Gli Anni Cool a LA e Le Prime Opere di Judy Chicago

Judy Chicago è senza dubbio una delle artiste più influenti di oggi. La sua monumentale installazione “Dinner Party” (1974-79), in parte icona minimalista e in parte capolavoro femminista, ha suscitato contemporaneamente critiche e lodi, affermandola come pioniera culturale. Tuttavia, molti sono ancora poco familiari con le sue opere iniziali. Chicago è stata un membro così vitale e prolifico dell’avanguardia fin dagli anni ’70 che molte delle sue opere sperimentali degli anni ’60 non sono mai state viste nemmeno dagli spettatori contemporanei, inclusi molti dei suoi più grandi ammiratori. Fortunatamente, questa estate, in vista di una retrospettiva su Judy Chicago che aprirà a dicembre al MOCA di Miami durante Art Basel Miami Beach, la Villa Arson di Nizza, in Francia, ospita una mostra innovativa che mira a riportare alla luce le sue prime sperimentazioni, per render loro il rispetto che meritano. Intitolata Los Angeles, gli anni freschi / Judy Chicago, la mostra offre uno sguardo dettagliato e intimo alle molte fasi estetiche attraversate da Chicago fino alla creazione di “Dinner Party.” Mostra l’incredibile varietà di idee che questa artista ha sviluppato durante quel decennio vitale, e offre uno scorcio di un genio indiscutibile che è stato, e continua a essere, completamente dedicato all’apertura e alla crescita.

Il Potere di un Nome

Judith Sylvia Cohen nacque a Chicago, Illinois, nel 1939. Suo padre, Arthur Cohen, era un rabbino liberale e di mentalità aperta che trasmise sia a Judy che a suo fratello un apprezzamento per le arti e la musica, oltre a un rispetto per l’uguaglianza di genere e i diritti dei lavoratori. Judy aveva solo cinque anni quando iniziò a frequentare corsi all’Istituto d’Arte di Chicago. Ma purtroppo, suo padre morì quando Judy aveva appena 13 anni. Cinque anni dopo, Judy lasciò la sua città natale e si trasferì in California, dove si iscrisse come studentessa d’arte all’UCLA. Lì incontrò il suo primo marito, Jerry Gerowitz, che tragicamente morì cinque anni dopo in un incidente d’auto, lasciando Judy vedova a 23 anni. Oltre a queste perdite devastanti, del padre e del primo marito, Judy si trovò a confrontarsi con la crudele e ironica realtà che gli unici nomi con cui era mai stata conosciuta appartenevano a uomini. Nonostante il suo amore per loro, risentiva del fatto di non aver mai avuto la possibilità di scegliere la propria identità.

Judy Chicago - Flight Hood, 1965-2011. Vernice spray su cofano di Corvair, 109 x 109 x 71,1 cm. Cortesia dell’artista e Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Mentre lavorava per il suo diploma di laurea magistrale, Judy faticava a capire quale fosse la sua vera identità e si chiedeva come avrebbe dovuto chiamarsi. Intorno al 1965, iniziò una serie di dipinti su cofani d’auto che coinvolgevano simboli legati ai ruoli di genere e alla sessualità. La superficie, nel frattempo, parla dolorosamente delle circostanze in cui il suo amore era recentemente morto. Nel 1967, fu pubblicato un saggio di Lucy Lippard e John Chandler intitolato “La Dematerializzazione dell’Arte”, che ispirò Judy a riflettere sul vero valore degli oggetti concreti e, per estensione, sulle etichette materiali legate all’identità. Espresse le sue idee sull’argomento nel 1969 con una serie di opere Atmosphere, in cui i fuochi d’artificio creavano nuvole di fumo effimero. Nel 1970, il suo lavoro l’aveva aiutata a raggiungere un momento di decisione. Sciolse il suo passato sé e emerse come un’artista più sicura e realizzata. Per celebrare, pubblicò un annuncio su Artforum e contemporaneamente appese uno striscione a una delle sue mostre personali, che recitava: “Judy Gerowitz si libera da tutti i nomi imposti su di lei dalla dominanza sociale maschile e sceglie il proprio nome, Judy Chicago.”

Judy Chicago - Ventaglio serale dalla serie Fresno Fans, 1971. Vernice acrilica spruzzata su acrilico, 152,4 x 304,8 cm. Cortesia dell’artista e Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Tutte le Forme e i Colori

Accanto alle opere molto personali che Judy Chicago realizzò negli anni ’60, creò anche diversi cicli di lavori che affrontavano questioni più accademiche che si stavano sviluppando nel mondo dell’arte in quel periodo. L’attuale mostra alla Villa Arson di Nizza ricostruisce alcune di queste opere rivoluzionarie. Una è “Feather Room” (1967), uno spazio galleria a forma di cubo bianco riempito fino al ginocchio di piume. Un’altra, intitolata “Blocchi Arcobaleno Riorganizzabili” (1965), offre una prospettiva giocosa e fantasiosa sul Minimalismo, contrapponendosi al punto di vista stoico e dominato dagli uomini di artisti come Donald Judd con qualcosa di fluido, creativo e aperto. Vedere queste opere insieme ai suoi pezzi su cofani d’auto e alle immagini della sua serie Atmospheres offre una visione molto più complessa di Chicago rispetto a molte altre mostre passate. Questa mostra ritrae un individuo arguto, intelligente e altamente concettuale, che non ha paura di esprimere sia il suo lato intellettuale sia quello poetico e umano. È una mostra ricca di sentimento e piena di cuore, che ci offre uno sguardo empatico e completo su Chicago, come questa artista merita.

Judy Chicago - Blocchi Arcobaleno Riorganizzabili, 1965. Vernice su alluminio, 12 elementi: 6 blocchi 30,5 x 30,5 x 121,9 cm e 6 blocchi 61 x 61 x 30,5 cm. Cortesia dell’artista e Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Inoltre, Géraldine Gourbe, la curatrice di questa mostra, ha perseguito l’idea innovativa di ripensare quali siano i limiti di una mostra personale. Definendo questa mostra “una mostra monografica e collettiva,” l’ha curata dalla prospettiva che non possiamo davvero apprezzare appieno il lavoro che Chicago ha realizzato durante questo periodo essenziale della sua vita senza vedere anche alcune opere importanti di numerosi contemporanei che l’hanno influenzata direttamente. Amo questa idea, che una mostra personale possa includere anche solo un piccolo campione di opere di altri artisti che hanno ispirato l’artista protagonista a realizzare le opere esposte. In questo caso, le altre opere in mostra sono di Marcia Hafif, John McCracken, Robert Morris, Bruce Nauman, Pat O'Neill e DeWain Valentine, ciascuno innovatore a modo suo. Aiutano a dimostrare che, nonostante abbia attraversato circostanze intensamente personali, Chicago non lavorava né pensava in un vuoto. Inoltre, non sminuiscono affatto Chicago, ma anzi elevano il suo genio specificando esattamente come si distinguesse dagli altri brillanti artisti della sua generazione, anche se essi hanno contribuito a plasmare la sua visione. Se siete in Francia questa estate o autunno e desiderate vivere di persona questa straordinaria mostra, Los Angeles, gli anni freschi / Judy Chicago è in corso presso la Villa Arson di Nizza fino al 4 novembre 2018.

Immagine in evidenza: Judy Chicago - Modello per Fresno Fan #6, 1971. Vernice acrilica spruzzata su acrilico, dimensioni con cornice: 38,1 x 76,2 cm. Cortesia dell’artista e Salon 94, New York. ADAGP 2018

Di Phillip Barcio