Sull'Illusionismo Astratto - Portare la Realtà Fuori dall'Illusione

Grazie alla diffusione del COVID-19, il campo dell’arte è entrato in un periodo strano di estrema piattezza, poiché ogni mostra nel mondo viene ripensata in forma digitale. Questo rende il momento perfetto per guardare indietro al movimento poco apprezzato e frainteso chiamato Illusionismo Astratto, il cui scopo principale era riconquistare l’elemento della profondità. Probabilmente non hai mai nemmeno sentito parlare di questo movimento, perché oggi quasi mai viene insegnato nelle lezioni di storia dell’arte. Perché no? Il mio sospetto è che sia stato troppo di successo per il suo bene. Era così popolare che si diffuse oltre il mondo dell’arte, in ogni aspetto della cultura visiva, dove venne così ridotto a un espediente. L’Illusionismo Astratto è fondamentalmente una fusione di trompe l’oeil (un termine francese che significa “ingannare l’occhio”) con le tendenze dell’arte astratta di metà Novecento come l’Espressionismo Astratto e l’Astrazione Geometrica. I pittori trompe l’oeil ingannano gli spettatori facendogli credere di guardare la realtà, ingannando l’occhio con texture, toni e colori iperrealistici, invitando gli osservatori a entrare nella cornice illusionistica e a scomparire nel mondo dipinto. La maggior parte degli artisti considera l’astrazione l’opposto del trompe l’oeil. Gli Illusionisti Astratti, invece, trovarono ispirazione nell’idea del trompe l’oeil che un dipinto potesse diventare un surrogato della realtà. Tuttavia, invece di usare questa idea per replicare la realtà, la usarono per far sembrare che elementi formali astratti come linee, pennellate e forme — che non hanno significato o relazione con la realtà rappresentativa — esistessero, sporgendo verso di noi, apparentemente come parte del nostro ambiente reale. Gli artisti associati a questo movimento erano così bravi in ciò che facevano che negli anni Ottanta, quando il movimento era al suo apice, le loro tecniche venivano usate da ogni grafico sul pianeta. Guardando oggi al linguaggio visivo di quel decennio, tutto, dalle grafiche dei videogiochi alle copertine degli album, prende in prestito le lezioni dell’Illusionismo Astratto — un’eredità deludente per un movimento che ebbe tanto successo da essere consumato dal pubblico che lo adorava.

Prospettive Impossibili

Nonostante il destino terribile che alla fine subirono, gli Illusionisti Astratti sono almeno in buona compagnia. Sono affiancati da una lunga lista di altri artisti che divennero troppo popolari perché il mondo dell’arte li amasse. Uno in particolare che viene in mente è Maurits Cornelis (M. C.) Escher, un artista olandese specializzato nella creazione di complessi xilografie di scene che mostravano realtà spaziali apparentemente impossibili. Le sue immagini più famose sono le scale che sembrano salire, scendere e andare di lato allo stesso tempo, e il suo disegno di due mani che si disegnano a vicenda nell’esistenza. Nonostante fosse uno dei disegnatori più abili e astuti della storia umana, fu quasi ignorato dagli addetti ai lavori del mondo dell’arte, che consideravano la sua opera kitsch. Escher aveva 70 anni prima che la sua opera ricevesse una vera retrospettiva. Eppure, il lavoro dei pionieri (e molto più famosi e rispettati) artisti dell’Optical Art come Victor Vasarely e Bridget Riley si basa assolutamente sulle tecniche perfezionate da Escher.

Ron Davis - Anello, 1968. Resina poliestere e fibra di vetro. 143,4 x 345,6 cm. Collezione MoMA. Fondo Mr. e Mrs. Samuel C. Dretzin. © 2020 Ron Davis

L’Illusionismo Astratto non solo subì lo stesso destino, ma gli artisti che lo pionierarono trassero direttamente dalle tecniche e teorie sviluppate da Escher. Le cose nei loro dipinti non sono reali; non possono essere reali; eppure quando le guardiamo la nostra mente si convince della loro realtà. Quando guardiamo un dipinto di Jackson Pollock, possiamo scegliere di perderci nelle sue complessità o di ammirare le qualità tattili dei suoi strati di impasto. Ma quando un Illusionista Astratto crea un dipinto a schizzi, la nostra mente è continuamente infastidita dall’illusione che le pennellate e gli schizzi fluttuino nello spazio. La trascendenza diventa impossibile mentre i nostri occhi e il cervello lottano per conciliare l’illusione. Se sappiamo che ciò che vediamo sono solo motivi, segni di pennello e colori, possiamo affrontare l’opera a quel livello formale. Facendo sembrare che questi elementi esistano nello spazio reale indipendentemente dall’intento, dal significato o dal soggetto, gli Illusionisti Astratti ci costringono a considerarli come oggetti veri, cose con il diritto di esistere nello stesso mondo di sassi, polvere e banane, cose con un ruolo nel nostro ecosistema esperienziale.

Paul Sarkisian - #6, 1981. Acrilico, brillantini e serigrafia su tela. 109,2 x 114,3 cm. © Paul Sarkisian

La Realtà dell’Illusione

Se il trompe l’oeil è l’illusione della realtà, e l’astrazione è l’espansione della realtà, l’Illusionismo Astratto potrebbe essere pensato come l’espansione della realtà dell’illusione. Nel 1979, il Museo d’Arte di Denver consolidò l’eredità del movimento con una mostra intitolata proprio così: Realtà dell’Illusione. La mostra canonizzò un piccolo gruppo di artisti ora considerati i pionieri dell’Illusionismo Astratto, tra cui Joe Doyle, James Havard e Jack Reilly. Doyle combinava geometria ed espressionismo, creando dipinti fantasiosi e colorati che fanno sembrare che cerchi, triangoli e linee ondulate fluttuino nello spazio illusionistico sopra superfici piatte dipinte con schizzi, gocce e segni di pennello.

James Havard - Pancia dell’Orso Airkara, 1976. Acrilico, pastello e grafite su carta montata su tavola. 101,6 x 80,9 cm. Galleria Marian Locks, Filadelfia. Acquisito dal proprietario attuale nel 1976. © James Havard

Anche Reilly adottò un linguaggio visivo giocoso nelle sue opere, creando dipinti scultorei che sembrano volare nello spazio come esplosioni di energia in un fumetto, o parti esplose di una macchina immaginaria sognata da Francis Picabia. Tra questi tre Illusionisti Astratti, Havard era il più sobrio. Creò composizioni cupe che, pur abbracciando l’uso di ombre e prospettiva per far sembrare che gli elementi fluttuassero nello spazio, aggiornarono anche posizioni estetiche storiche come il Cubismo e l’Art Brut in modi contemplativi. Guardando oggi al lavoro di questi e degli altri protagonisti di questo movimento frainteso, è facile liquidare i loro sforzi, dato che i residui dell’Illusionismo Astratto sono sparsi abbondantemente nella cultura popolare spesso orrenda di una generazione fa. Chiamate il loro lavoro un espediente, o pacchiano, o psichedelico, o banale. Chiamatelo come volete, ma rimane autentico. Stavano cercando di riconquistare la profondità come elemento formale nella pittura: un impegno serio, e uno che soprattutto nell’epoca del COVID-19, e con un sovraccarico di mostre digitali, ha ancora molto significato per noi oggi.

Immagine in evidenza: James Havard - Fiume Flat Head, 1976, acrilico su tela, 183 x 244 cm. Galleria Louis K. Meisel.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio