La Vanguardia Eterna—6 Straordinarie Artiste Astratte Femminili dall'America Latina

Parlo spesso dell’avanguardia in termini di suoi insuccessi, intendendo che è un argomento che ancorò al passato, pieno di storie passate di cose sperimentali che gli artisti un tempo scrivevano, un tempo realizzavano o un tempo tentavano. Oggi, spero di attirare l’attenzione su sei artiste astratte latinoamericane che credo ridefiniscano l’avanguardia, non come qualcosa radicato nella storia, ma come qualcosa di perpetuamente fresco e indefinito. Lygia Clark, Gego, Carmen Herrera, Zilia Sanchez, Mercedes Pardo e Noemi Escandell sono state ciascuna, a un certo punto, celebrate come rappresentanti dell’avanguardia estetica del loro tempo. Eppure, resistono tutte a essere sepolte dal passare del tempo, perché la rilevanza delle loro idee si estende oltre le loro singole generazioni. Le loro opere rimangono fresche e curiose oggi come sempre. Propongo che ciò non sia dovuto solo all’opera stessa, ma anche al modo in cui hanno affrontato la loro pratica come artiste e insegnanti. La maggior parte degli artisti d’avanguardia si definisce per la posizione singolare e d’avanguardia che creano per sé, una posizione che può essere spiegata o rafforzata dalla scrittura, poi dimostrata attraverso un linguaggio visivo unico, e infine canonizzata come movimento. (Penso ad Andy Warhol e la Pop Art, Picasso e il Cubismo, Mondrian e il Neoplasticismo, ecc.) Le sei artiste astratte latinoamericane di cui scrivo oggi sfuggono a questo destino perché le loro strategie di rappresentazione estetica non sono fisse, né nel tempo (un momento culturale) né nella teoria. Invece di mettere in primo piano un insieme particolare di idee, il loro lavoro esplora ciò che forse non potrà mai essere compreso, figuriamoci detto: l’ignoto. Le loro opere fluide e indefinibili incoraggiano gli spettatori a esaminare l’oscurità, piuttosto che attirare l’attenzione su ciò che è stato portato alla luce.

Lygia Clark (1920 - 1988, Brasile)

Lygia Clark si definiva una “proponente.” Percepiva la sua arte come scollegata dalla storia, legata invece al momento presente in continuo mutamento. Il suo lavoro non ha un significato o uno scopo predeterminato se non quello assegnatogli da chiunque lo stia osservando in modo personale. Si liberò dalla storia dell’arte e assicurò il suo posto nell’avanguardia eterna quando disse: “L’oggetto non è più lì per esprimere alcun concetto, ma affinché lo spettatore possa raggiungere, più profondamente, il proprio sé.”

Gego (1912 - 1994, Germania/Venezuela)

Nata e istruita in Germania, Gertrude Goldschmidt, nota anche come Gego, fuggì a Caracas, Venezuela, nel 1939, all’inizio della Seconda Guerra Mondiale. Fu lì, in Sud America, che scoprì il suo destino di artista. Sebbene dipingesse, disegnasse e scolpisse, Gego è più conosciuta per le sue installazioni simili a ragnatele, che presentano reti di punti e linee che si fondono in universi geometrici di piani immaginari. Molti scrittori dicono che il suo lavoro riguarda la linea, ma per me riguarda di più la ricerca di esprimere continuamente l’azione cumulativa. Le moltitudini di punti e linee nelle sue opere sono proiezioni nello spazio e nel tempo, che attirano gli spettatori senza fine verso l’ignoto.

Carmen Herrera (n. 1915, Cuba)

Carmen Herrera vendette il suo primo dipinto a 89 anni. A 100 anni ebbe la sua prima retrospettiva museale, al Whitney Museum of American Art di New York. Molti critici, curatori e mercanti hanno poi cercato di classificarla in termini di vari movimenti storici dell’arte, come il Minimalismo, l’Astrazione Geometrica e l’Arte Concreta. Tuttavia, ciò che permette a Herrera di resistere, e in effetti trascendere, queste etichette è la sua totale dedizione alla visione personale. Una volta scherzò dicendo che non avrebbe permesso un libro su Picasso in casa sua, perché guardare Picasso significa volerlo copiare. Il suo unico obiettivo, dice, è seguire il proprio desiderio di semplificazione, o ciò che chiama “un processo di togliere ciò che non è essenziale.” La tensione nel suo lavoro spesso deriva da quello scorcio in quello spazio dove affrontiamo non ciò che c’è, ma ciò che manca.

Rondo (Blu e Giallo), 1965 Acrilico su tela di Carmen Herrera, americana, nata a L’Avana, Cuba, 1915. Fonte: https://flic.kr/p/5vyjn2

Zilia Sanchez (n. 1926, Cuba)

Nata a Cuba, Zilia Sanchez vive e lavora a Porto Rico dagli anni ’70. Le sue tele sagomate si protendono dal muro, come oggetti—o forze—che sembrano cercare di sfondare da dietro. Questo gesto poetico mette in primo piano il mistero e allude alla sensazione che ciò che è visibile e apparentemente così importante nel momento presente stia contemporaneamente venendo modificato davanti ai nostri occhi. Quest’opera è una rappresentazione iconica dell’avanguardia eterna, poiché sostiene il fatto che tutto è costantemente riorganizzato da qualcos’altro che è in procinto di emergere.

Mercedes Pardo (1921 - 2005, Venezuela)

Molti artisti parlano del loro lavoro in termini di indagini. Mercedes Pardo si distinse non per la ricerca, ma per la creazione di incontri personali per i suoi spettatori. Nota per un corpus di dipinti astratti geometrici e biomorfici su cui lavorò per decenni nel corso della sua carriera, in realtà lavorò in una gamma di diversi mezzi, tra cui la scenografia, l’illustrazione di libri, il collage e l’arte pubblica su larga scala. Pardo considerava gli incontri personali con l’arte come l’opposto di—o forse l’antidoto a—la cultura del consumo. Evitava l’imposizione di schemi, concentrandosi invece su esperienze uniche dello spettatore con materia purificata.

Noemi Escandell (1942 - 2019, Argentina)

Amata dai suoi studenti e da altri artisti, e temuta dagli autoritari politici, Noemi Escandell credeva fermamente che i gesti politici e artistici siano uno e lo stesso. È conosciuta ora dopo la sua morte per le sculture e i disegni astratti e spaziali che iniziò a creare negli anni ’60, che si collegano visivamente al Minimalismo. Tuttavia, Escandell abbracciò un’incredibile varietà di strategie visive nel corso della sua carriera per rappresentare la sua idea centrale, che era la libertà. Forse la sua invenzione più potente fu ciò che chiamava “mano a mano”—opere d’arte che devono essere passate tra gli spettatori durante una mostra prima di essere appese al muro. Il suo lavoro si basava sulla bellezza dell’ignoto e esaltava la connessione intima che deve esistere tra persone e arte affinché entrambi raggiungano il loro pieno potenziale.

Immagine in evidenza: Lygia Clark - Bicho Linear, 1960. Alluminio. 86 x 66 x 36 cm (33 9/10 x 26 x 14 1/5 pollici). Bergamin & Gomide, São Paulo
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio