Arte Astratta Originale in Inchiostro da Non Perdere

L'arte dell'inchiostro esiste da millenni - dalle sue origini greche rozze e scarse alle opere d'arte più sofisticate create durante le dinastie Tang e Song in Cina, seguite dal periodo Muromachi in Giappone, e incarna la continuità e l'eredità dei tempi passati. Mentre l'arte dell'inchiostro era il principale e più fiorente mezzo dell'arte asiatica, i commercianti europei erano molto più affascinati dalla vivace e decorativa porcellana cinese piuttosto che dalle opere d'arte in inchiostro con le sue pratiche creative distinte e rappresentazioni estetiche. Vilificata durante la Rivoluzione Culturale nella Cina continentale, l'arte dell'inchiostro moderna è emersa a Hong Kong negli anni '70, quando i pittori cinesi in esilio sperimentarono con l'astrazione, creando così l'arte dell'inchiostro astratta più sorprendente. L'arte dell'inchiostro contemporanea si è evoluta dall'affascinante esplorazione dell'eredità culturale e dell'identità personale degli artisti, seguendo anche gli sviluppi più recenti nell'arte contemporanea globale. Navigando tra diversi stili di astrazione, ma flirtando anche con l'espressionismo e l'arte concettuale, la maggior parte degli artisti ha perseguito in modo convincente l'astrazione che ha permesso di riformulare i concetti critici del mezzo e di arrivare a una visione più ampia dell'arte dell'inchiostro. Questa fusione dell'arte dell'inchiostro tradizionale con l'astrazione occidentale ha inizialmente attratto artisti da Taiwan, Cina continentale, Hong Kong, Giappone e Corea, ma un gruppo di artisti occidentali ha seguito, poiché versare e schizzare sono stati aggiunti al lavoro con il pennello. Poiché l'arte astratta sta guadagnando popolarità, i collezionisti si affrettano ad aggiungere nuovi pezzi alla loro collezione. Trova la tua opera d'arte preferita nella nostra collezione settimanale e diventa un orgoglioso proprietario di una!

Martín Reyna - Senza titolo (Ref 19016)

Questo più recente di Reyna incarna la sua tecnica distintiva di diluire l'inchiostro e aggiungere un po' d'acqua sulla carta in modo che i colori si disperdano e interagiscano nei modi più insoliti. Inumidendo la superficie, consente all'inchiostro di reagire in modo spontaneo e imprevedibile mentre i colori si disperdono e si spargono, vibrando graziosamente e oltrepassando i propri confini iniziali. Senza titolo (Ref 19016) bilancia elegantemente la dedizione di Reyna a pianificare attentamente le proprietà lineari e spaziali delle sue composizioni e a permettere alle forze della natura di afferrare il processo e guidarlo in modo molto erratico. Reyna è un pittore astratto nato in Argentina che vive a Parigi, Francia. I suoi dipinti astratti gestuali deliziano l'occhio e attivano la mente con le loro relazioni di colore luminoso e le abili esplorazioni di prospettiva e spazio.

Martin Reyna - Senza titolo (Ref 19016), 2019. Inchiostro su carta. 100 x 150 cm.

Harald Kröner - Yappanoise 33

Yappanoise 33 fa parte di una delle quattro serie in corso di grandi opere su carta ispirate alle parole mostruose e ai neologismi di James Joyce, che alludono direttamente a tre aspetti dell'opera: yappan (uso dell'inchiostro giapponese), yap (esplosione improvvisa di segni colorati sparsi sulla carta bianca) e noise (sonorità dei colori). Le linee nere e grigie, sia orizzontali che verticali, stabiliscono il ritmo e orchestrano l'intero pezzo, mentre le creste della carta lo rendono più scultoreo. Kröner manipola la carta applicando la sua tecnica distintiva ispirata al montaggio cinematografico, che porta a un'attenta esplorazione della completa casualità mentre cerca di trovare l'equilibrio tra caso/controllo e caos/ordine e ispirare lo spettatore a offrire la propria interpretazione. Kröner è un artista tedesco che potrebbe essere descritto come "artista della carta", producendo principalmente opere su carta e collage. Il suo lavoro include anche installazioni pubbliche. Vive e lavora a Pforzheim, Germania.

Harald Kröner - Yappanoise 33, 2014. Inchiostro, smalto su carta. 110 x 160 x 3 cm.

Joanne Freeman - Copertine 4 Ultramarine

Le Copertine della Serie sono un omaggio personale di Freeman alle immagini di copertura dei mass media della cultura popolare di metà secolo. Lei fonde la qualità e la sensazione delle tradizionali stampe d'arte con la grafica a bassa tecnologia della cultura pop. Combinando inchiostro per incisione e acquaforte, Freeman accentua il suo linguaggio visivo riduttivo che mette in evidenza l'intensità della fisicità, dell'emozione, della limitazione e della casualità. L'inchiostro è ideale per enfatizzare la sua tavolozza ridotta che cattura l'interazione tra il fondo e il primo piano mentre esplora i riferimenti visivi dei simboli urbani e dei modelli architettonici. Freeman è un'artista astratta americana che crea dipinti minimalisti riduttivi e opere su carta, caratterizzati da forme astratte dai contorni netti e da segni gestuali audaci e vividi. Vive e lavora a New York City.

Joanne Freeman - Covers 4 Ultramarine, 2017. Acquaforte realizzata con inchiostro da incisione a base d'olio Charbonnel, stampata su carta 100% cotone Copperplate Warm White. 71 x 66 cm.

Margaret Neill - Ricevitore 1

Neill applica inchiostro nero su carta per creare formazioni geometriche fluide e inquietanti che incarnano l'intensità e l'espressività dell'Astrazione Lirica. Il suo approccio intuitivo e non rappresentazionale porta a un'espressione lirica ed eloquente che si basa sull'intersezione delle forme multilivello e delle superfici riccamente lavorate che illustrano la fluidità del tempo. Receiver 1 esamina come le qualità evocative della terra e del cielo interagiscano con elementi urbani di oggetti e architettura mentre esplora la propria relazione con il tempo e lo spazio. Neill è un'artista astratta americana dell'Ohio, che utilizza una varietà di mezzi per creare immagini liriche e gestuali informate da curve e forme non rappresentazionali. Vive e lavora a Brooklyn, NY.

Margaret Neill - Receiver 1, 2018. Inchiostro su carta. 74,93 x 55,88 cm.

Pierre Muckensturm - 174c091011

Questa stampa in acquatinta fa parte degli sforzi di Muckensturm per affrontare il suo costante interesse per il tempo e la prospettiva. 174c091011 è un polittico di nove elementi che sottolineano la sua infatuazione per la costanza e la temporalità rivelate attraverso una inquietante dicotomia tra la natura ripetitiva e ciclica del tempo e eventi singolari e isolati che interrompono quell'armonia. Libera il suo processo creativo applicando segni gestuali, esaminandoli e trasformandoli gradualmente mentre esplora come le loro variazioni in dimensione, forma, profondità, grandezza e orientamento trasmettono significati diversi. Muckensturm è un pittore e stampatore astratto francese la cui lingua visiva è quella dell'armonia, della calma e dell'atemporalità. Nato a Strasburgo, Francia, attualmente vive e lavora a Colmar.

Pierre Muckensturm - 174c091011, 2018. Stampa acquatinta su lastra di rame su carta BFK Rives 250 g. 156 x 156 cm.

Jill Moser - Billabong

Realizzato con acquatinta, spitbite e punta secca, Billabong rivela Moser’s profonda immersione nella storia del linguaggio scritto e della semiotica dietro ogni segno. La sua fascinazione per il linguaggio visivo e indicativo si manifesta nei suoi robusti segni di pennello che sembrano spontanei e sfrenati, ma che si evolvono attraverso un processo metodico e indicativo. Billabong cattura i vigorosi colpi di pennello di Moser che danno vita a un'espressione lirica e contemplativa che risuona con i suoi stati affettivi più profondi mentre bilancia il livello rivelatorio e interpretativo, coinvolgendo attivamente lo spettatore. Moser è un'artista astratta americana il cui lavoro esplora l'intersezione tra pittura, scrittura e immagine animata. Vive e lavora a New York.

Jill Moser - Billabong, 2008. Incisione. 58,4 x 53,3 cm.

Stephen Maine - Piani inclinati 135

Parte della serie Pitched Planes, Pitched Planes 135, è una stampa a rilievo distintiva che esplora la lucidità dei modelli costitutivi mentre si fondono in vari strati. Le stampe a rilievo sono realizzate utilizzando superfici di stampa di diversi prodotti industriali, stampate con inchiostro per incisione e legno. La trasparenza di tutti gli strati crea una fusione ottica di tonalità che rivela Maine’s eterna fascinazione per il colore e le sue proprietà materiali. In Pitched Planes 135, sospende il suo ego permettendo ai fenomeni compositivi di verificarsi con un'interferenza minima da parte sua, e lo spettatore si immerge nelle profondità spaziali emergenti mentre appare l'illusione della terza dimensione. Maine è un pittore astratto americano, scrittore, curatore e insegnante le cui opere coinvolgono ed estendono idee contemporanee su colore, composizione, superficie e processo. Vive e lavora a Brooklyn, New York.

Stephen Maine - Pitched Planes 135, 2004. Monotipo in rilievo. 61 x 48 cm.

Anne Russinof - Costole 12

Per Russinof, il colore è tutto: il colore serve a creare una finestra su uno spazio naturale e sulla luce. Ribs 12 è la sua reazione emotiva viscerale materializzata attraverso la vernice, che incide profondamente il suo stimolo visivo iniziale nel colore. Man mano che aggiunge strati, le relazioni di colore evolvono; la profondità appare gradualmente e la forma emerge trionfalmente. Russinof è ispirata dalla ricerca, un mistero che si svela e dalla suspense che annuncia l'affascinante interazione tra gli strati di vernice umida. Il suo lavoro sembra spontaneo e intuitivo, celando l'intenzionalità e la preparazione che ci sono dietro. Russinof è un'artista astratta americana il cui lavoro esamina il colore e la struttura in modo gestuale ed espressionista. Nata a Chicago, Illinois, attualmente vive e lavora a New York.

Anne Russinof - Ribs 12, 2017. Monotipo. 46 x 41 cm.

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Immagine in evidenza: Anne Russinof - Ribs 12, 2017, vista dell'installazione.
Di Jovana Vuković