sue influenze artisti (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Matisse, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman e Andy Warhol), designer (Saul Bass e Roy Kuhlman) e architetti (Le Corbusier). Ma parla anche dei modi personali in cui la cultura ha influenzato la sua arte, come nel seguente aneddoto:

"L'attività di mio padre consisteva nella realizzazione di insegne. Come la maggior parte dei bambini di città americani, sono cresciuta sul sedile posteriore di un'auto, pienamente consapevole dei cartelloni pubblicitari e delle insegne al neon. Gli stimoli visivi diretti e capaci di catturare l'attenzione facevano parte della mia psiche. Recentemente ho visitato il MoMA di New York e sono rimasta nuovamente colpita dal dipinto di Barnett Newman «Vir Heroicus Sublimis» (L'uomo eroico e sublime) (1950-51). La mia risposta viscerale alla sua forza, immediatezza e semplicità è stata travolgente, riaffermando il mio passato e la mia identità visiva."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache su carta Khadi fatta a mano. 33,1 x 33,1 cm

Brent Hallard

"Per me, era Mondrian. Gli artisti astratti di quel periodo lavoravano in modo più concettuale con l'astrazione, cioè apprezzavano l'idea in sé, mentre Mondrian procedeva a ritroso attraverso i meccanismi e ne usciva dall'altra parte reinventando il piano dell'immagine. Da allora, non molti hanno fatto lo stesso. Ho quindi iniziato a pensare che dovessero esserci altri modi per accedere a quello strano spazio che Mondrian sapeva gestire così chiaramente. [Ellsworth] Kelly e [Robert] Mangold mostrarono altri modi di esprimere questo «altro» spazio. L'esperienza di questi artisti mi ha dato modo di apprezzare davvero il lavoro dei miei contemporanei e di impegnarmi per superare l'involucro successivo."

Brent Hallard - Nuvole, 2013. Acrilico su carta. 25,4 x 35,6 cm

Audrey Stone

"Ho amato e pensato spesso al lavoro di Vija Celmins. La sua osservazione intensa e la sua esecuzione pacata mi ispirano molto. Louise Bourgeois mi ha sempre ispirato con la sua determinazione a esprimersi attraverso il mezzo più adatto alle sue idee. Un'ispirazione più ovvia sarebbe Agnes Martin: amo la sua riservatezza sicura, e Mark Rothko per l'impatto emotivo che il suo lavoro riesce a generare."

Audrey Stone - N. 61, 2011. Filo, inchiostro e grafite su carta. 43,2 x 35,6 cm

Pierre Auville

Auville cita i blockhaus tedeschi dell'epoca della Seconda guerra mondiale che costeggiano la costa atlantica francese. Dice: «La maggior parte delle persone li considera brutte cicatrici. Ai miei occhi, la loro sostanza faceva parte del paesaggio: il tempo li aveva fusi con la sabbia, le dune e il mare, o con i dipinti che gli artisti di strada realizzavano su di essi». Inoltre, Auville fu segnato da questa esperienza della sua giovinezza:

"All'età di sei o sette anni ebbi il privilegio di visitare la grotta di Lascaux, nel sud-ovest della Francia. Fu uno shock per me. I miei genitori acquistarono alcune riproduzioni come souvenir e trascorsi ore a guardarle nel seminterrato della nostra casa, chiedendomi che cosa distinguesse le immagini dalle opere d'arte originali. La differenza era evidente, ma facevo fatica a coglierne la sostanza. Accendevo e spegnevo la luce, incollavo sabbia sulle immagini nel tentativo di replicare la sostanza dei dipinti di Lascaux, ma non raggiunsi mai quella che consideravo la loro anima."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Cemento pigmentato su pannelli in schiuma. Telaio strutturale e per appendere sul retro. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan cita influenze che spaziano dagli artisti (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) ai designer di album (Hipgnosis, Peter Saville), fino ai musicisti (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Dice:

"Negli anni precedenti alla mia pubertà, il linguaggio visivo di Piet Mondriaan riceveva molta attenzione nei Paesi Bassi. Ero troppo giovane per pensare in termini d'arte, ma Mondriaan era semplicemente lì, ed era intrigante. E lo è ancora! Poco dopo conobbi i suprematisti che, come me, prendevano le forme geometriche come punto di partenza. Poiché le mie sorelle hanno circa cinque anni più di me, nei primi anni dell'adolescenza scoprii, tramite i loro fidanzati, la musica «progressiva» e il relativo design delle copertine. Non sorprende che volessi diventare un designer di copertine. Se dovessi scegliere un artista visivo che ha cambiato il mio modo di guardare le cose, sarebbe Ellsworth Kelly. A metà degli anni Ottanta lo Stedelijk Museum di Amsterdam acquistò “Blue Curve VI” (1982). Andavo regolarmente a guardarlo e studiavo il linguaggio visivo. Ma ora, forse cosa ancora più importante, sono guidato anche dalla mia reazione all'arte... Ho cominciato a riflettere sull'arte... sullo scopo, sul significato, mio Dio."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Inchiostro Ultrachrome HD su carta Hahnemühle. 29.7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Gli insegnamenti di Josef Albers influenzano il modo in cui penso all’inserimento dei colori in contesti diversi. E gli skyspace di James Turrell hanno influenzato il modo in cui penso all’inserimento del colore atmosferico in contesti diversi. In generale, l’estetica complessiva delle mie serie Paper Skies e Moving Pictures è fortemente influenzata da pittori americani moderni come Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella, ecc."

Brenda Biondo -Paper Sky n. 21 (Large), 2015. Stampa a sublimazione di colore su alluminio (finitura opaca/lucida). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"Più di 20 anni fa ho scoperto la cappella di Ronchamp, un’opera tarda dell’architetto Charles Edouard Jeanneret, noto come Le Corbusier. Né prima né dopo ho provato una simile percezione della correttezza delle possibilità tra la massività e l’elevazione. Da allora è iniziata per me questa lunga ricerca, che ancora oggi mi alimenta, volta ad avvicinarmi alla relazione più appropriata tra pieno e vuoto."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum e puntasecca su rame. Stampa su carta bfk rives da 250 g. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Vorrei parlare dell’artista che mi ha ispirata per decenni, più di ogni altro artista: Matisse, un artista che si potrebbe studiare per tutta la vita. Il suo lavoro ha seguito così tante direzioni grazie alla sua sperimentazione e alla ricerca di nuove possibilità nella pittura. Sono opere belle, edificanti e complesse, a volte piacevoli e serene, a volte difficili e impegnative, riflesso di ciò che è la vita."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Acquerello su carta. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

Piuttosto che elencare le sue influenze, Cantrick cita gli artisti il cui lavoro la interessa di più, indipendentemente dal fatto che vi sia o meno un legame diretto con il proprio lavoro. La sua breve lista di artisti moderni e contemporanei:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé e Per Kirkeby. È un elenco eclettico e non esaustivo, ma ciò che hanno in comune è chiarezza, complessità e vitalità - le mie personali preoccupazioni - espresse attraverso colori e strutture forti, forme distinte e uno spazio pittorico poco profondo. Per i premoderni, Vermeer, Degas e Manet sono in cima alla mia lista, ancora una volta per quella triade di qualità: chiarezza, complessità, vitalità. Inoltre: la tensione nella solida resa di Vermeer trasmette una quiete incredibilmente palpabile - la sospensione del tempo. Il particolare modo di Degas di punteggiare il suo spazio con aree “silenziose” e/o non animate e con un forte elemento verticale favorisce una visione prolungata e ritmica. E in Manet c’è un’immediatezza e una freschezza che, al di là di tutta la maestria, nel suo momento migliore è avvincente."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Acrilico su lino. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"Nel mio caso non sono stata influenzata da un artista in particolare, quanto piuttosto dalla comunità artistica in cui sono cresciuta a Chicago. Nel mio quartiere, chiamato Lincoln Park o Old Town, c’erano artisti ovunque e, quando da preadolescente mostravo interesse per il disegno, fui incoraggiata a frequentare la scuola affiliata al meraviglioso Art Institute of Chicago per studiare il disegno dal vero. Per entrarci attraversavo direttamente il museo, con la sua celebre collezione impressionista. Penso che questo abbia fondamentalmente plasmato il mio interesse per la linea, il gesto e il colore."

Anne Russinof - Guarda e osserva, 2014. Olio su tela. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"La mia genealogia artistica si ritrova negli artisti che combinano un approccio “riduttivo” alla realizzazione di immagini/oggetti con un’attenzione alla superficie e ai dettagli più sottili. Mi vengono in mente Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros e Sol Lewitt. Inoltre, il lavoro scultoreo di Richard Serra, Carl Andre e Fred Sandback, con il loro particolare uso dello spazio tridimensionale, continua a ispirare il mio approccio alla pittura."

Macyn Bolt- Pugile ombra (B.2), 2015. Acrilico su tela. 122 x 96,9 cm

Fonti

• Trittico del Giardino delle delizie terrene, Museo Nacional del Prado: Supporta la descrizione dei pannelli del trittico dedicati al Paradiso, alle delizie terrene e all’Inferno.