Perché Jackie Winsor è eccentricamente astratta
L’opera di Jackie Winsor offre un contrappunto perfettamente meraviglioso alle teorie accademiche sull’astrazione contemporanea. Il dibattito che anima la maggior parte delle conversazioni attuali sull’arte astratta ruota inevitabilmente attorno alla differenza tra astrazione pura—arte che non ha alcun rapporto con il cosiddetto mondo reale—e astrazione derivata da, o astratta da, qualcosa di figurativo. Per più di cinque decenni, Winsor ha realizzato opere che, in teoria, potrebbero collocarsi da entrambe le parti di questo dibattito. Per esempio, la presenza inquietante di “Chunk Piece” (1970), un tronco arrotolato di canapa, potrebbe essere considerata qualcosa di astratto dal mondo reale, nonostante il fatto che nulla di simile esista realmente. Nel frattempo, “Pink and Blue Piece” (1985), un cubo specchiato, potrebbe essere definito pura astrazione formalista, poiché è solo una forma geometrica semplice che si posa nello spazio. Eppure entrambe queste opere potrebbero anche essere descritte in innumerevoli altri modi. Il cubo, suppostamente formalista, potrebbe essere figurativo, poiché somiglia a numerosi altri oggetti nel mondo reale; e il tronco, suppostamente astratto, potrebbe non essere affatto astratto—potrebbe essere un oggetto concreto e autoreferenziale che esiste solo per esprimere le proprie qualità. Le sculture che Winsor realizza sono così eccentriche e individualiste da smontare completamente il dibattito sull’astrazione. Esistono al di fuori della conversazione, rendendola irrilevante. Eppure sono così convincenti a livello viscerale—così sublimemente dichiarative di qualcosa di essenziale, ma al di là del nostro intelletto—che non posso fare a meno di pensare che siano fondamentali per la nostra comprensione dell’astrazione. Come altri due visionari della sua generazione—Richard Serra ed Eva Hesse—Winsor rappresenta la promessa che l’arte astratta possa essere contemporaneamente incredibilmente esoterica e indiscutibilmente umana.
Esistere Ostinatamente
Nel 1979, all’età di 37 anni, Winsor ebbe una mostra personale al Museum of Modern Art di New York. La mostra presentava 24 opere. Nel saggio del catalogo per la mostra, Winsor veniva descritta come “una delle scultrici più affermate tra i giovani di oggi.” Il saggio, tuttavia, non fornisce molta chiarezza su cosa esattamente abbia fatto pensare ai curatori che il lavoro di Winsor fosse così importante. Evitando ogni iperbole, si limita a sottolineare dell’opera “la sua oggettualità o, come dice Ellen Johnson citando Rilke, la sua ‘esistenza ostinata.’” Le opere della mostra al MoMA condividevano una qualità universale che si può descrivere al meglio come comunicativa di uno sforzo meticoloso e prolungato: erano la prova del lavoro. “Bound Square” (1972) sembra semplice come una cornice di legno, ma i chilometri di spago avvolti agli angoli smentiscono il fatto che Winsor si sia seduta per innumerevoli ore a legare metodicamente l’opera. “Four Corners” (1972) è una semplice disposizione di quattro forme rotonde sul pavimento, ma quante ore sono state necessarie per modellare le sfere? Allo stesso modo, i numerosi chiodi conficcati nella parte superiore di legno di “Nail Piece” (1970) suggeriscono una qualità maniacale, mentre l’opera dal titolo autoreferenziale “30 to 1 Bound Trees” (1971-72) sembra interrogare il valore di tutto il lavoro umano in relazione alla natura.
Jackie Winsor - Bound Square, 1972. Legno e spago. 6' 3 1/2" x 6' 4" x 14 1/2" (191,8 x 193 x 36,8 cm). Joseph G. Mayer Foundation, Inc., in onore di James Thrall Soby e Grace M. Mayer Fund in onore di Alfred H. Barr, Jr. Collezione MoMA. © 2019 Jackie Winsor
La prima reazione che si può avere incontrando sculture come “Bound Square,” “Four Corners,” “Nail Piece” e “30 to 1 Bound Trees” è ammirare la semplicità astratta delle forme. Forse in secondo luogo si può provare un’attrazione viscerale per la fisicità grezza dei materiali—il legno, la canapa e il metallo. Ma è nel processo di immaginare finalmente lo sforzo che è stato necessario per creare le sculture che la nostra connessione umana con quelle forme e quei materiali raggiunge il suo apice. È allora che ci rendiamo conto che le semplici forme geometriche non sono state scelte solo per le loro qualità formali astratte, ma perché si prestano maggiormente a un lavoro ripetitivo e monotono. Immaginare la sensazione di tenere in mano il legno, la canapa, il martello e i chiodi per ore e ore collega le sculture alla nostra umanità di carne e sangue. Le opere esistono infatti ostinatamente nonostante la nostra capacità di descriverle, convalidarle o assegnare loro un significato; occupano anche ostinatamente un territorio intellettuale, celebrando con la loro esistenza la natura intrinsecamente bella ma sconcertante di ogni sforzo.
Jackie Winsor - Burnt Piece, 1977-78. Cemento, legno bruciato e rete metallica. 33 7/8 x 34 x 34" (86,1 x 86,4 x 86,4 cm). Dono di Agnes Gund. Collezione MoMA. © 2019 Jackie Winsor
La Fine delle Etichette
Una delle etichette più dubbie che è stata spesso assegnata a Winsor è “Arte del Processo,” che è un modo di descrivere fenomeni estetici per i quali l’oggetto finale non è importante—è il processo di creazione che conta di più. Ciò che confonde le persone, senza dubbio, riguardo a Winsor è che il processo è così evidentemente vitale per le sue creazioni. Infatti, nulla di ciò che realizza potrebbe nascere senza che lei inventi spesso processi del tutto nuovi, che incorporano metodi e tecniche inedite, forse specifiche solo per la creazione di una particolare scultura. Per quanto importanti siano i suoi processi, tuttavia, l’oggetto finale rimane vitale. Sì, è il risultato del processo, e la sua convalida, ma è anche la ragione d’essere del processo. Senza la visione che Winsor ha per un oggetto, che esiste ostinatamente nello spazio e nel tempo reali, il processo non avrebbe motivo di esistere.
Jackie Winsor - Laminated Plywood, 1973. Compensato. 7 1/2 x 48 x 48" (19,1 x 121,9 x 121,9 cm). Dono della Gilman Foundation in memoria di J. Frederic Byers III. Collezione MoMA. © 2019 Jackie Winsor
Un’altra etichetta spesso assegnata a Winsor è Post-Minimalismo. Anche questa etichetta ha poco a che fare con il suo lavoro. L’arte post-minimalista usa il Minimalismo come punto di partenza, o punto di riferimento, ma non abbraccia tutte le sue convinzioni concettuali. Winsor si distingue da questa descrizione confusa e da tutte le altre etichette approssimative. Come Marcel Duchamp, è un movimento artistico a sé. Porta in esistenza sculture che parlano con sicurezza di cosa significhi avere una presenza; contenere una trama; occupare uno spazio; essere il risultato di un lavoro. Crea arte che dichiara di avere tanto diritto di esistere quanto una roccia, un albero o una creatura. Le sue sculture non hanno bisogno di essere convalidate da teorie o spiegate accademicamente per rivendicare la loro autonomia. Ci liberano dalla necessità di categorizzare, o anche solo di comprendere. Tutto ciò che dobbiamo fare per apprezzare il suo lavoro è semplicemente apprezzarlo per ciò che indiscutibilmente è: concreto; astratto; esoterico; eccentrico; e umano.
Immagine in evidenza: Jackie Winsor - Chunk Piece, 1970. Canapa. 36 x 38 in. (91,4 x 96,5 cm). Paula Cooper Gallery. © Jackie Winsor
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio
