In viaggio con Antoni Tàpies

Quando Antoni Tàpies morì nel 2012, lasciò un enorme vuoto nella cultura spagnola. Era senza dubbio l'artista visivo spagnolo più influente della sua generazione e, sotto molti aspetti, è difficile immaginare l'avanguardia spagnola del dopoguerra senza di lui. In effetti, è persino sicuro affermare che senza Tàpies, l'arte del XX secolo sarebbe stata piuttosto diversa in tutto il mondo. In un momento critico della storia della sua nazione, Tàpies abbandonò il suo comodo destino borghese e si dedicò invece a forgiare una vita incerta come artista. Fu uno dei sei fondatori di Dau al Set, un collettivo artistico d'avanguardia tremendamente influente attivo tra il 1948 e il 1956. Dopo aver lasciato il gruppo nel 1952, Tàpies creò un linguaggio visivo che univa gli elementi più radicali del Surrealismo e del Dada, con i fondamenti dell'astrazione formale e le tendenze globali emergenti nell'informalismo. Dalle radici del misticismo e della metafisica, formò una filosofia estetica universale basata su un apprezzamento per i materiali naturali e una connessione con la Terra e i suoi elementi. Il suo lavoro culminò in ciò che è venuto a essere conosciuto come le sue “Opere di Materia”—opere d'arte formate da, costituite da e celebrative dei materiali quotidiani trovati con cui si trovava circondato. Lasciando dietro di sé una vasta collezione di saggi e conferenze, alla fine fu conosciuto tanto per la sua visione filosofica sull'arte quanto per il suo stesso lavoro. Riassunse la sua visione fondamentale sull'arte e sulla vita nella dichiarazione: “La perfezione non può derivare semplicemente da idee nobili, ma deve andare di pari passo con una relazione con la terra.”

Il settimo lato

Quando la Guerra Civile Spagnola si concluse nel 1939, il paese passò saldamente nelle mani di un regime fascista e nazionalista. Guidato dal generale Francisco Franco, il regime predicava che tutti gli elementi della cultura spagnola dovessero essere diretti verso la diffusione e il sostegno del potere politico del governo. Tra le altre agende, Franco sosteneva che tutta l'arte dovesse essere realizzata nello stile del realismo fascista. Proibì anche l'uso della lingua catalana. Questo fu straziante per la generazione di giovani artisti che erano cresciuti idolatrando giganti dell'avanguardia spagnola come Pablo Picasso, Joan Miró e Salvador Dalí. La paura si diffuse rapidamente tra i giovani artisti che la cultura spagnola moderna fosse condannata. Ma almeno sei rivoluzionari culturali avevano altri piani. Il poeta catalano Joan Brossa si organizzò con Tàpies, Joan Ponç, Modest Cuixart, il filosofo Arnau Puig e un editore indipendente di nome Joan-Josep Tharrats nel 1948 per avviare un gruppo intenzionato a sovvertire l'agenda nazionalista. Speravano di piantare i semi per una nuova cultura avanguardistica contro il fascismo. In omaggio ai loro eroi i Surrealisti e Dadaisti, si chiamarono Dau al Set—un termine per il lato sette non esistente di un dado a sei facce.

Antoni Tàpies - Chaises (Sedie), 1981. Carborundum. Composizione: 36 1/4 x 54 3/4" (92 x 139 cm); Foglio: 36 5/8 x 54 3/4" (93 x 139 cm). Editore: Galerie Lelong, Parigi. Tipografo: Joan Barbarà, Barcellona. Edizione 30. Collezione MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parigi.

Poiché le parole erano in catalano, il nome Dau al Set era automaticamente controverso, e le sue connotazioni quasi mistiche segnalavano un abbraccio della nozione che la logica elitista aveva sempre portato il mondo in guerra. Dau al Set diffuse le sue idee e il suo linguaggio visivo unico attraverso una rivista dallo stesso nome, pubblicata sulla stampa personale di Tharrats. I suoi articoli erano scritti anche nella lingua catalana vietata, e le immagini mostrano un mix di mistica, fantasia e pura astrazione, tutte in diretta opposizione al regime fascista di Franco. Dei tre artisti del gruppo, Tàpies era il più astratto. Era autodidatta, le sue immagini erano ispirate dalla filosofia, e i suoi metodi erano radicati nella pura gioia dei mezzi e dei materiali. Sperimentava mescolando additivi insoliti con i suoi colori ad olio, e presto iniziò ad aggiungere materiali e oggetti trovati con le sue vernici. Nel 1952, era così immerso in una ricerca per scoprire il proprio percorso artistico che lasciò Dau al Set. Da quel momento in poi, Tàpies si dedicò completamente all'astrazione informale e all'esplorazione dei media misti come posizione estetica a sé stante.

Antoni Tàpies - Petrificada Petrificante, 1978. 7 acqueforti (incluso il rivestimento) con carborundum, collagraph e/o acquaforte, e 1 incisione e carborundum; e suite supplementare. Irreg. pagina 20 1/2 x 16 1/8" (52 x 41 cm). Stampe: dimensioni varie. Editore: Maeght Éditeur, Parigi. Tipografo: Atelier Morsang, Parigi. Edizione 195+. Fondo Mrs. Gilbert W. Chapman e dono della Galerie Maeght. Collezione MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parigi.

La Questione della Pittura

Oltre ad essere un artista autodidatta, Tàpies era anche un teorico dell'arte autodidatta. È nei suoi scritti, infatti, che troviamo molte intuizioni sulla sostanza della sua arte. Due delle sue citazioni più rivelatrici sono: “Se non posso cambiare il mondo, voglio almeno cambiare il modo in cui le persone lo guardano;” e, “La profondità non si trova in qualche luogo remoto e inaccessibile. È radicata nella vita quotidiana.” Vediamo entrambe queste affermazioni in opere come “Grande Pittura” (1958), un collage di cartone del colore della terra. La superficie dell'opera appare bruciata, contusa e macchiata. È realizzata con i materiali più semplici, con le tecniche più grezze, dalla mano di un artista senza formazione estetica formale. Eppure, all'interno della composizione incontriamo un perfetto equilibrio, armonia cromatica e una moltitudine di texture e tonalità. Passeremmo accanto a questi materiali per strada, ma qui i nostri occhi possono perdersi in una mappa del tesoro esotica di profondità infinite e scarabocchi mistici.

Antoni Tàpies- San Gallo, 1962. Litografia. Dono di Paul F. Walter. Collezione MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parigi.

Tàpies ha esteso il suo pensiero anche nel campo della scultura. Uno dei suoi pezzi più famosi, “Scrivania con Paglia” (1970), è tanto semplice quanto indica il suo titolo: è un assemblaggio di una vera scrivania di legno coperta di paglia. La combinazione di materiali sembra insensata all'inizio, eppure la perfetta bellezza della loro giustapposizione conferisce all'opera un'aura di inevitabilità, rendendola perfettamente razionale, non come mobile, ma come arte. Nel frattempo, “Letto Aperto” (1986) adotta l'approccio opposto. Un letto a grandezza naturale, in argilla refrattaria colorato con vernice smaltata, il significato della forma è in diretta opposizione ai materiali. Ma non ci vuole molto perché uno spettatore si renda conto che l'assurdità di dormire su argilla svanisce se pensiamo alla terra come al nostro letto. Come in tutte le opere create da Tàpies, la profondità è proprio lì, nella banalità del pensiero quotidiano; tutto dipende da come lo si guarda.

Immagine in evidenza: Antoni Tàpies - Grande Pittura, 1958. Olio con sabbia su tela. 78 1/2 x 103 pollici (199,3 x 261,6 cm). Museo Solomon R. Guggenheim, New York. © 2018 Fundació Antoni Tàpies/Diritto degli Artisti (ARS), New York/VEGAP, Madrid.
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio