In viaggio con Antoni Tàpies

Quando Antoni Tàpies morì nel 2012, lasciò un enorme vuoto nella cultura spagnola. Era senza dubbio l'artista visivo spagnolo più influente della sua generazione, e sotto molti aspetti è difficile immaginare l'avanguardia spagnola del dopoguerra senza di lui. In effetti, si può affermare con sicurezza che senza Tàpies, l'arte del XX secolo sarebbe stata molto diversa in tutto il mondo. In un momento cruciale della storia della sua nazione, Tàpies abbandonò il suo comodo destino borghese e si dedicò invece a forgiare una vita incerta come artista. Fu uno dei sei fondatori di Dau al Set, un collettivo d'arte d'avanguardia estremamente influente attivo tra il 1948 e il 1956. Dopo aver lasciato il gruppo nel 1952, Tàpies creò un linguaggio visivo che univa gli elementi più radicali del Surrealismo e del Dadaismo, con i fondamenti dell'astrazione formale e le tendenze emergenti a livello mondiale dell'informale. Dalle radici del misticismo e della metafisica, formò una filosofia estetica universale basata sull'apprezzamento per i materiali naturali e un legame con la Terra e i suoi elementi. La sua opera culminò in quelle che sono diventate note come le sue “Pitture Materiche”—opere formate da, costituite di, e in celebrazione dei materiali quotidiani trovati che lo circondavano. Lasciando dietro di sé una vasta raccolta di saggi e conferenze, divenne noto tanto per la sua visione filosofica sull'arte quanto per le sue opere stesse. Riassunse il suo punto di vista fondamentale sull'arte e sulla vita con la frase: “La perfezione non può venire semplicemente da nobili idee, ma deve andare insieme a un rapporto con la terra.”

Il Settimo Lato

Quando la Guerra Civile Spagnola terminò nel 1939, il paese passò saldamente nelle mani di un regime fascista e nazionalista. Guidato dal generale Francisco Franco, il regime predicava che tutti gli elementi della cultura spagnola dovessero essere diretti a diffondere e sostenere il potere politico del governo. Tra le altre direttive, Franco sosteneva che tutta l'arte dovesse essere realizzata nello stile del realismo fascista. Inoltre, vietò l'uso della lingua catalana. Questo fu doloroso per la generazione di giovani artisti cresciuti idolatrando i giganti dell'avanguardia spagnola come Pablo Picasso, Joan Miró e Salvador Dalí. La paura si diffuse rapidamente tra i giovani artisti che la cultura spagnola moderna fosse destinata a scomparire. Ma almeno sei rivoluzionari culturali avevano altri progetti. Il poeta catalano Joan Brossa si organizzò con Tàpies, Joan Ponç, Modest Cuixart, il filosofo Arnau Puig e un editore indipendente di nome Joan-Josep Tharrats nel 1948 per fondare un gruppo intenzionato a sovvertire l'agenda nazionalista. Speravano di piantare i semi per una nuova cultura d'avanguardia antifascista. In omaggio ai loro eroi, i Surrealisti e i Dadaisti, si chiamarono Dau al Set—un termine che indica il lato inesistente sette di un dado a sei facce.

Antoni Tàpies - Chaises (Sedie), 1981. Carborundum. Composizione: 92 x 139 cm; Foglio: 93 x 139 cm. Editore: Galerie Lelong, Parigi. Stampatore: Joan Barbarà, Barcellona. Edizione 30. Collezione MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parigi.

Poiché le parole erano in catalano, il nome Dau al Set fu automaticamente controverso, e le sue connotazioni quasi mistiche indicavano un abbraccio dell'idea che la logica elitista avesse solo portato il mondo alla guerra. Dau al Set diffuse le sue idee e il suo linguaggio visivo unico attraverso una rivista omonima, pubblicata sulla tipografia personale di Tharrats. I suoi articoli erano scritti anche nella lingua catalana proibita, e le immagini mostravano una miscela di misticismo, fantasia e pura astrazione—tutto in diretta opposizione al regime fascista di Franco. Dei tre artisti del gruppo, Tàpies era il più astratto. Era autodidatta, le sue immagini erano ispirate dalla filosofia, e i suoi metodi si basavano sulla pura gioia dei mezzi e dei materiali. Sperimentava mescolando additivi insoliti con i suoi colori a olio, e presto iniziò ad aggiungere materiali e oggetti trovati insieme ai suoi colori. Nel 1952, era così immerso nella ricerca del proprio percorso artistico che lasciò Dau al Set. Da quel momento in poi, Tàpies si dedicò completamente all'astrazione informale e all'esplorazione dei materiali misti come posizione estetica a sé stante.

Antoni Tàpies - Petrificada Petrificante, 1978. 7 acqueforti (inclusa la copertina) con carborundum, collagrafia e/o acquaforte, e 1 incisione e carborundum; e suite supplementare. Pagina irregolare 52 x 41 cm. Stampe: varie dimensioni. Editore: Maeght Éditeur, Parigi. Stampatore: Atelier Morsang, Parigi. Edizione 195+. Fondo Mrs. Gilbert W. Chapman e dono di Galerie Maeght. Collezione MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parigi.

La Materia della Pittura

Oltre a essere un artista autodidatta, Tàpies fu anche un teorico dell'arte autodidatta. È nei suoi scritti, infatti, che troviamo molte intuizioni sulla sostanza della sua arte. Due delle sue citazioni più rivelatrici sono: “Se non posso cambiare il mondo, voglio almeno cambiare il modo in cui le persone lo guardano;” e, “La profondità non si trova in qualche luogo remoto e inaccessibile. È radicata nella vita quotidiana.” Vediamo entrambe queste affermazioni in opere come “Grande Pittura” (1958), un collage di cartone del colore della terra. La superficie dell'opera appare bruciata, contusa e macchiata. È fatta con i materiali più semplici, con le tecniche più grezze, dalla mano di un artista senza educazione estetica formale. Eppure, all'interno della composizione incontriamo un equilibrio perfetto, un'armonia cromatica e una moltitudine di trame e tonalità. Passeremmo oltre questi materiali per strada, ma qui i nostri occhi possono perdersi in una mappa del tesoro esotica di profondità infinita e scarabocchi mistici.

Antoni Tàpies - Saint Gall, 1962. Litografia. Dono di Paul F. Walter. Collezione MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parigi.

Tàpies estese il suo pensiero anche al campo della scultura. Una delle sue opere più famose, “Scrivania con Paglia” (1970), è tanto semplice quanto indica il titolo—un assemblaggio di una vera scrivania di legno coperta di paglia. La combinazione di materiali sembra insensata all'inizio, eppure la perfetta bellezza della loro giustapposizione conferisce all'opera un'aura di inevitabilità, rendendola perfettamente razionale, non come mobile, ma come arte. Nel frattempo, “Letto Aperto” (1986) adotta l'approccio opposto. Un letto a grandezza naturale in argilla refrattaria colorato con smalto, il significato della forma è in diretta opposizione ai materiali. Ma non ci vuole molto perché l'osservatore capisca che l'assurdità di dormire sull'argilla svanisce se pensiamo alla terra come al nostro letto. Come in tutte le opere create da Tàpies, la profondità è proprio lì, nella banalità del pensiero quotidiano; è tutto nel modo in cui la si guarda.

Immagine in evidenza: Antoni Tàpies - Grande Pittura, 1958. Olio con sabbia su tela. 199,3 x 261,6 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York. © 2018 Fundació Antoni Tàpies/Artists Rights Society (ARS), New York/VEGAP, Madrid.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio