Mary Corse: Un'indagine sulla luce al Whitney

Una grande retrospettiva della carriera di Mary Corse è in mostra quest'estate al Whitney Museum of American Art di New York. Intitolata Mary Corse: A Survey in Light, l'esposizione tocca molte delle scoperte chiave che Corse ha fatto nel suo studio negli ultimi 50 anni. Quasi in retrospettiva, la ricerca attuale sta quantificando Corse come membro del Light and Space Movement emerso in California negli anni '50 e '60. Infatti, questo sembra, a prima vista, per così dire, essere un'affermazione appropriata da fare su quest'artista, poiché luce e spazio sono parte integrante di molte delle opere che ha realizzato. Tuttavia, come dimostra questa esposizione, la sua opera è in realtà molto più difficile da classificare di quanto quel comodo etichetta suggerisca. Oltre alla luce e allo spazio, Corse ha lottato con molte altre idee nel corso della sua carriera, comprese le misteri della piattezza, della percezione, della soggettività e l'idea che meno è di più. In un certo senso, è interessata tanto alla scienza e alla filosofia quanto all'arte. Una delle sue maggiori preoccupazioni è l'idea che nessun pezzo d'arte possa esistere senza una mente umana in grado di percepirlo.

Nessun albero, nessun bosco

C'è un vecchio indovinello che probabilmente hai già sentito, che chiede: “Se un albero cade nella foresta, ma nessuno è presente per sentirlo, fa rumore?” Mary Corse ha dato la sua opinione su questa domanda nel 2015, in un'intervista con Alex Bacon per il Brooklyn Rail. Ha detto: “non c'è realtà esterna senza percezione. In altre parole, l'albero non cade se nessuno sta guardando.” Tutto in questo indovinello dipende dall'umanità. Se non c'è nessuno nella foresta dotato di capacità percettive cognitive, non solo l'albero non fa rumore, ma non c'è nemmeno albero, perché la parola albero, la nozione di foresta, il concetto di suono—questi sono tutti costrutti umani. Esistono indipendentemente dalle realtà concrete solo nelle nostre menti. L'idea di esistenza richiede percezione.

Mary Corse - Senza titolo (Serie Terra Nera), 1978. Ceramica, due piastrelle, 96 x 48 in. (243,8 x 121,9 cm). Cortesia di Kayne Griffin Corcoran, Los Angeles, Lehmann Maupin, New York; e Lisson Gallery, Londra. Fotografia © Mary Corse

L'arte, quindi, è la riformazione dell'esistenza come manifestata dal corpo e tradotta dalla mente. Corse non è tanto un'artista di Luce e Spazio quanto un'artista la cui esperienza della realtà è stata influenzata dalle qualità della luce e dello spazio. La sua affezione è iniziata una notte negli anni '60 mentre guidava, quando notò la natura riflettente delle linee bianche sulla strada. Sensing l'esistenza di luce e spazio attraverso la sua esperienza. Quando tornò nel suo studio e cercò di tradurre quell'esperienza, di riformarla in un oggetto fisico, i suoi sforzi la portarono a cercare le stesse sfere di vetro che si trovano nelle linee stradali dipinte, in modo da poterle mescolare nella sua vernice. Questa scoperta diede origine alla possibilità che gli spettatori potessero condividere la stessa sensazione che aveva nella sua auto quando incontrano il suo lavoro.

Mary Corse - Senza titolo (Serie Terra Nera), 1978. Ceramica, due piastrelle, 96 x 48 in. (243,8 x 121,9 cm). Cortesia di Kayne Griffin Corcoran, Los Angeles, Lehmann Maupin, New York; e Lisson Gallery, Londra. Fotografia © Mary Corse

Luce, Spazio, Colore, Terra e Mente

Oltre ai suoi dipinti con sfere di vetro, la retrospettiva di Whitney esplora anche molti altri corpi di lavoro che Corse ha sviluppato. Un esempio sono le sue scatole luminose, che ha realizzato per la prima volta appendendo scatole piene di lampadine al muro, con fili che pendevano da esse. Poi ha eliminato il muro e ha appeso le scatole luminose a fili attaccati al soffitto. Infine ha deciso di voler eliminare completamente i fili, così ha seguito un corso di fisica e ha imparato a costruire il proprio generatore utilizzando le bobine di Tesla. Corse stava cercando di isolare l'esperienza in modo tale che l'opera non mostrasse alcuna traccia della sua mano. Voleva creare un'esperienza completamente oggettiva.

Mary Corse - Senza titolo (White Multiple Inner Band), 2003. Microsfere di vetro e acrilico su tela, 96 x 240 in. (243,8 x 609,6 cm). Cortesia di Kayne Griffin Corcoran, Los Angeles, Lehmann Maupin, New York; e Lisson Gallery, Londra. Fotografia © Mary Corse

Tuttavia, i suoi studi di fisica la portarono alla fisica quantistica, che le insegnò la lezione dell'albero e della foresta: che non esiste un'oggettività; tutto è soggettivo. Una volta riabbracciata la soggettività della percezione, Corse si allontanò dalla plastica e dalla luce e creò un corpo di opere che chiamò dipinti Black Earth—lastre di ceramica nera modellate su impronte della terra intorno alla sua casa rurale in California. Come è evidente nell'esposizione Whitney, le superfici ceramiche di questi dipinti Black Earth riflettono ancora la luce, ma la luce non è la loro unica preoccupazione. La loro presenza cambia mentre lo spettatore si muove attorno a esse, rendendo le opere cinetiche. Ciò significa che in realtà riguardano di più l'energia, il principio sottostante sia del movimento che della luce.

Mary Corse - Senza titolo (Diamante bianco, Striscia negativa), 1965. Acrilico su tela, 84 x 84 in. (213,36 x 213,36 cm). Collezione di Michael Straus. Fotografia © Mary Corse

L'arte è uno stato d'animo

Oltre alle sue Light Boxes, ai dipinti White Light e ai dipinti Black Earth, la retrospettiva di Whitney include anche esempi delle sculture a pannelli multipli e autoportanti realizzate da Corse. Queste opere utilizzano la luce riflettendola sulle loro superfici dipinte di bianco e sfruttano anche le sottili bande di spazio vuoto che esistono tra i pannelli. Questa divisione, composta di vuoto, è un'idea a cui Corse è tornata spesso. Nelle sue opere più antiche, divideva i suoi dipinti con una striscia verticale. In alcune opere recenti esiste anche una linea centrale, ma è visibile solo frontalmente: scompare se vista di lato. Allo stesso modo, se si osservasse una delle sue sculture autoportanti di lato, la divisione scomparirebbe. Questo solleva nuovamente interrogativi sul rapporto tra esistenza e percezione.

Mary Corse - Senza titolo (Due colonne triangolari), 1965. Acrilico su legno e plexiglass, due parti, 92 x 18 1/8 x 18 1/8 in. (233.7 x 46 x 46 cm) e 92 x 18 1/16 x 18 in. (233.7 x 45.9 x 45.7 cm). Whitney Museum of American Art, New York; dono di Michael Straus in memoria affettuosa di Howard e Helaine Straus 2016.6a-b

È interessante notare che tali domande sono anche al centro della sua carriera professionale, poiché l'interesse per il lavoro di Corse è aumentato enormemente negli ultimi anni. Ha sempre lavorato in silenzio, esponendo raramente e associandosi poco ai suoi contemporanei. Ora, mentre sempre più persone e istituzioni percepiscono ciò che ha realizzato, la sua carriera sta diventando più concreta. È per questo che, ora più che mai, un'indagine come questa al Whitney è vitale. Funziona come una sorta di disinfettante, combattendo la malattia dell'incoerenza nel mondo dell'arte dimostrando che Corse è senza tempo e inclassificabile, smentendo la sua definizione di artista Light and Space mostrando che il suo lavoro è complesso quanto la mente è in grado di percepire.

Immagine in evidenza: Mary Corse - Senza titolo (Spazio + Luce Elettrica), 1968. Luce argon, plexiglass e generatore ad alta frequenza, 45 1/4 x 45 1/4 x 4 3/4 in. (114,9 x 114,9 x 12,1 cm). Museo d'Arte Contemporanea di San Diego; acquisto del museo con fondi della Annenberg Foundation. Fotografia di Philipp Scholz Rittermann

Di Phillip Park