Figure Chiave del Movimento del Pattern e della Decorazione

Il movimento Pattern and Decoration occupa un posto speciale nella storia dell'arte contemporanea. Nato dal Movimento dell'Arte Femminista degli anni '60, il Pattern and Decoration si dichiarò come una sorta di “terzo metodo” tra figurazione e astrazione. I leader del movimento riconobbero che l'istinto verso la creazione di arte decorativa è stato un aspetto essenziale di ogni cultura umana sin dall'inizio della civiltà. Tuttavia, si resero anche conto che la civiltà patriarcale occidentale aveva, per qualche motivo, da qualche parte lungo il cammino, adottato la posizione che le arti decorative dovessero essere sottomesse come meno importanti e meno serie rispetto ad altre cosiddette Belle Arti. I fondatori del Movimento Pattern and Decoration rifiutarono categoricamente tale assunzione, dichiarando che il loro approccio formalista al lavoro decorativo fosse altrettanto rilevante, significativo e storicamente importante quanto qualsiasi altra posizione estetica. La filosofia generale del movimento Pattern and Decoration fu espressa nel 1978 da due dei fondatori del movimento—Valerie Jaudon e Joyce Kozloff—nel loro manifesto meravigliosamente bombastico, Art Hysterical Notions of Progress and Culture. Il suo paragrafo di apertura afferma: “Come femministe e artiste che esplorano il decorativo nelle nostre stesse opere, eravamo curiose riguardo all'uso peggiorativo della parola ‘decorativo’ nel mondo dell'arte contemporanea. Rileggendo i testi fondamentali dell'Arte Moderna, ci rendemmo conto che il pregiudizio contro il decorativo ha una lunga storia ed è basato su gerarchie: arte fine sopra arte decorativa, arte occidentale sopra arte non occidentale, arte maschile sopra arte femminile. Concentrandoci su queste gerarchie scoprimmo un disturbante sistema di credenze basato sulla superiorità morale dell'arte della civiltà occidentale.” I leader del movimento si proposero quindi di relegare quelle gerarchie obsolete e inutili nel cumulo di cenere della storia. L'eredità del loro lavoro è una di bellezza viscerale e meraviglia intellettuale. Solo ora, infatti, il pubblico sta realmente assorbendo il potere di questo movimento vitale e il ruolo che continua a svolgere oggi nel rendere il campo dell'arte contemporanea più equo, più aperto e più completo.

Cinque Leader del Movimento

Già nel 1960, Miriam Schapiro abbandonava le tendenze estetiche dominanti dell'epoca a favore della scoperta di una voce visiva unicamente personale, basata in gran parte sulla sua identità di donna. Le sue prime opere proto-femministe erano i suoi “Shrines”, che fungevano da una sorta di ponte santificato tra femminilità, spiritualità e il linguaggio modernista compartimentato della griglia. Proseguì creando diversi altri corpi di lavoro distintivamente femministi, tra cui i suoi monumentali “Fans”, e una serie di opere astratte geometriche a bordi netti che presentano immagini audaci e luminose di simbolismo femminile archetipico. Nel 1973, Schapiro partecipò a “Womanhouse”, una delle opere d'arte femminista più importanti di tutti i tempi. In seguito coniò anche il termine “Femmage” per il suo metodo distintivo di mescolare tecniche di Belle Arti come collage e assemblaggio con tecniche artigianali come la cucitura.

Miriam Schapiro - Dormer, 1979. Acrilico, tessuti, carta su tela. 178,5 x 102 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen © Estate of Miriam Schapiro / Bildrecht Wien, 2019.

Joyce Kozloff ha avuto la sua epifania riguardo al progressivo disprezzo delle arti decorative dopo aver vissuto in Messico e poi visitato il Marocco e la Turchia all'inizio degli anni '70. Ispirata da come le antiche tradizioni estetiche in questi luoghi fossero ancora vive e fiorenti nella vita quotidiana, ha perseguito le proprie idee su questo argomento su diversi fronti. Ha iniziato a realizzare dipinti di grande formato e installazioni multimediali che impiegavano metodi e materiali tradizionalmente assegnati ai mestieri decorativi; si è unita al Heresies Collective, che partecipava ad azioni sociali femministe e pubblicava il giornale HERESIES: A Feminist Publication on Art and Politics; e ha co-scritto il manifesto Pattern and Decoration sopra citato. Nei decenni successivi alla fondazione del movimento, Kozloff è diventata più attiva nel campo dell'arte pubblica e ha sviluppato una voce estetica distintiva fondata sull'idea di mappatura, sia in senso cartografico che culturale.

Joyce Kozloff - Se fossi un botanico Mediterraneo. 3 pannelli di un'opera di 9 pannelli. Acrilico, stampa digitale a getto d'inchiostro archivistica e collage su tela. 54″ x 360″. © Joyce Kozloff

Oltre a co-scrivere il manifesto Pattern and Decoration, Valerie Jaudon si è affermata come una delle voci estetiche più sicure del movimento. Il suo stile distintivo fonde segni calligrafici con motivi e design evocativi degli stili decorativi mediorientali. Oltre ai suoi dipinti e opere su carta, Jaudon ha realizzato più di una dozzina di progetti pubblici su larga scala, dai pavimenti intarsiati, ai murales sul soffitto, alle massicce installazioni nei parchi pubblici. Il più grande di questi progetti è il monumentale “Filippine Garden (2004), un sentiero in cemento nei terreni del Federal Courthouse di St. Louis, Missouri. La sua composizione è tipica della sua opera in quanto sembra al contempo familiare ed esotica; le sue radici sono splendidamente poco chiare, si fonde senza soluzione di continuità nell'ambiente naturale e architettonico.

Valerie Jaudon - Hattiesburg, 1979. Olio su tela. 223,5 x 335,5 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. © Bildrecht Wien, 2019.

Già alla fine degli anni '60, Susan Michod iniziò a sviluppare una posizione estetica a metà strada tra l'astrazione modernista e le tendenze estetiche di varie antiche tradizioni indigene. Il suo lavoro attraversa la linea tra queste due prospettive cooperative, richiamando sia la meraviglia ipnotica dell'Op Art sia i cupi schemi geometrici nativi delle forme d'arte dell'America Centrale precolombiana. Oltre ai suoi contributi al Movimento Pattern and Decoration come artista, Michod è stata co-fondatrice della Artemisia Gallery di Chicago, uno spazio espositivo influente per artiste donne, dove luminari come Judy Chicago, Miriam Schapiro, Joyce Kozloff e Nancy Spero, tra molti altri, hanno mostrato i loro primi lavori.

Susan Michod - Azteca Shroud, 2003. Acrilico su carta. 40 x 30 in. © Susan Michod

Insieme a Miriam Schapiro, Robert Kushner ha contribuito a organizzare alcune delle prime mostre di Pattern and Decoration. Kushner è entrato nel campo dell'arte dal mondo dell'illustrazione pubblicitaria, che ha lasciato nel 1961 dopo aver visto una mostra del lavoro di Franz Kline. Tuttavia, ci sono voluti alcuni anni prima che acquisisse la fiducia per sviluppare la sua voce unica. Dopo aver sperimentato una gamma di stili, dall'Espressionismo Astratto, al Minimalismo, alla Color Field Painting, alla fine abbandonò le tendenze prevalenti per compiere un salto stilistico personale nel 1972, applicando "forme" stencilate alle sue tele in un motivo "all-over". Negli anni '70, queste pitture stencilate a motivo si sono evolute per includere più immagini floreali, abbracciando un terreno intermedio tra celebrazioni formaliste della decorazione e rappresentazioni figurative di giardini simmetrici.

Robert Kushner - Foglie Rosa, 1979. Acrilico, vari tessuti. 205 x 330,5 cm. Cortesia Museo Ludwig – Museo di Arte Contemporanea, Budapest, Donazione Peter e Irene Ludwig. Foto: Museo Ludwig – Museo di Arte Contemporanea, Budapest. © Robert Kushner

Immagine in evidenza: Susan Michod - Senza titolo, 1977. Acquerello su carta. 30 in. x 22.5 in. (76.2 cm x 57.15 cm). RoGallery a Long Island City, NY. © Susan Michod
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio