Gli Anni Cool a LA e Le Prime Opere di Judy Chicago

Judy Chicago è facilmente una delle artiste più influenti di oggi. La sua installazione monumentale “Dinner Party” (1974-79), parte icona minimalista e parte capolavoro femminista, ha ispirato critiche e apprezzamenti simultanei, stabilendola come una pioniera culturale. Eppure ci sono molti che non conoscono ancora il suo lavoro iniziale. Chicago è stata una membro così vitale e prolifica dell'avanguardia sin dagli anni '70 che molte delle sue opere sperimentali degli anni '60 non sono mai state viste dai contemporanei, compresi molti dei suoi più grandi fan. Felicemente, quest'estate, in previsione di una retrospettiva di Judy Chicago che aprirà a dicembre al Miami MOCA durante Art Basel Miami Beach, la Villa Arson a Nizza, Francia, ospita un'esposizione innovativa che mira a riportare alla luce le sue prime sperimentazioni, per dare loro il rispetto che meritano. Intitolata Los Angeles, the cool years / Judy Chicago, l'esposizione offre uno sguardo dettagliato e intimo sulle molte fasi estetiche che Chicago ha attraversato fino alla creazione di “Dinner Party.” Mostra l'incredibile gamma di idee che questa artista ha sviluppato durante quel decennio vitale e offre uno sguardo su un genio innegabile che era, e continua a essere, completamente dedicato all'apertura e alla crescita.

Il potere di un nome

Judith Sylvia Cohen nacque a Chicago, Illinois, nel 1939. Suo padre, Arthur Cohen, era un rabbino liberale e aperto di mente che instillò sia in Judy che in suo fratello un apprezzamento per le arti e la musica, così come un apprezzamento per l'uguaglianza di genere e il rispetto per i diritti dei lavoratori. Judy aveva solo cinque anni quando iniziò a prendere lezioni all'Art Institute of Chicago. Ma sfortunatamente, suo padre morì quando Judy aveva solo 13 anni. Cinque anni dopo, Judy lasciò la sua città natale e si trasferì in California, dove si iscrisse come studentessa d'arte alla UCLA. Lì incontrò il suo primo marito, Jerry Gerowitz, che tragicamente morì solo cinque anni dopo in un incidente stradale, lasciando Judy vedova all'età di 23 anni. Insieme a queste devastanti perdite, di suo padre e del suo primo marito, Judy si trovò ad affrontare la crudele e ironica nozione che gli unici nomi con cui era stata conosciuta appartenevano a uomini. Nonostante il suo amore per loro, provava risentimento per il fatto di non aver mai avuto la possibilità di scegliere la propria identità.

Judy Chicago - Flight Hood, 1965-2011. Pittura spray su cofano di Corvair, 109 x 109 x 71,1 cm. Cortesia dell'artista e Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Mentre lavorava per conseguire il suo Master, Judy lottava per capire quale fosse la sua vera identità e si chiedeva come dovesse chiamarsi. Intorno al 1965, iniziò una serie di dipinti su cofani di auto che coinvolgevano simbolismi legati ai ruoli di genere e alla sessualità. La superficie, nel frattempo, parla in modo straziante delle circostanze in cui il suo amore era recentemente morto. Nel 1967, fu pubblicato un saggio di Lucy Lippard e John Chandler intitolato “La Dematerializzazione dell'Arte”, che ispirò Judy a riflettere sul vero valore degli oggetti concreti e, a tal proposito, sulle etichette materiali legate all'identità. Espresse le sue idee sull'argomento nel 1969 con una serie di opere Atmosphere, in cui i fuochi d'artificio creavano nuvole di fumo effimero. Entro il 1970, il suo lavoro l'aveva aiutata a raggiungere un momento di risoluzione. Dissolse il suo passato e emerse come un'artista più sicura di sé e auto-realizzata. In segno di celebrazione, pubblicò un annuncio su Artforum e contemporaneamente appese uno striscione a una delle sue mostre personali, che recitava: “Judy Gerowitz si priva di tutti i nomi imposti su di lei attraverso il dominio sociale maschile e sceglie il suo nome, Judy Chicago.”

Judy Chicago - Ventaglio serale dalla serie Fresno Fans, 1971. Lacca acrilica spruzzata su acrilico, 152,4 x 304,8 cm. Cortesia dell'artista e Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Tutte le forme e i colori

Accanto alle opere molto personali che Judy Chicago realizzò negli anni '60, creò anche diversi corpi di lavoro che affrontavano le questioni più accademiche che si stavano sviluppando nel mondo dell'arte in quel periodo. L'attuale esposizione alla Villa Arson di Nizza ricostruisce alcune di quelle opere pionieristiche. Una è “Feather Room” (1967), uno spazio espositivo a forma di cubo bianco riempito fino alle ginocchia di piume. Un'altra, intitolata “Rearrangeable Rainbow Blocks” (1965), offre una prospettiva giocosa e basata sul gioco sul Minimalismo, contrastando il punto di vista stoico e dominato dagli uomini di artisti come Donald Judd con qualcosa di fluido, creativo e aperto. Vedere queste opere insieme ai suoi pezzi per cofani d'auto e alle immagini della sua serie Atmospheres offre una visione molto più complessa di Chicago rispetto a quanto la maggior parte delle altre esposizioni abbia offerto in passato. Questa esposizione ritrae un individuo arguto, intelligente e altamente concettuale che non ha paura di esprimere sia il suo lato intellettuale che il suo lato poetico e umano. È uno spettacolo ricco di sentimento e pieno di cuore, che ci offre uno sguardo empatico e ben arrotondato su Chicago che questa artista merita.

Judy Chicago - Blocchi Arcobaleno Riorganizzabili, 1965. Lacca su alluminio, 12 elementi: 6 blocchi 30,5 x 30,5 x 121,9 cm e 6 blocchi 61 x 61 x 30,5 cm. Cortesia dell’artista e Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Inoltre, Géraldine Gourbe, la curatrice di questa esposizione, ha perseguito l'idea innovativa di reimmaginare quali siano di solito i limiti di una mostra personale. Chiamando questo evento "una mostra monografica e collettiva", l'ha curata dalla prospettiva che non possiamo davvero apprezzare appieno il lavoro che Chicago ha realizzato durante questo periodo essenziale della sua vita senza vedere anche alcune opere importanti di un certo numero di contemporanei che l'hanno influenzata direttamente. Mi piace questa idea, che una mostra personale possa includere anche solo un piccolo campione di opere di altri artisti che hanno ispirato l'artista in mostra a realizzare le opere esposte. In questo caso, le altre opere in mostra sono di Marcia Hafif, John McCracken, Robert Morris, Bruce Nauman, Pat O'Neill e DeWain Valentine, ognuno un innovatore a modo suo. Esse aiutano a dimostrare che, nonostante stesse attraversando alcune circostanze intensamente personali, Chicago non stava lavorando o pensando in un vuoto. Inoltre, non fanno nulla per sminuire Chicago, ma in effetti elevano il suo genio specificando esattamente come si distingueva dagli altri brillanti artisti della sua generazione, anche mentre contribuivano a plasmare la sua visione. Se sei in Francia quest'estate o autunno e desideri vivere questa straordinaria esposizione per te stesso, Los Angeles, gli anni cool / Judy Chicago è in mostra presso Villa Arson Nice fino al 4 novembre 2018.

Immagine in evidenza: Judy Chicago - Modello per Fresno Fan #6, 1971. Lacca acrilica spruzzata su acrilico, dimensioni incorniciato: 38,1 x 76,2 cm. Cortesia dell’artista e Salon 94, New York. ADAGP 2018

Di Phillip Park