Giorgio de Chirico e i dipinti che non possono essere visti

Le esperienze sono concrete? I sentimenti possono manifestarsi? Cosa esiste oltre l’universo osservabile? Nel 1911, quando Giorgio de Chirico dipinse i primi esempi di Pittura Metafisica, o Pittura Metafisica, queste erano alcune delle domande che cercava di affrontare. Come molti dei suoi contemporanei, De Chirico era profondamente consapevole che la società occidentale stava trasformandosi in modi monumentali e inarrestabili. Piuttosto che dipingere rappresentazioni oggettive di quel mondo in cambiamento, scelse invece di tentare di esprimere i sentimenti di chi lo abitava. Era affascinato da come, di fronte all’ignoto, le persone trovino conforto nel mistico, nel misterioso e nell’estremo. Mentre la storia veniva rapidamente inghiottita da un futuro vorace, De Chirico voleva ritrarre ciò che non poteva essere visto: le vite interiori dei solitari e confusi testimoni del tempo. Per farlo affrontò una grande sfida: come visualizzare ciò che non è visibile. Ispirato dal lavoro dei Simbolisti del XIX secolo, De Chirico si liberò dal peso del reale e trovò conforto nel simbolico, nell’inquietante e nell’astratto. Come scrisse sul retro del suo autoritratto dipinto nel 1911, “Che cosa amerò se non l’enigma?”

L’ascesa dei Simbolisti

Pochi sanno cosa significhi vivere in quello che i francesi chiamano fin de siècle, o la fine di un’epoca. Oggi siamo così tanti e le cose cambiano così rapidamente che da qualche parte nel mondo la fine di un’epoca avviene ogni giorno. Si può dire che l’ultima volta che la civiltà umana ha vissuto un fin de siècle collettivo fu alla fine del XIX secolo. Fu un periodo in cui si verificarono contemporaneamente progressi senza precedenti nell’industria, nella tecnologia, nella guerra, nella produzione alimentare, nella medicina, nei trasporti, nella comunicazione, nella scienza, nell’istruzione e nella cultura. Tanti cambiamenti radicali avvenivano tutti insieme che strapparono l’umanità dal suo senso di sé. Il futuro rese il passato obsoleto, trasformando profondamente il modo in cui gli uomini vedevano se stessi, gli altri e il mondo fisico.

Per decenni, in vista di questo fin de siècle globale, l’umore generale della maggior parte delle persone non era buono. La gente era pessimista e spaventata. Quegli estremi di emozione si manifestarono sotto forma di un movimento culturale noto come Arte Simbolista. Nelle parole del poeta simbolista francese Stéphane Mallarmé, l’obiettivo dei Simbolisti era, “rappresentare non la cosa ma l’effetto che essa produce.” I dipinti simbolisti sono cupi e rappresentano punti di vista estremi. Gli spettatori sono spesso sopraffatti dalle emozioni che trasmettono. Il soggetto è irrilevante. Ciò che conta è come fanno sentire le persone.

 

Giorgio de Chirico - L’Enigma dell’Ora, 1911. Collezione privata

 

Giorgio De Chirico a Monaco

Nel 1988, quando nacque Giorgio De Chirico, il fin de siècle era in pieno svolgimento. De Chirico nacque in Grecia da genitori italiani. Quando Giorgio aveva 17 anni suo padre morì. L’anno successivo, Giorgio si trasferì a Monaco e si iscrisse a corsi di arte. Studiò tecniche di pittura classica e lesse filosofia, in particolare le opere di Arthur Schopenhauer, che credeva che il comportamento umano fosse determinato dal tentativo di soddisfare desideri sconosciuti basati sull’angoscia metafisica. Sempre a Monaco, De Chirico conobbe i dipinti inquietanti del pittore simbolista Arnold Böcklin, che affrontavano paure e ansie moderne con immagini e iconografie classiche.

Dopo gli studi, De Chirico si trasferì in Italia. Vivendo a Milano, Firenze e Torino, si trovò di fronte al netto contrasto tra l’antica architettura italiana e la sua cultura in via di modernizzazione. Descrisse come la qualità metafisica dell’ambiente lo riempisse di un senso travolgente di malinconia. Nel 1910, mentre si trovava a Firenze, espresse quel sentimento attraverso una serie di dipinti innovativi e altamente stilizzati, tra cui L’Enigma di un Pomeriggio d’Autunno e L’Enigma dell’Oracolo. L’illuminazione netta, le figure isolate e la mescolanza di iconografia contemporanea e classica divennero elementi fondamentali dello stile distintivo di De Chirico, che sarebbe poi stato conosciuto come Pittura Metafisica.

 

Giorgio de Chirico - L’Enigma dell’Oracolo, 1911. Olio su tela.

 

Rendere visibile l’invisibile

Cosa cercava di trasmettere De Chirico con i suoi dipinti “enigma”? Le statue isolate, le tende scure che nascondono parte dell’immagine, le figure con le spalle voltate, i forti contrasti tra ombra e luce. Sono immagini di un mondo pieno di reliquie e mistero, di segreti mistici del passato. Sono immagini di momenti privati pieni di preoccupazioni sconosciute. Pur essendo figurativi, questi quadri sono ricchi di simbolismo. Piuttosto che cercare di chiarire, astraggono volentieri i fatti, sfumano il messaggio, rendendo il contenuto non interpretabile se non per l’atmosfera.

Nel corso degli anni aggiunse ulteriori simboli astratti che confondono ancora di più il significato delle sue immagini, aumentando al contempo il senso di malinconia e cupezza. Inserì un’immagine ricorrente di un treno, sempre in lontananza, sempre che emette piccoli sbuffi di fumo mentre passa. Aggiungeva orologi, simboli di desiderio poiché i momenti, come treni solitari e navi a vela, passano via. E poi ci sono le torri, sole a dominare il paesaggio, i loro punti di vista solitari oggettivati e marginalizzati mentre si allontanano. Le immagini sono inquietanti—familiari eppure estranee—come sogni.

 

Giorgio de Chirico - Il Canto d’Amore, 1914. Olio su tela. 73 x 59,1 cm. Collezione del Museum of Modern Art (MoMA). © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Roma

 

Espansione del Simbolismo

Nel 1911, De Chirico si trasferì a Parigi dove suscitò grande interesse per il suo stile unico e nuovo. Le sue opere furono incluse in diverse mostre importanti e attirò l’attenzione del critico d’arte influente Guillaume Apollinaire, che lo aiutò a trovare un mercante d’arte. Ma nel 1915, con lo scoppio della Prima Guerra Mondiale, De Chirico tornò in Italia, come molti altri artisti europei costretti a rientrare nella loro patria per combattere. Sebbene questo potesse distruggere il suo slancio, visse una svolta mistica del destino. Ritenuto fisicamente inadatto al combattimento, De Chirico fu assegnato a lavorare in un ospedale. Lì incontrò il pittore Carlo Carrà, un pittore che condivideva la visione astratta e simbolica di De Chirico.

La compagnia di Carrà portò a un approfondimento della dipendenza di De Chirico dal simbolismo astratto. I suoi dipinti iniziarono a includere immagini ancora più oniriche, contribuendo a un linguaggio visivo sempre più inquietante. La natura di queste nuove immagini era del tutto pertinente alle circostanze che avevano causato la Grande Guerra. Molti erano lasciati indietro, vagando desolati e soli attraverso l’arcata deserta del passato, senza scopo e senza direzione. De Chirico affrontò temi come l’amore, l’ispirazione e i fantasmi, collocando strane disposizioni di oggetti materiali in luoghi illuminati in modo netto, creando una menagerie estetica informata dalla confusione e dalla perdita di identità.

 

Giorgio de Chirico - Le Muse Inquietanti, 1916 - 1918. Collezione privata

 

Influenza sui Surrealisti

Negli anni successivi alla guerra, la visione di De Chirico fu ampiamente accolta e la sua fama crebbe rapidamente. Tuttavia, egli considerava il suo stile immaturo. Così nel 1919, De Chirico decise di abbandonare la Pittura Metafisica. Nel suo saggio Il Ritorno dell’Artigianato, annunciò la sua intenzione di tornare a un’iconografia oggettiva e a soggetti classici.

L’ironia del tempismo di De Chirico fu che solo un anno dopo lo scrittore surrealista André Breton vide uno dei suoi dipinti, Il Cervello del Bambino, esposto in una vetrina di una galleria. Quell’incontro casuale portò un’intera generazione di giovani pittori, tra cui Salvador Dalí e René Magritte, a interessarsi all’opera di De Chirico. Questi pittori, che sarebbero diventati noti come Surrealisti, furono ispirati dalla qualità onirica di questi dipinti e dal modo in cui attingevano all’estetica astratta del subconscio.

 

Giorgio de Chirico - Il Cervello del Bambino, 1917. Olio su tela. Nationalmuseum, Stoccolma, Svezia

 

L’eredità metafisica contemporanea

Oltre a creare uno stile unicamente ipnotico, i tentativi di De Chirico di dipingere “ciò che non può essere visto” hanno lasciato una scia di indizi estetici. Possiamo seguirla ogni volta che desideriamo tornare alle nostre radici simboliche primordiali per affrontare le nostre domande sull’essenza dell’essere, sulla natura del tempo o sui misteri dello spazio, o quando siamo turbati dal nostro senso quotidiano dell’infinito fin de siècle. Perché, sebbene possediamo molti più dati sul nostro mondo rispetto ai nostri antenati del primo Novecento, molto rimane ancora invisibile.

Nonostante i nostri progressi scientifici, non siamo più vicini di De Chirico a rispondere alle domande essenziali della Metafisica, come “Cosa significa esistere?” Non abbiamo risposto alla domanda se siamo solo corpi o se l’anima esiste, e se esiste se tutte le cose hanno un’anima o solo gli esseri viventi. Ma grazie ad artisti come De Chirico abbiamo modelli per l’integrazione di simbolismo, arte e mistero nelle nostre vite. Potremmo essere ancora i solitari e confusi testimoni del tempo, ma forse siamo almeno più vicini ad accettare la nostra intrinseca ambiguità metafisica, così da poter imparare ad amare, piuttosto che temere, gli eterni misteri della nostra esistenza.

 

Immagine in evidenza: Giorgio de Chirico - L’Enigma di un Pomeriggio d’Autunno, 1910
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio