Perché Jackie Winsor è eccentricamente astratta

Il lavoro di Jackie Winsor fornisce un perfetto e meraviglioso contrappunto alle teorie accademiche sull'astrazione contemporanea. Il dibattito che guida la maggior parte delle attuali conversazioni sull'arte astratta ruota inevitabilmente attorno alla differenza tra astrazione pura—arte che non ha alcuna relazione con il cosiddetto mondo reale—e astrazione che è derivata da, o astratta da, qualcosa di figurativo. Da più di cinque decenni, Winsor crea opere che potrebbero, in teoria, rientrare in entrambi i lati di questo dibattito. Ad esempio, la presenza inquietante di “Chunk Piece” (1970), un tronco di canapa arrotolato, potrebbe essere considerata qualcosa di astratto dal mondo reale, nonostante il fatto che nulla di simile esista nella realtà. Nel frattempo, “Pink and Blue Piece” (1985), un cubo specchiato, potrebbe essere definito pura astrazione formalista, poiché è solo una semplice forma geometrica che riposa nello spazio. Eppure, entrambe queste opere potrebbero anche essere descritte in innumerevoli altri modi. Il cubo suppostamente formalista potrebbe essere figurativo, poiché somiglia a numerosi altri oggetti nel mondo reale; e il tronco suppostamente astratto potrebbe non essere affatto astratto—potrebbe essere un oggetto concreto e autoreferenziale che esiste per nessun'altra ragione se non per esprimere le proprie qualità. Le sculture di Winsor sono così eccentriche e individualistiche che disintegrano completamente il dibattito sull'astrazione. Esistono al di fuori della conversazione, rendendola irrilevante. Eppure sono così convincenti a un livello viscerale—così sublimemente dichiarative di qualcosa di essenziale, ma al di là della nostra intelligenza—che non posso fare a meno di pensare che siano essenziali per la nostra comprensione dell'astrazione. Come altri due visionari della sua generazione—Richard Serra ed Eva Hesse—Winsor rappresenta la promessa che l'arte astratta può essere simultaneamente inimmaginabilmente esoterica e indiscutibilmente umana.

Esistere ostinatamente

Nel 1979, all'età di 37 anni, Winsor ebbe una mostra personale al Museum of Modern Art di New York. La mostra presentava 24 opere. Nel saggio del catalogo per la mostra, Winsor è stato descritto come "uno dei più capaci scultori più giovani di oggi." Tuttavia, il saggio non fornisce molta chiarezza su cosa esattamente abbia fatto pensare ai curatori che il lavoro di Winsor fosse così importante. Evitando ogni iperbole, si limita a sottolineare riguardo al lavoro "la sua oggettualità o, come dice Ellen Johnson citando Rilke, la sua 'esistenza ostinata.'" I pezzi dell'esposizione al MoMA condividevano una qualità universale meglio descritta come comunicativa di uno sforzo meticoloso e prolungato: erano prova di lavoro. "Bound Square" (1972) appare semplice come un comune telaio di legno, ma i chilometri di spago avvolti attorno ai suoi angoli smentiscono il fatto che Winsor ha passato innumerevoli ore a legare metodicamente il pezzo insieme. "Four Corners" (1972) è un semplice arrangiamento di quattro forme rotonde sul pavimento, ma quante ore sono state dedicate a modellare le palle? Allo stesso modo, i numerosi chiodi conficcati nella parte superiore di legno di "Nail Piece" (1970) suggeriscono una qualità maniacale, mentre il titolo autoreferenziale "30 to 1 Bound Trees" (1971-72) sembra interrogare il valore di tutto il lavoro umano in relazione alla natura.

Jackie Winsor - Bound Square, 1972. Legno e spago. 6' 3 1/2" x 6' 4" x 14 1/2" (191.8 x 193 x 36.8 cm). Joseph G. Mayer Foundation, Inc., in onore di James Thrall Soby e Grace M. Mayer Fund in onore di Alfred H. Barr, Jr. Collezione MoMA. © 2019 Jackie Winsor

La prima reazione che si potrebbe avere di fronte a sculture come “Bound Square”, “Four Corners”, “Nail Piece” e “30 to 1 Bound Trees” è quella di ammirare la semplicità astratta delle forme. Forse in secondo luogo si potrebbe provare un'attrazione viscerale per la fisicità grezza dei materiali: il legno, la canapa e il metallo. Ma è nel processo di immaginare infine lo sforzo che è andato nella creazione delle sculture che la nostra connessione umana a quelle forme e a quei materiali raggiunge il suo apice. È allora che ci rendiamo conto che le semplici forme geometriche non sono state scelte solo per le loro qualità astratte formali, ma perché si prestano maggiormente a un lavoro ripetitivo e monotono. Immaginare la sensazione di tenere il legno, la canapa, il martello e i chiodi tra le mani ora dopo ora collega le sculture alla nostra umanità in carne e ossa. I pezzi esistono infatti ostinatamente nonostante la nostra capacità di descriverli, convalidarli o assegnare loro un significato; occupano anche ostinatamente un territorio intellettuale, celebrando con la loro esistenza la natura intrinsecamente bella ma confondente di ogni sforzo.

Jackie Winsor - Pezzo Bruciato, 1977-78. Cemento, legno bruciato e rete metallica. 33 7/8 x 34 x 34" (86.1 x 86.4 x 86.4 cm). Dono di Agnes Gund. Collezione MoMA. © 2019 Jackie Winsor

La fine delle etichette

Una delle etichette più dubbie che è stata frequentemente assegnata a Winsor è "Process Art", che è un modo per descrivere fenomeni estetici per i quali l'oggetto finale non è importante: è il processo di creazione che conta di più. Ciò che confonde le persone, senza dubbio, riguardo a Winsor è che il processo è così ovviamente vitale per le sue creazioni. Infatti, nulla di ciò che crea potrebbe avvenire senza che lei inventi spesso processi completamente nuovi, che incorporano metodi e tecniche novità specifiche, forse, solo per la creazione di una particolare scultura. Per quanto importanti siano i suoi processi, tuttavia, l'oggetto finale rimane vitale. Sì, è il risultato del processo, e la validazione del processo, ma è anche il raison d’être del processo. Senza la visione che Winsor aveva per un oggetto, ostinatamente esistente nello spazio e nel tempo reali, il processo non avrebbe motivo di esistere.

Jackie Winsor - Pannelli di compensato laminato, 1973. Compensato. 7 1/2 x 48 x 48" (19,1 x 121,9 x 121,9 cm). Dono della Gilman Foundation in memoria di J. Frederic Byers III. Collezione MoMA. © 2019 Jackie Winsor

Un altro etichetta frequentemente assegnata a Winsor è Post-Minimalismo. Questa etichetta, a sua volta, ha poca rilevanza per il suo lavoro. L'arte post-minimalista utilizza il minimalismo come punto di partenza, o punto di riferimento, ma non abbraccia tutte le sue convinzioni concettuali. Winsor si distingue da questa descrizione confusa e da tutte le altre etichette poco convincenti. Come Marcel Duchamp, è un movimento artistico al femminile. Porta in esistenza sculture che parlano con sicurezza di cosa significa avere una presenza; contenere texture; occupare spazio; essere il risultato di un lavoro. Crea arte che dichiara di avere tanto diritto di essere qui quanto qualsiasi roccia, albero o creatura. Le sue sculture non hanno bisogno di essere validate dalla teoria, o spiegate accademicamente, per rivendicare la loro agenzia. Ci liberano dalla necessità di categorizzare, o addirittura comprendere. Tutto ciò che dobbiamo fare per apprezzare il suo lavoro è semplicemente apprezzarlo per quello che è indiscutibilmente: concreto; astratto; esoterico; eccentrico; e umano.

Immagine in evidenza: Jackie Winsor - Chunk Piece, 1970. Canapa. 36 x 38 in. (91,4 x 96,5 cm). Galleria Paula Cooper. © Jackie Winsor
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio