Giorgio de Chirico e i dipinti che non possono essere visti

Le esperienze sono concrete? I sentimenti possono manifestarsi? Cosa esiste oltre l'universo osservabile? Nel 1911, quando Giorgio de Chirico dipinse i primi esempi di Pittura Metafisica, o Pittura Metafisica, queste erano alcune delle domande che cercava di affrontare. Come molti dei suoi contemporanei, De Chirico era intimamente consapevole che la società occidentale si stava trasformando in modi monumentali e inarrestabili. Invece di dipingere rappresentazioni oggettive di quel mondo in cambiamento, scelse di tentare di esprimere i sentimenti di coloro che lo abitavano. Era affascinato da come, di fronte all'ignoto, le persone trovano conforto nel mistico, nel misterioso e nell'estremo. Mentre la storia veniva rapidamente inghiottita da un futuro vorace, De Chirico voleva ritrarre ciò che non poteva essere visto: le vite interiori dei solitari e confusi testimoni del tempo. Per farlo affrontò una grande sfida: come visualizzare ciò che non è visibile. Ispirato dal lavoro dei simbolisti del XIX secolo, De Chirico si liberò dal peso del reale e trovò conforto nel simbolico, nell'inquietante e nell'astratto. Come scrisse sul retro del suo autoritratto dipinto nel 1911, “Cosa amerò se non l'enigma?”

L'Ascesa dei Simbolisti

Pochi sanno cosa si prova a vivere in quello che i francesi chiamano fin de siècle, o la fine di un'era. Oggi siamo così tanti e le cose cambiano così rapidamente che da qualche parte nel mondo la fine di un'era si verifica ogni giorno. Si può sostenere che l'ultima volta che la civiltà umana ha vissuto un fin de siècle collettivo è stata alla fine del XIX secolo. Era un periodo in cui straordinari progressi avvenivano simultaneamente nell'industria, nella tecnologia, nella guerra, nella produzione alimentare, nella medicina, nei trasporti, nella comunicazione, nella scienza, nell'istruzione e nella cultura. Così tanti cambiamenti radicali stavano avvenendo tutti insieme che strappavano l'umanità dal suo senso di sé. Il futuro faceva sembrare obsoleto il passato, il che trasformava fondamentalmente il modo in cui gli esseri umani vedevano se stessi, gli uni gli altri e il mondo fisico.

Per decenni, fino a questo fin de siècle globale, l'umore generale della maggior parte delle persone non era buono. Le persone erano pessimiste e spaventate. Questi estremi di emozione si manifestarono sotto forma di un movimento culturale noto come Arte Simbolista. Nelle parole del poeta simbolista francese Stéphane Mallarmé, l'obiettivo dei Simbolisti era, “rappresentare non la cosa ma l'effetto che produce.” I dipinti simbolisti sono cupi e rappresentano punti di vista estremi. Gli spettatori sono spesso sopraffatti dalle emozioni che trasmettono. Il loro soggetto è irrilevante. Ciò che conta è come fanno sentire le persone.

Giorgio de Chirico - L'enigma dell'ora, 1911. Collezione privata

Giorgio De Chirico a Monaco

Nel 1988, quando Giorgio De Chirico nacque, il fin de siècle era in pieno svolgimento. De Chirico nacque in Grecia da genitori italiani. Quando Giorgio aveva 17 anni, suo padre morì. L'anno successivo, Giorgio si trasferì a Monaco e si iscrisse a corsi d'arte. Studiò tecniche di pittura classica e lesse filosofia, in particolare l'opera di Arthur Schopenhauer, che credeva che il comportamento umano fosse determinato da un tentativo di soddisfare desideri sconosciuti basati sull'angoscia metafisica. Sempre mentre era a Monaco, De Chirico si familiarizzò con i dipinti inquietanti del pittore simbolista Arnold Böcklin, che affrontavano paure e ansie moderne con immagini e iconografie classiche.

De Chirico si trasferì in Italia dopo la scuola. Mentre viveva a Milano, Firenze e Torino, si trovò di fronte al netto contrasto tra l'antica architettura italiana e la sua cultura in modernizzazione. Descrisse come la qualità metafisica dell'ambiente lo riempisse di un travolgente senso di malinconia. Nel 1910, mentre si trovava a Firenze, espresse quel sentimento attraverso una serie di dipinti innovativi e altamente stilizzati, tra cui L'enigma di un pomeriggio d'autunno e L'enigma dell'oracolo. L'illuminazione netta, le figure isolate e il mix di iconografia contemporanea e classica divennero parte integrante dello stile distintivo di De Chirico, che sarebbe stato successivamente conosciuto come Pittura Metafisica.

Giorgio de Chirico - L'enigma dell'oracolo, 1911. Olio su tela.

Rendere l'Invisibile Visibile

Cosa stava cercando di trasmettere De Chirico con i suoi dipinti "enigmatici"? Le statue isolate, le tende scure che nascondono parte dell'immagine, le figure di spalle, le forti differenze tra ombra e luce. Queste sono immagini di un mondo pieno di reperti e mistero, di segreti mistici del passato. Sono immagini di momenti privati pieni di preoccupazioni sconosciute. Sebbene figurativi, questi quadri sono riccamente simbolici. Invece di cercare di chiarire, astraggono felicemente i fatti, sfocando il messaggio, rendendo il contenuto non interpretabile se non per l'umore.

Nel corso degli anni ha aggiunto ulteriori simboli astratti che confondono ulteriormente il significato delle sue immagini, aumentando al contempo il loro senso di malinconia e umore. Ha aggiunto un'immagine ricorrente di un treno, sempre in lontananza, sempre che emette piccole nuvole di fumo mentre passa. Ha aggiunto orologi, un simbolo di desiderio mentre i momenti, come treni solitari e navi a vela, passano. E poi ci sono le torri, sole a sovrastare il paesaggio, i loro solitari punti di vista oggettivati e marginalizzati mentre svaniscono nella distanza. Le immagini sono inquietanti—familiari eppure estranee—come i sogni.

Giorgio de Chirico - La Canzone dell'Amore, 1914. Olio su tela. 28 3/4 x 23 3/8" (73 x 59,1 cm). Collezione del Museum of Modern Art (MoMA). © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Roma

Simbolismo ampliato

Nel 1911, De Chirico si trasferì a Parigi, dove suscitò un grande interesse per il suo unico e nuovo stile. Il suo lavoro fu incluso in diverse importanti esposizioni e attirò l'attenzione dell'influente critico d'arte Guillaume Apollinaire, che lo aiutò ad acquisire un gallerista. Ma nel 1915, quando scoppiò la Prima Guerra Mondiale, De Chirico tornò in Italia, come tanti altri artisti europei costretti a tornare nella loro patria per combattere. Anche se questo avrebbe potuto distruggere il suo slancio, visse un misterioso colpo di fortuna. Considerato fisicamente non idoneo al combattimento, De Chirico fu assegnato a lavorare in un ospedale. Lì incontrò il pittore Carlo Carrà, un pittore che condivideva la visione astratta e simbolica di De Chirico.

La compagnia di Carrà portò a un approfondimento della dipendenza di De Chirico dal simbolismo astratto. I suoi dipinti iniziarono a includere immagini ancora più oniriche, contribuendo a un linguaggio visivo sempre più inquietante. La natura di queste nuove immagini era del tutto pertinente alle circostanze che avevano causato la Grande Guerra. Così tanti venivano lasciati indietro, vagando desolatamente attraverso l'arcade solitario e desolato del passato, senza scopo e senza direzione. De Chirico affrontò temi di amore, ispirazione e fantasmi, collocando strane disposizioni di oggetti materiali in luoghi illuminati in modo netto, creando una menagerie estetica informata dalla confusione e da una perdita di identità.

Giorgio de Chirico - Le Muse inquietanti, 1916 - 1918. Collezione privata

Influenza sui Surrealisti

Negli anni successivi alla guerra, la visione di De Chirico fu ampiamente accolta e la sua fama stava rapidamente aumentando. Eppure, considerava il suo stile immaturo. Così, nel 1919, De Chirico decise di abbandonare la Pittura Metafisica. Nel suo saggio Il Ritorno dell'Artigianato, annunciò la sua intenzione di adottare un'iconografia oggettiva e soggetti classici.

L'ironia del tempismo di De Chirico era che solo un anno dopo lo scrittore surrealista André Breton avrebbe visto uno dei suoi dipinti, Il cervello del bambino, appeso in una vetrina di una galleria. Quell'incontro casuale avrebbe poi portato un'intera generazione di giovani pittori, tra cui Salvador Dalí e René Magritte, a interessarsi al lavoro di De Chirico. Questi pittori, che sarebbero diventati noti come i Surrealisti, furono ispirati dalla qualità onirica di questi dipinti e dal modo in cui attingevano all'estetica astratta del subconscio.

Giorgio de Chirico - Il cervello del bambino, 1917. Olio su tela. Nationalmuseum, Stoccolma, Svezia

L'eredità metafisica contemporanea

Oltre a creare uno stile unicamente ipnotico, i tentativi di De Chirico di dipingere "ciò che non può essere visto" hanno lasciato una scia di briciole estetiche. Possiamo seguirla ogni volta che desideriamo tornare alle nostre radici simboliche primordiali per affrontare le nostre domande sull'essenza dell'essere, sulla natura del tempo o sui misteri dello spazio, o quando siamo turbati dal nostro stesso senso quotidiano dell'infinito fin de siècle. Perché, sebbene possediamo molte più informazioni sul nostro mondo rispetto ai nostri antenati dell'inizio del XX secolo, molto rimane ancora invisibile.

Nonostante i nostri progressi scientifici, non siamo più vicini di De Chirico a rispondere alle domande essenziali della Metafisica, come "Cosa significa esistere?" Non abbiamo risposto alla domanda se siamo solo corpi o se l'anima esiste, e se esiste, se tutte le cose hanno un'anima o solo le cose viventi. Ma grazie ad artisti come De Chirico abbiamo modelli per l'integrazione del simbolismo, dell'arte e del mistero con le nostre vite. Potremmo ancora essere i solitari e confusi testimoni del tempo, ma siamo almeno forse più vicini ad accettare la nostra intrinseca ambiguità metafisica, in modo da poter imparare ad amare, piuttosto che temere, i misteri duraturi della nostra esistenza.

Immagine in evidenza: Giorgio de Chirico - L'enigma di un pomeriggio d'autunno, 1910
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park