Jim Hodges trasforma la Grand Central di New York in un'installazione astratta

Jim Hodges è uno di quei rari artisti astratti il cui lavoro riesce a esprimere gli aspetti più tormentati dello spirito del nostro tempo, esprimendone allo stesso tempo la bellezza. Una nuova installazione di Hodges, intitolata “Ho sognato un mondo e l’ho chiamato Amore,” è stata recentemente inaugurata alla Grand Central Station di New York. Prendendo il nome e la sua presenza materiale da una mostra omonima del 2016 presso la sede di Gladstone Gallery in 21st Street a New York, l’installazione copre più superfici per oltre 65 metri quadrati e consiste in più di 5.000 pezzi separati di vetro tagliato. L’opera condivide una tradizione materiale con il vetro colorato. A differenza di una vetrata, però, che lascia passare la luce attraverso la superficie, questa installazione è montata su superfici opache, il che mette in risalto le proprietà riflettenti del vetro colorato. In che modo quest’opera esprime gli aspetti più tormentati dello spirito del nostro tempo? È fratturata; a volte caotica; e ha un aspetto più che un po’ apocalittico. In che modo esprime la bellezza di questo momento? Abbraccia il movimento; il dinamismo; la lucentezza; e mobilita un arcobaleno di colori che—diversamente dalla maggior parte delle rappresentazioni visive degli arcobaleni—includono il nero e il marrone. La tavolozza urla natura, dal blu dell’oceano e dell’atmosfera al verde della foresta e ai rossi e marroni del terreno. Eppure, l’aspetto artificiale del pezzo ci dice chiaramente che è il risultato dell’intervento umano. Infine, c’è qualcosa di apertamente ottimista in questa installazione. Non commenta il peso di dati e informazioni, ma le possibilità primordiali contenute nell’atto della creazione. Non appartiene all’epoca morente dell’informazione, che francamente mi fa sentire esausto e sfruttato, ma all’epoca emergente dell’immaginazione, che promette che tutto è possibile.

Espandere il campo ampliato

Ogni campo include certi lavori sporchi e difficili che devono essere fatti. Le persone che iniziano facendo uno di questi lavori e poi salgono in cima tendono a essere le mie preferite, perché comprendono a un livello basilare e materiale cosa significa la loro professione. Nelle arti visive, uno di questi lavori è quello di addetto alla movimentazione delle opere d’arte: le persone che imballano, spediscono e appendono le opere che vediamo alle pareti di gallerie e musei. Gli artisti che lavorano come addetti alla movimentazione imparano l’importanza dell’artigianato e comprendono letteralmente quanto sia importante per le persone avere un rapporto fisico con l’arte. Dopo aver conseguito il suo MFA in pittura presso il Pratt Institute di Brooklyn, Jim Hodges ha iniziato la sua carriera come addetto alla movimentazione delle opere. Ha svolto questo lavoro in cambio di uno spazio studio gratuito. Mentre imballava, trasportava e appendeva opere a New York, si è trasformato da pittore tradizionale in un artista che lavora nel campo ampliato della pittura: un universo teorico in cui colore, superficie e composizione si liberano dalla tela e dalla parete per abitare tutte le superfici, tutti i materiali e tutti gli spazi.

Vista dell’installazione, Jim Hodges, Ho sognato un mondo e l’ho chiamato Amore, presso Gladstone Gallery, New York, 2016

La sua retrospettiva di metà carriera del 2014 intitolata “Dai più di quanto prendi” presso l’Institute of Contemporary Art di Boston è stata una lezione su come Hodges abbia usato i tre decenni successivi a quei primi giorni come addetto alla movimentazione per espandere il campo ampliato. Una parete di tovaglioli usati, ciascuno adornato con un’immagine fragile di un fiore, dimostrava come un’immagine dipinta sia in modo inquietante e bello simile in certi modi a una cripta: un contenitore grazioso per custodire qualcosa che forse un tempo era, o forse non è mai stato. Un soffitto foderato di campanelle di vetro soffiato appese, ciascuna dipinta all’interno con una delicata tonalità pastello, diventava più di un’installazione site specific da attraversare. Catturava e rilasciava la luce mutevole da una finestra adiacente; stuzzicava la mente con la promessa di suoni incantevoli; e se un osservatore fosse stato audace e coraggioso abbastanza da sdraiarsi a terra e guardare in alto, si trasformava in una composizione di colore e forma su una superficie piatta—un dipinto in un campo ampliato.

Pendolari che passano davanti all’installazione permanente di Jim Hodges Ho sognato un mondo e l’ho chiamato Amore alla Grand Central Terminal di New York. Immagine per gentile concessione di Gladstone Gallery.

Potenziale riflessivo

Quando iniziò la sua carriera negli anni ’80, la crisi dell’AIDS era una preoccupazione cruciale per Hodges. Ha talvolta parlato della mancanza di umanità nella nostra società, una sfida centrale che rese gli anni peggiori della pandemia di AIDS molto più letali di quanto avrebbero dovuto essere. Oggi, nella nostra pandemia attuale, proprio come allora, rifiutiamo di vederci negli altri e spesso neanche riconosciamo ciò che siamo veramente. In molte delle sue opere, Hodges ha espresso l’idea di umanità e il suo compagno costante, la morte. Un’immagine che evoca frequentemente è quella di una ragnatela—un’allegoria astratta per coloro di noi che si nutrono gli uni degli altri e per coloro che sono impotentemente intrappolati nelle trappole dei loro tormentatori.

L’installazione permanente di Jim Hodges Ho sognato un mondo e l’ho chiamato Amore alla Grand Central Terminal di New York. Immagine per gentile concessione di Gladstone Gallery.

Con le sue forme biomorfiche che colano e scorrono, “Ho sognato un mondo e l’ho chiamato Amore” alla Grand Central Station è radicata nella natura come lo sarebbe una ragnatela. Molte persone che la incontrano senza dubbio passeranno oltre in fretta come una mosca, disperate di non rimanere intrappolate in una trappola percepita. Chi si ferma a contemplare l’opera vedrà prima ciò che è superficiale in essa—le sue qualità plastiche; la luce e il movimento. Potrebbero percepire il peso del vetro, un materiale nato dalla terra e dal fuoco. Col tempo, potrebbero avere reazioni metafisiche—una sensazione inquieta di forze primordiali che inducono un cambiamento fondamentale. Che si fermino e diventino introspettivi in questo modo o che semplicemente passino di corsa, tutti coloro che vedono quest’opera ne afferreranno almeno intuitivamente il potenziale riflessivo. Si vedranno in essa. Vedranno gli altri in essa. È un’opera empatica in questo senso—un testamento a un artista che ha trascorso molti anni a cercare di aiutarci a capire cosa significa essere umani.

Immagine in evidenza: L’installazione permanente di Jim Hodges Ho sognato un mondo e l’ho chiamato Amore alla Grand Central Terminal di New York. Immagine per gentile concessione di Gladstone Gallery.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio