Catturare la Transitorietà del Tempo - La Fotografia di Hiroshi Sugimoto

Doppie mostre in corso fino al 22 dicembre nelle sedi di Parigi e Londra della Marian Goodman Gallery esplorano l’opera di Hiroshi Sugimoto, acclamato fotografo, scultore e artista concettuale, il cui lavoro affronta i misteri della percezione umana. La mostra di Londra, intitolata Snow White, si concentra su un corpo di fotografie su cui Sugimoto lavora dal 1978, chiamato la sua serie Teatro. Ogni fotografia della serie mostra un cinema con lo schermo al centro dell’immagine. Lo schermo brilla luminoso, come una luce d’argento. Per scattare queste foto, Sugimoto sistema una macchina fotografica a grande formato, apre l’otturatore e lo mantiene aperto per tutta la durata del film, catturando ogni fotogramma del film su un solo fotogramma di pellicola. Le fotografie catturano il passare del tempo e sollevano domande su ciò che è reale e ciò che è finzione. Nel frattempo, la mostra di Parigi, intitolata Surface Tension, si concentra su altri due corpi di lavoro su cui Sugimoto ha lavorato. Il primo è la sua serie Paesaggi Marini, che sviluppa dal 1980. Per questa serie, Sugimoto fotografa mari calmi in tutto il mondo. Ogni foto è perfettamente bilanciata—metà acqua e metà aria, con la linea dell’orizzonte al centro dell’immagine. E in mostra insieme alle immagini dei Paesaggi Marini ci sono cinque opere scultoree di una serie chiamata Cinque Elementi. Queste sculture consistono in cinque forme geometriche, simbolo di terra, acqua, fuoco, aria e vuoto. Ogni scultura presenta un globo, simbolo dell’acqua, e ogni globo contiene una fotografia della serie Paesaggi Marini. Entrambe queste mostre sono da non perdere. Ma come spesso accade con le mostre di Sugimoto, esse sfiorano solo la superficie della vasta opera che questo artista ha creato. Quindi, se non conoscete il suo lavoro, ecco alcuni altri aspetti delle molteplici sfaccettature di Hiroshi Sugimoto.

Vedere come una macchina fotografica

Hiroshi Sugimoto è nato a Tokyo nel 1948. Ha imparato a scattare fotografie da bambino, ma non ha considerato la fotografia come carriera fino a molto più tardi. Ha studiato economia all’Università di San Paolo in Giappone. Ma quattro anni dopo la laurea, Sugimoto si è trasferito a Los Angeles e si è iscritto a corsi di laurea presso l’Art Center College of Design. E nello stesso anno ha avuto una rivelazione sul potenziale artistico della fotografia di rivelare verità nascoste sul mondo. La sua rivelazione è avvenuta durante un viaggio a New York, durante il quale ha visitato l’American Museum of Natural History. Il museo è noto per i suoi diorami, in cui modelli a grandezza naturale di persone e animali di varie epoche sono presentati tra reperti del loro periodo. Sullo sfondo di ogni diorama c’è una fotografia o un dipinto della natura, che aggiunge un elemento bidimensionale alla scena, chiaramente finto e di solito un po’ banale.

Mentre fissava uno di questi diorami, Sugimoto chiuse casualmente un occhio. Questo gli fece capire improvvisamente che guardando qualcosa con un solo occhio si appiattiva l’intera scena, facendola apparire proprio come se fosse fotografata con un obiettivo. Guardare il diorama in questo modo lo rendeva più realistico. Così Sugimoto tornò al museo con la sua macchina fotografica e scattò fotografie in bianco e nero dei diorami. Sorprendentemente, le fotografie appiattivano tutti gli elementi dei diorami, non solo lo sfondo, e le scene assumevano un realismo inquietante. La sua serie Diorama divenne la prima di molte serie che ha poi perseguito, che coinvolgono il rifotografare qualcosa o fotografare qualcosa di falso, come le figure nei musei delle cere. Quando gli fu chiestoin un’intervista del 2014 con il direttore del Getty Museum Timothy Potts della sua fascinazione per questo processo, Sugimoto disse: “La fotografia è una copia della realtà, ma quando viene fotografata due volte torna di nuovo alla realtà. Questa è la mia teoria.”

Hiroshi Sugimoto - Cascata Kegon, 1976, stampa al gelatino d’argento, Neg. #00.001, Immagine: 119,4 x 149,2 cm, Cornice: 154,2 x 182,2 cm, Edizione di 5, (20200)

Ciò che stai guardando

Sugimoto seguì la sua serie Diorama con le sue prime fotografie Teatro. Come la serie Diorama, la serie Teatro pone la domanda se ciò che è visibile nella fotografia sia reale. Se guardiamo un film di Hollywood, sappiamo che non stiamo vedendo qualcosa che è realmente accaduto. È scritto, quindi è falso, giusto? Eppure queste fotografie che Sugimoto scatta, che contengono l’informazione visiva di interi film, catturano qualcosa che è realmente accaduto—la proiezione del film. Le fotografie catturano la realtà, un fatto sottolineato nelle versioni Drive-In Theater della serie, che catturano strisce di luce nel cielo dietro lo schermo mentre aerei sorvolano durante tutto il film. Quindi, ciò che stiamo guardando è reale o falso? La luce argentea e luminosa al centro dell’immagine non è solo luce—è una storia. E anche se è stata scritta, è accaduta. Come Sugimoto sottolinea, in qualche modo fotografarla due volte la rende di nuovo reale.

Dopo aver iniziato la sua serie Teatro, Sugimoto intraprese la sua serie Paesaggi Marini. Le immagini di questa serie sono, formalmente parlando, geometriche e astratte. Quando viste in gruppo, le immagini assumono anche una presenza tipologica nella tradizione di Bernd e Hilla Becher. Sebbene queste non siano fotografie di fotografie, come erano le immagini nelle sue precedenti serie Diorama e Teatro, svolgono comunque una funzione simile. Sugimoto ci mostra immagini di cose diverse che sembrano uguali. Ce le mostra come appaiono in diversi momenti della giornata e in diverse condizioni atmosferiche. Sono ovviamente diverse. Ma sono anche ovviamente le stesse. L’aria e l’acqua sono solo parte del mondo fisico. Ma assumono anche una qualità astratta. Il mare diventa un simbolo. E possiamo di nuovo chiederci cosa stiamo guardando. Sono immagini del mondo reale o si sono dissolte in allegoria o metafora?

Hiroshi Sugimoto - Oceano Pacifico Nord, Ohkurosaki, 2013, stampa al gelatino d’argento, Neg. #582, Immagine: 119,4 x 149,2 cm, Cornice: 154,2 x 182,2 cm, Edizione di 5, (20192)

Immagini del mondo

Sugimoto chiama questo fenomeno del reale che si dissolve nell’irrealistico, e viceversa, nel suo lavoro, “un metodo di prova per indagare la percezione umana.” E ha continuato questo metodo di prova in diversi modi affascinanti nel corso dei decenni. Negli anni ’90, tornò in Giappone e, dopo aver superato sette anni di burocrazia, gli fu permesso di fotografare un’antica installazione all’interno di un tempio buddista chiamata “Bodhisattva Avalokitesvara Misericordioso dalle Mille Braccia.” L’installazione presenta una rappresentazione scultorea molteplice di Buddha come manifestazione fisica dell’aldilà. Sugimoto fotografò l’installazione in diversi momenti della giornata, mostrando ombre e luci che illuminano diversi elementi in momenti diversi. La serie risultante, Mare di Buddha, è un’indagine astratta di forma e tempo.

Nella sua serie Architettura, iniziata anch’essa negli anni ’90, Sugimoto scatta immagini completamente sfocate di forme architettoniche iconiche, come le torri del World Trade Center e la Torre Eiffel. Nel frattempo, per la sua serie “Lode all’Ombra”, accende una candela ogni sera vicino a una finestra aperta e scatta un’unica esposizione con l’otturatore aperto per tutto il tempo finché la candela non si consuma o si spegne. Nella sua serie Alberi di Pino, ha scattato immagini sfocate di pini perfetti nel Palazzo Imperiale giapponese e poi li ha assemblati in composizioni surreali paragonabili agli Shorinzu “Schermi della Foresta di Pini” del XVI secolo. Tutte queste serie mostrano il mondo reale in modo sfocato e onirico. Tutte presentano lunghe esposizioni. Ci riportano indietro nel tempo e ci permettono di connetterci con visioni antiche e universali di architettura, luce e natura. Ci aiutano a vedere queste cose sia come ricordi sia come idee.

Hiroshi Sugimoto - Salle 37, Palais de Tokyo, Parigi, 2013, stampa al gelatino d’argento, Neg. #279, Immagine: 119,4 x 149,2 cm, Cornice: 154,2 x 182,2 cm, Edizione di 5, (20218)

Il mondo in bianco e nero

Oltre a ciascuno di questi corpi di lavoro già menzionati, Sugimoto ha anche diverse altre serie su cui lavora, ognuna delle quali si estende per anni, se non decenni. Oltre al suo lavoro fotografico, crea anche sculture, si dedica a performance e realizza opere site-specific. Tutte queste cose che fa sembrano diverse e forse scollegate, ma nel loro cuore possono tutte essere comprese con lo stesso ragionamento che Sugimoto usa quando risponde alla domanda sul perché sceglie così spesso di scattare fotografie in bianco e nero. La sua risposta a quella domanda è: “La credibilità è migliore in bianco e nero che a colori.”

Le fotografie a colori non catturano mai la nostra vera esperienza del colore. Quindi scegliendo il bianco e nero crea immagini più astratte e più universali. Questa è una variazione del concetto giapponese di honka-dori, o imitare il lavoro di un altro artista. Sugimoto rappresenta ciò che già esiste in varie forme, ma una copia perfetta non è possibile, e non è nemmeno preferibile. Quindi ci mostra la realtà in forma astratta. Fa riferimento ai nostri ricordi e al nostro passato comune. Sta, come dice lui, “prendendo la melodia” come modo per evocare qualcosa di simile e universale che si spera tutti possano comprendere.

Hiroshi Sugimoto - Mare di Tasmania, Rocky Cape, 2016, stampa al gelatino d’argento, Neg. #584, Immagine: 119,4 x 149,2 cm, Cornice: 154,2 x 182,2 cm, Edizione di 5, (20193)

Immagine in evidenza: Hiroshi Sugimoto - Teatro Paramount, Newark, 2015, stampa al gelatino d’argento, Neg. #36.002, Immagine: 119,4 x 149,2 cm, Cornice: 154,2 x 182,2 cm, Edizione di 5, (20220)

Tutte le immagini © Hiroshi Sugimoto, Cortesia dell’artista e Marian Goodman Gallery

Di Phillip Barcio