Brice Marden e il trattamento calligrafico della linea

Oltre ai tradizionali pennelli, sparsi su un tavolo nello studio di New York di Brice Marden ci sono dozzine di bastoncini. Semplici bastoncini presi dai rami degli alberi, tranne che ogni bastoncino è colorato su una punta, risultato di essere stato immerso nell’inchiostro. Marden disegna con essi, creando simboli gestuali in colonne e file su carta, in composizioni evocative di poesia scritta su un rotolo. Tratti intuitivamente dall’immaginazione di Marden, i simboli sono parzialmente ispirati alla calligrafia cinese. Sono anche influenzati da oggetti chiamati gongshí, noti anche come pietre degli studiosi cinesi. Le rocce gongshí si trovano, o meglio vengono scelte, in natura. Sono apprezzate per le loro proprietà fisiche astratte e sono usate dagli studiosi per scopi contemplativi. Molto si può apprendere studiando le loro forme, le loro rughe, le loro perforazioni, il loro equilibrio asimmetrico, la lucentezza delle loro superfici, le loro qualità tattili, i loro colori e la loro somiglianza con le cose naturali. Come nei dipinti che Marden realizza, le potenzialità all’interno delle gongshí attendono di essere scoperte, nascoste in bella vista tra gli strati e le linee.

L’Immagine Piana

Brice Marden divenne noto come pittore negli anni Sessanta. Conseguì il suo MFA presso la Yale University nel 1963 e si trasferì a New York nello stesso anno. Gli fu rapidamente offerto un lavoro come guardia di sicurezza al Museo Ebraico. Lì poté studiare le opere dei suoi contemporanei più affermati. In quel periodo, molti dei suoi colleghi artisti provavano un malessere generale verso la pittura. Alcuni deridevano la tela rettilinea di sempre, sperimentando tele formate in forme insolite forme. E molti artisti arrivarono persino a dichiarare apertamente la morte della pittura.

Ma Marden non poteva essere più in disaccordo. A suo avviso c’era ancora molto da fare per la pittura. Intorno al 1964, iniziò concentrando la sua attenzione su il piano del dipinto. Detto in altro modo, il piano si riferisce alla totalità della superficie di un dipinto. Qualsiasi cosa un pittore aggiunga al dipinto esiste all’interno del piano. Gran parte del Modernismo si concentrava sull’appiattire il piano il più possibile, eliminando la prospettiva, la spinta e la trazione, o qualsiasi cosa che aggiungesse profondità all’immagine. Per raggiungere l’epitome di questo obiettivo, Marden iniziò a dipingere monocromi, che considerava la massima manifestazione della piattezza. Chiamò la sua versione del monocromo Immagine Piana, perché, come disse, “il piano era l’immagine.”

Brice Marden - Il Dipinto Dylan, 1966. Olio e cera d’api su tela. 153,35 x 306,07 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

In Lode dei Rettangoli

Per quanto riguarda la derisione che i pittori degli anni Sessanta nutrivano per la tela rettilinea, Brice Marden non è mai stato, e non è tuttora, tra i detrattori. Considera il rettangolo la forma suprema per un dipinto. In un’intervista alla National Gallery of Art nel 2014, disse: “Il rettangolo è una grande invenzione umana. Negli anni ’60 c’era molto questo discorso sulle tele sagomate. Ma a me piaceva davvero il rettangolo. E pensavo che se si riuscisse a trovare il colore esatto per quella forma, e lo si avesse davvero giusto, se si avesse una correttezza assoluta della forma, chissà cosa quel dipinto sarebbe capace di fare.”

Quell’idea, che un dipinto possa fare qualcosa, rivela in Marden un profondo rispetto per l’arte in generale, e in particolare per la pittura. Negli anni in cui realizzava i suoi monocromi, si svolgeva un dibattito più ampio su cosa fosse e potesse essere l’arte. L’idea popolare era che l’arte potesse essere qualsiasi cosa, e che tutto fosse potenzialmente arte. Marden non era d’accordo. Difendeva l’arte come un impegno umanistico, insistendo che un’opera d’arte dovesse essere fatta da mani umane. Durante gli anni Sessanta e Settanta, si fece un nome difendendo la pittura attraverso i suoi audaci monocromi dipinti su rettangoli senza scuse. Questo lavoro lo rese famoso, e nel 1975 fu considerato uno dei maestri del Minimalismo, ricevendo una retrospettiva personale al Guggenheim di New York.

Brice Marden - Le Stagioni, 1974-75. Olio su tela. 243,8 x 632,5 cm. The Menil Collection, Houston, TX. © Brice Marden

L’Occidente incontra l’Oriente

Proprio mentre Marden raggiungeva l’apice della sua fama negli anni Settanta, iniziava anche a cercare nuove direzioni per la sua arte. All’inizio degli anni Ottanta trovò l’ispirazione che cercava, quando una serie di incontri con la cultura orientale lo spinse verso un nuovo rapporto con l’immagine dipinta. In particolare, notò la calligrafia cinese, ammirando sia le linee gestuali dei singoli simboli sia la qualità a griglia delle colonne e delle file dei dittici scritti.

Iniziò una serie di dipinti, basati sull’estetica calligrafica, chiamata dipinti Cold Mountain. Per realizzarli, dipingeva uno strato di simboli calligrafici astratti e intuitivi, poi raschiava via la pittura e dipingeva un altro strato di simboli, ripetendo il processo fino a risolvere la composizione. Il nome Cold Mountain fu ispirato dai Poemi di Cold Mountain, una serie di centinaia di poesie scritte da un monaco eremita cinese di nome Hanshan nel IX secolo. La tavolozza sobria e l’aspetto calligrafico dei dipinti richiamano l’estetica dei rotoli poetici, mentre le loro immagini gestuali e stratificate evocano lo spirito delle poesie, che abbracciavano la libertà, la natura e la ricerca dell’armonia.

Brice Marden - Cold Mountain 6 (Ponte), 1989-1991. Olio su lino. 108 × 144 in. 274,3 × 365,8 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

Le Pietre degli Studiosi

Oltre alla calligrafia, l’altra grande influenza orientale su Marden fu il suo incontro con le gongshí, o pietre degli studiosi cinesi. Si dice che nelle pietre sia visibile il mondo intero e tutta la vita. Negli ultimi anni, Marden ha raccolto una collezione di pietre degli studiosi nel suo studio. Ne esplora le complessità, i motivi, gli strati, le relazioni cromatiche e le armonie complesse che osserva in esse. Queste osservazioni si sono manifestate in una serie chiamata dipinti Red Rocks.

Nei dipinti Red Rocks, Marden lavora di nuovo a strati, creando forme lineari, raschiandole, dipingendole sopra e accumulando gradualmente la pittura fino a che l’immagine si risolve. Le forme finali in questi dipinti sembrano riferirsi più direttamente alle forme naturali evidenti nelle pietre. Ma contengono ancora l’energia gestuale dei suoi segni calligrafici, conferendo un senso costante di movimento alle composizioni.

Brice Marden - Rocce Arancioni, Terra Rossa 3, 2000-2002. Olio su lino. 75 x 107 in. © Brice Marden

È Tutto Nel Dipinto

Inoltre, nei suoi dipinti Red Rock, Marden estende l’uso della linea fino ai bordi più estremi della tela, usando la linea come modo per delineare il bordo della cornice, rafforzando la percezione dei limiti rettangolari dell’opera. Parlando recentemente di questi lavori, ha osservato che la sua scelta di usare la linea in questo modo era legata a questioni sulla natura dei dipinti e su come venivano interpretati. Ha detto: “Questa immagine non è un dettaglio. Questa immagine è se stessa. Nulla accade al di fuori di essa. È questo tutto il discorso sulla cornice.”

Questa affermazione, che nulla accade al di fuori del dipinto, e che tutto ciò che è essenziale è contenuto in esso, è fondamentale per i temi generali delle tradizioni orientali che hanno ispirato le opere lineari calligrafiche di Marden. È un’alternativa alla percezione culturale che gli esseri umani esistano in qualche modo al di fuori della natura e possano operare indipendentemente da essa. La realtà è che gli esseri umani fanno parte della natura, non ne sono separati osservandola dall’esterno. Tutto è nella natura, compresi noi. Nulla accade al di fuori di essa.

Brice Marden - Ritorno I, 1964-65. Olio su tela. 50 1/4 x 68 1/4" (127,6 x 173,4 cm). Collezione MoMA. Dono frazionale e promesso di Kathy e Richard S. Fuld, Jr. © 2019 Brice Marden / Artists Rights Society (ARS), New York

Linee Sfocate

Guardando ai sei decenni di lavoro di Brice Marden, si notano coerenze che attraversano tutta la sua opera. La sua tavolozza è costantemente smorzata, e ha sempre abbracciato i rettangoli, sia direttamente nelle sue opere monocrome a pannelli rettangolari sia indirettamente nelle sue composizioni lineari calligrafiche. Ma ci sono stati anche profondi cambiamenti, mentre si è spostato dal cercare la totale piattezza con l’Immagine Piana ad abbracciare un senso stratificato di profondità nel suo lavoro lineare.

Per Marden, questi cambiamenti rappresentano un elemento della pittura che apprezza. Ogni dipinto che osserva di ogni fase della sua carriera è un ricordo di chi era in quel momento. Poter tornare indietro e incontrare quelle opere gli offre la sensazione di essere radicato in qualcosa di immutabile, nonostante il cambiamento costante. Come ha espresso una volta, “Una delle cose di un dipinto è che rimane così. E puoi tornarci. E ogni volta che ci torni sei diverso, ma è lo stesso. È una cosa stabile.”

Immagine in evidenza: Brice Marden - Seconda Lettera, Primavera Zen (dettaglio), 2006 – 2009. Olio su lino. © Brice Marden
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio