Mary Corse: Un'indagine sulla luce al Whitney

Una grande retrospettiva sulla carriera di Mary Corse è in mostra questa estate al Whitney Museum of American Art di New York. Intitolata Mary Corse: A Survey in Light, la mostra affronta molte delle scoperte chiave che Corse ha fatto nel suo studio negli ultimi 50 anni. Quasi in retrospettiva, gli studi attuali quantificano Corse come membro del Movimento Luce e Spazio emerso in California negli anni ’50 e ’60. In effetti, questo sembra a prima vista, per così dire, un’affermazione appropriata su questa artista, poiché luce e spazio sono parte integrante di molte delle opere che ha realizzato. Tuttavia, come dimostra questa mostra, la sua opera è in realtà molto più difficile da classificare di quanto quella comoda etichetta suggerisca. Oltre a luce e spazio, Corse ha affrontato molte altre idee nel corso della sua carriera, tra cui i misteri della piattezza, della percezione, della soggettività e l’idea che meno è di più. In un certo senso, è interessata tanto alla scienza e alla filosofia quanto all’arte. Una delle sue maggiori preoccupazioni è l’idea che nessuna opera d’arte possa esistere senza una mente umana in grado di percepirla.

Nessun Albero, Nessun Bosco

C’è un vecchio indovinello che probabilmente avete già sentito, che chiede: “Se un albero cade nella foresta, ma nessuno è lì per sentirlo, fa rumore?” Mary Corse ha dato la sua interpretazione di questa domanda nel 2015, in un’intervista con Alex Bacon per il Brooklyn Rail. Ha detto: “non esiste una realtà esterna senza percezione. In altre parole, l’albero non cade se nessuno lo guarda.” Tutto in questo indovinello dipende dall’umanità. Se non c’è nessuno nella foresta dotato di capacità percettive cognitive, non solo l’albero non fa rumore, ma non esiste nemmeno l’albero, perché la parola albero, la nozione di foresta, il concetto di suono—sono tutti costrutti umani. Esistono indipendentemente dalle realtà concrete solo nelle nostre menti. L’idea di esistenza richiede percezione.

Mary Corse - Senza titolo (Serie Terra Nera), 1978. Ceramica, due piastrelle, 243,8 x 121,9 cm. (96 x 48 in.). Cortesia Kayne Griffin Corcoran, Los Angeles, Lehmann Maupin, New York; e Lisson Gallery, Londra. Fotografia © Mary Corse

L’arte, quindi, è la riforma dell’esistenza manifestata dal corpo e tradotta dalla mente. Corse non è tanto un’artista del Movimento Luce e Spazio quanto un’artista la cui esperienza della realtà è stata influenzata dalle qualità della luce e dello spazio. La sua ispirazione è iniziata una notte negli anni ’60 mentre guidava, quando notò la natura riflettente delle linee bianche sulla strada. Percepì l’esistenza della luce e dello spazio attraverso la sua esperienza. Quando tornò nel suo studio e cercò di tradurre quell’esperienza, di riformarla in un oggetto fisico, i suoi sforzi la portarono a cercare le stesse sfere di vetro che si trovano nelle linee dipinte sulle strade per poterle mescolare nella sua pittura. Questa scoperta diede origine alla possibilità che gli spettatori potessero condividere la stessa sensazione che lei aveva avuto in macchina quando incontrano la sua opera.

Mary Corse - Senza titolo (Serie Terra Nera), 1978. Ceramica, due piastrelle, 243,8 x 121,9 cm. (96 x 48 in.). Cortesia Kayne Griffin Corcoran, Los Angeles, Lehmann Maupin, New York; e Lisson Gallery, Londra. Fotografia © Mary Corse

Luce, Spazio, Colore, Terra e Mente

Oltre ai suoi dipinti con sfere di vetro, la retrospettiva al Whitney esplora anche molti altri cicli di opere che Corse ha sviluppato. Un esempio sono le sue scatole luminose, che realizzò per la prima volta appendendo scatole piene di lampadine al muro, con fili che pendevano da esse. Poi eliminò il muro e appese le scatole luminose a fili attaccati al soffitto. Poi decise di eliminare del tutto i fili, così seguì un corso di fisica e imparò a costruire il proprio generatore usando bobine di Tesla. Corse cercava di isolare l’esperienza in modo che l’opera non mostrasse traccia della sua mano. Voleva creare un’esperienza completamente oggettiva.

Mary Corse - Senza titolo (White Multiple Inner Band), 2003. Microsfere di vetro e acrilico su tela, 243,8 x 609,6 cm. (96 x 240 in.). Cortesia Kayne Griffin Corcoran, Los Angeles, Lehmann Maupin, New York; e Lisson Gallery, Londra. Fotografia © Mary Corse

Tuttavia, i suoi studi di fisica la portarono alla fisica quantistica, che le insegnò la lezione dell’albero e della foresta: che non esiste oggettività; tutto è soggettivo. Una volta riabbracciata la soggettività della percezione, Corse si allontanò dalla plastica e dalla luce e realizzò un ciclo di opere che chiamò dipinti Terra Nera—lastre di ceramica nera modellate sulle impronte della terra intorno alla sua casa rurale in California. Come si vede nella mostra al Whitney, le superfici ceramiche di questi dipinti Terra Nera riflettono ancora la luce, ma la luce non è la loro unica preoccupazione. La loro presenza cambia mentre lo spettatore si muove intorno a esse, rendendo le opere cinetiche. Ciò significa che in realtà parlano più di energia, il principio fondamentale sia del movimento che della luce.

Mary Corse - Senza titolo (White Diamond, Negative Stripe), 1965. Acrilico su tela, 213,36 x 213,36 cm. (84 x 84 in.). Collezione di Michael Straus. Fotografia © Mary Corse

L’arte è uno Stato della Mente

Oltre alle sue Scatole Luminose, ai dipinti Luce Bianca e ai dipinti Terra Nera, la rassegna al Whitney include anche esempi delle sculture autonome a più pannelli che Corse realizza. Queste opere usano la luce riflettendola sulle loro superfici bianche dipinte, e sfruttano anche le sottili fasce di spazio vuoto che esistono tra i pannelli. Questa divisione, composta dal vuoto, è un’idea a cui Corse è tornata spesso. Nei suoi lavori più antichi, divideva i suoi dipinti con una striscia verticale. In alcune opere recenti esiste anche una linea centrale, ma è visibile solo frontalmente—scompare se vista di lato. Allo stesso modo, se si osservasse una delle sue sculture autonome di lato, anche la divisione scomparirebbe. Questo solleva nuovamente domande sul rapporto tra esistenza e percezione.

Mary Corse - Senza titolo (Due Colonne Triangolari), 1965. Acrilico su legno e plexiglass, due parti, 233,7 x 46 x 46 cm e 233,7 x 45,9 x 45,7 cm. Whitney Museum of American Art, New York; dono di Michael Straus in memoria affettuosa di Howard e Helaine Straus 2016.6a-b

È interessante notare che tali domande sono anche al centro della sua carriera professionale, poiché l’interesse per il lavoro di Corse è cresciuto enormemente negli ultimi anni. Ha sempre lavorato in modo riservato, esponendo di rado e associandosi poco con i suoi contemporanei. Ora che molte più persone e istituzioni stanno riconoscendo ciò che ha realizzato, la sua carriera sta diventando più concreta. Per questo motivo, ora più che mai, una rassegna come questa al Whitney è vitale. Funziona come una sorta di disinfettante, combattendo la malattia della mutevolezza del mondo dell’arte dimostrando che Corse è senza tempo e non classificabile, confutando la sua definizione di artista del Movimento Luce e Spazio mostrando che il suo lavoro è complesso quanto la mente è in grado di percepire.

Immagine in evidenza: Mary Corse - Senza titolo (Spazio + Luce Elettrica), 1968. Luce di argon, plexiglass e generatore ad alta frequenza, 114,9 x 114,9 x 12,1 cm. (45 1/4 x 45 1/4 x 4 3/4 in.). Museum of Contemporary Art San Diego; acquisto del museo con fondi della Fondazione Annenberg. Fotografia di Philipp Scholz Rittermann

Di Phillip Barcio