Come Arman ha ridefinito l'assemblaggio

Niente è più emozionante per un amante dell’arte che ascoltare la storia di un artista raccontata con le parole dello stesso artista. Il racconto di come il giovane Armand Fernandez si trasformò in Arman, uno degli artisti concettuali più innovativi del XX secolo, fu narrato in prima persona in un’intervista a Arman artista registrata nel 1968 per gli Archivi dell’Arte Americana. In questa incantevole intervista, Arman racconta con dettagli affascinanti la sua storia di vita fino a quel momento. Ricorda la sua giovinezza pre-bellica, cresciuto a Nizza con genitori amorevoli. Suo padre proveniva da una famiglia agiata, era estremamente gentile, un “pittore della domenica (dilettante)” e possedeva un negozio di antiquariato. La madre di Arman proveniva da una famiglia povera e non era accettata dai parenti ricchi del marito. Era forte, brillante, determinata e una musicista di talento. Arman ricorda di essere quasi morto di fame durante l’occupazione nazista e parla con orgoglio della sua formazione artistica e nel judo nel dopoguerra. Infine racconta delle avventure che lo portarono a diventare membro fondatore del Nuovo Realismo, un movimento che, come afferma nell’intervista, “durò venti minuti.”

Arman, Klein e Pascal dividono il mondo

La storia di come Arman si associò ai membri fondatori dei Nuovi Realisti è la storia di tre giovani amici che viaggiano insieme per l’Europa dopo la Seconda Guerra Mondiale. Un pomeriggio questi tre amici (Arman, l’artista Yves Klein e il poeta Claude Pascal) si trovano sulla spiaggia. Come racconta Arman, “...decidemmo di diventare re, ma non re per avere la corona, bensì re responsabili, consapevoli, responsabili...E dividemmo il mondo. Yves Klein avrebbe preso tutto ciò che era vita organica...viva. Claude Pascal tutto ciò che era naturale ma non vivo, come le pietre. E io, tutto ciò che era fatto.”

Arman - Déchéts Bourgeois (Rifiuti Borghesi), 1959. © 2018 Arman Studio

Nei successivi sessant’anni, Arman ampliò il suo dominio su “tutto ciò che era fatto” esprimendo esteticamente i processi di produzione, consumo e distruzione. Radunò enormi accumuli di prodotti, concentrandosi su collezioni di oggetti simili, oggetti trovati e rifiuti. Creò assemblaggi, realizzò stampe e dipinti, costruì sculture e rilievi e spesso racchiuse le sue creazioni in Plexiglas o cemento. Si concentrò sull’esplorazione di un linguaggio visivo ripetitivo basato su prodotti di massa, fabbricati. Il risultato dei suoi prolifici sforzi fu che, al momento della sua morte nel 2005, Arman era diventato l’artista concettuale più famoso al mondo che lavorava con la tecnica dell’assemblaggio.

Arman - Poubelle des Enfants (Rifiuti dei Bambini), 1960. © 2018 Arman Studio

L’arte dell’accumulo

Durante tutta la carriera di Arman accumulò oggetti. Era un collezionista nato. Una delle sue prime espressioni dell’atto di accumulare fu raccogliere e mostrare accumuli di rifiuti. Esibì i suoi accumuli di spazzatura sotto forma di opere che chiamò Poubelles (la parola francese per bidone della spazzatura). Alcune delle Poubelles di Arman erano esposte in scatole fatte di legno o Plexiglas. In quella che forse fu la sua Poubelle più famosa, grandiosa e ambiziosa, Arman riempì l’intero spazio espositivo della Galerie Iris Clert a Parigi con rifiuti. La mostra si chiamava “Full Up” ed era una risposta a una mostra allestita due anni prima nella stessa galleria dal suo amico Yves Klein intitolata “The Void,” in cui la galleria era dipinta di bianco e mostrava solo un armadietto vuoto contro una parete.

Arman’s Colères - Moulin Cubiste, 1961. © 2018 Arman Studio

Oltre ai rifiuti, Arman collezionava assortimenti di oggetti simili ancora utili come prodotti. Iniziò con semplici accumuli di oggetti come ferri da stiro, timbri di gomma e tubetti di colore. Come per i suoi accumuli di rifiuti, espose questi accumuli racchiusi in Plexiglas o in scatole di legno. Negli anni ’60 iniziò ad accumulare oggetti con un impatto estetico più drammatico, come asce, trapani, strumenti musicali, parti di macchine, pezzi di automobili e abbigliamento. Quando iniziò ad assemblare questi oggetti in sculture tridimensionali, creò quello che divenne il suo stile distintivo di assemblaggio.

Arman’s Colères - La Hache de Barney, 1962. © 2018 Arman Studio

Un’estetica di rottura nell’arte di Armand Fernandez

Oltre a raccogliere i suoi iconici accumuli e creare i suoi assemblaggi distintivi, che esaminavano gli oggetti fabbricati dal punto di vista del consumo e dello spreco, Arman dedicò molto tempo anche alla riflessione sulla distruzione. In una serie di opere chiamate Colères, Arman distruggeva intenzionalmente o bruciava oggetti e poi disponeva i loro pezzi rotti in composizioni astratte su una tela. La parola colères significa rabbia in francese, e Arman definiva queste opere le sue “rabbie.” Le sue Colères includevano la distruzione di strumenti musicali come pianoforti, sassofoni e violini, così come oggetti di uso quotidiano come macinacaffè, macchine da scrivere e macchine fotografiche.

Arman - Cello Chairs, 1993, Sedie a forma di violoncello in bronzo fuso, 85 x 41 x 48 cm. © 2018 Arman Studio

Arman esplorò anche la distruzione dal punto di vista del taglio, sezionando gli oggetti. Come per gli oggetti distrutti, spesso tagliava strumenti musicali e li esponeva su tele. In altri casi tagliava parti di una scultura, per esempio una statuetta del 1962 di Giovanna d’Arco da cui tagliò grandi sezioni del corpo. A volte questi oggetti sezionati sembravano un enigma filosofico, un tentativo di capire come qualcosa funziona smontandolo in modo che non funzioni più. Altre volte, come nel suo assemblaggio sezionato del 1997 The Spirit of Yamaha, sfioravano il giocoso o forse l’assurdo.

Arman - Section Bulls, 1956, Tracce di timbri di gomma su carta applicata su pannello, 50 x 31 cm. © 2018 Arman Studio

Arman il produttore contro Arman l’artista

Arman non si interessava solo agli oggetti trovati e ai detriti. Oltre a indagare l’accumulo, il consumo e la distruzione dei prodotti, Arman dedicò gran parte della sua carriera a esaminare l’atto della produzione. Lo fece attraverso la scultura. Una volta realizzò uno stampo in gesso del corpo nudo del suo amico Yves Klein, lo fuse in bronzo e poi lo dipinse con il Blu di Yves Klein Blue. E come per le altre sue tecniche, spesso tornava nelle sue sculture al motivo degli strumenti musicali. A volte le sue sculture di strumenti musicali erano realizzate in multipli, altre volte erano sezionate e esposte in pezzi, e altre ancora le trasformava in mobili come basi per tavoli o sedie.

Arman - Allure au Bretelle, 1958, Inchiostro su carta montata su tela, 150 x 204 cm. © 2018 Arman Studio

Opere bidimensionali

Arman fu anche un prolifico creatore di opere bidimensionali. Prima di inventare il suo stile distintivo di assemblaggio, iniziò il suo esame dei multipli con opere bidimensionali. Le sue prime esplorazioni dei multipli si manifestarono in opere che chiamò Cachets e Allures. I Cachets erano opere bidimensionali create da segni ripetitivi fatti su una superficie usando timbri di gomma tradizionali. Le Allures erano simili, ma consistevano nel creare composizioni astratte usando impressioni simili a timbri di oggetti ordinari immersi nell’inchiostro.

Arman - Senza titolo, 1994, Pittura acrilica e pennelli montati su tela. © 2018 Arman Studio

Attraverso una serie di opere chiamate Brush Paintings, Arman colmò il divario concettuale tra le sue opere bidimensionali e la sua pratica di accumulo e assemblaggio. In queste opere, usava il pennello per applicare il colore su una superficie bidimensionale e poi fissava il pennello alla superficie stessa. Il risultato era un dipinto che conteneva elementi scultorei dei pennelli che lo avevano dipinto. Sebbene Arman abbia reso molti omaggi e riferimenti ai Cubisti durante la sua carriera, questi pezzi rappresentano un trionfo concettuale nella loro capacità di catturare il tempo e il processo, diventando quadridimensionali nella loro presenza, raggiungendo qualcosa di caro agli stessi Cubisti.

Arman - Long Term Parking, 1982. © 2018 Arman Studio

L’eredità pubblica di Arman

Uno dei doni più essenziali di Arman è la sua autenticità. Fin da giovane fu un collezionista e una persona che apprezzava gli oggetti fabbricati, tratti incoraggiati dal lavoro del padre come commerciante di antiquariato. Era autenticamente un amante della musica, un tratto incoraggiato dalla madre, violoncellista. Durante la guerra fu sul punto di morire di fame per molti anni insieme alla maggior parte dei suoi vicini. Queste prime influenze si manifestarono come un apprezzamento per l’estetica degli strumenti musicali, una fascinazione per le risorse accumulate, sprecate e scartate, e un amore per la raccolta, la conservazione e la tutela.

Arman - Nuits de Chine, 1976. © 2018 Arman Studio

Quando arrivò in America negli anni ’60, Arman si trovò di fronte a una cultura diversa da quella dell’Europa del dopoguerra che aveva lasciato. Assistette a un consumo di massa su una scala mai vista prima nel mondo. Il suo commento duraturo sulla cultura di cui divenne parte è meglio riassunto da una delle sue sculture pubbliche monumentali, un’opera alta 18 metri chiamata Long Term Parking. L’opera consiste in 60 automobili racchiuse nel cemento.

Arman - The Spirit of Yamaha, 1997, Pianoforte a coda sezionato con motociclette Yamaha. © 2018 Arman Studio

Sebbene forse ambiguo nel significato, questa scultura, come molte opere di Arman, parla a qualcosa di intuitivo e moderno che nessun essere umano contemporaneo può ignorare. Parla dell’idea stessa di assemblaggio: unire parti disparate, trasformare i nostri pezzi scartati, i nostri frammenti rotti, le nostre macerie e la nostra identità collettiva in qualcosa di significativo e, se siamo fortunati, bello.

Immagine in evidenza: Arman - Accumulation Renault No. 106, 1967
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio