La Vanguardia Eterna—6 Straordinarie Artiste Astratte Femminili dall'America Latina

Parlo spesso dell'avanguardia in termini di fallimenti, il che significa che è un argomento che ancoriamo al passato, pieno di storie passate di cose sperimentali che gli artisti una volta scrissero, una volta crearono o una volta provarono. Oggi, spero di attirare l'attenzione su sei artiste astratte latinoamericane che credo ridefiniscano l'avanguardia, non come qualcosa radicata nella storia, ma come qualcosa di perpetuamente fresco e indefinito. Lygia Clark, Gego, Carmen Herrera, Zilia Sanchez, Mercedes Pardo e Noemi Escandell sono state ciascuna, in un certo momento, celebrate come rappresentanti dell'avanguardia estetica del loro tempo. Eppure, ognuna di loro resiste anche a essere sepolta sotto il passare del tempo, perché la rilevanza delle loro idee si estende oltre le loro singole generazioni. Le loro opere rimangono fresche e curiose oggi come non mai. Propongo che ciò non sia solo a causa del lavoro stesso, ma anche per come hanno affrontato la loro pratica come artiste e insegnanti. La maggior parte degli artisti d'avanguardia è definita dalla posizione singolare e avanguardistica che creano per se stessi, una posizione che può essere spiegata o sostenuta dalla scrittura, e poi dimostrata attraverso un linguaggio visivo unico, e poi canonizzata come un movimento. (Sto pensando ad Andy Warhol e al Pop Art, Picasso e al Cubismo, Mondrian e al Neo-Plasticismo, ecc.) Le sei artiste astratte latinoamericane di cui scrivo oggi sfuggono a questo destino perché le loro strategie di rappresentazione estetica non sono fisse, né nel tempo (un momento culturale) né nella teoria. Invece di mettere in primo piano un insieme particolare di idee, il loro lavoro esplora ciò che forse non può mai essere compreso, per non parlare di essere detto: l'ignoto. Le loro opere fluide e indefinibili incoraggiano gli spettatori a esaminare l'oscurità, piuttosto che attirare l'attenzione su ciò che è stato portato alla luce.

Lygia Clark (1920 - 1988, Brasile)

Lygia Clark si definiva una “propositrice.” Percepiva la sua arte come disconnessa dalla storia, attaccata invece al momento presente in continua evoluzione. Il suo lavoro non ha significato o scopo predeterminato se non quello che viene assegnato da qualsiasi spettatore che interagisce con esso in modo personale. Si è liberata dalla storia dell'arte e ha assicurato il suo posto nell'eterno avanguardismo, quando ha detto: “L'oggetto non è più lì per esprimere alcun concetto, ma affinché lo spettatore possa raggiungere, più profondamente, il proprio io.”

Gego (1912 - 1994, Germania/Venezuela)

Nata e cresciuta in Germania, Gertrude Goldschmidt, conosciuta anche come Gego, fuggì a Caracas, in Venezuela, nel 1939, all'inizio della Seconda Guerra Mondiale. Fu lì, in Sud America, che scoprì il suo destino come artista. Sebbene dipingesse, disegnasse e scolpisse, Gego è più conosciuta per le sue installazioni a forma di rete, che presentano reti di punti e linee che si uniscono in universi geometrici di piani immaginari. Molti scrittori dicono che il suo lavoro riguarda la linea, ma per me è più una questione di ricerca per esprimere continuamente l'azione cumulativa. Le moltitudini di punti e linee nelle sue opere sono proiezioni nello spazio e nel tempo, attirando gli spettatori senza fine nell'ignoto.

Carmen Herrera (n. 1915, Cuba)

Carmen Herrera ha venduto il suo primo dipinto all'età di 89 anni. All'età di 100 anni, ha avuto la sua prima retrospettiva museale, al Whitney Museum of American Art di New York. Molti critici, curatori e galleristi hanno da allora cercato di classificarla in base a vari movimenti storici dell'arte, come il Minimalismo, l'Astrattismo Geometrico e l'Arte Concreta. Tuttavia, ciò che consente a Herrera di resistere e, in effetti, trascendere quelle etichette, è la sua totale dedizione alla visione personale. Una volta ha scherzato dicendo che non permetterà mai un libro di Picasso nella sua casa, perché guardare Picasso significa volerlo copiare. Il suo unico obiettivo, dice, è seguire il proprio desiderio di semplificazione, o ciò che lei chiama "un processo di rimozione di ciò che non è essenziale." La tensione nel suo lavoro spesso deriva da quel barlume in quello spazio in cui ci confrontiamo non con ciò che c'è, ma con ciò che manca.

Rondo (Blu e Giallo), 1965 Acrilico su tela di Carmen Herrera, Americana, nata a L'Avana, Cuba, 1915. Fonte: https://flic.kr/p/5vyjn2

Zilia Sanchez (n. 1926, Cuba)

Nata a Cuba, Zilia Sanchez vive e lavora a Porto Rico dagli anni '70. Le sue tele sagomate sporgono dalla parete, mentre oggetti—o forze—sembrano cercare di sfondare da dietro. Questo gesto poetico mette in primo piano il mistero e allude alla sensazione che ciò che è visibile e apparentemente così consequenziale nel momento presente stia simultaneamente venendo alterato davanti ai nostri occhi. Quest'opera è una rappresentazione iconica dell'eterno avanguardismo, poiché agita per il fatto che tutto viene costantemente riconfigurato da qualcos'altro che è in procinto di emergere.

Mercedes Pardo (1921 - 2005, Venezuela)

Molti artisti parlano del loro lavoro in termini di indagini. Mercedes Pardo si distinse non per la ricerca, ma per la creazione di incontri personali per i suoi spettatori. Nota per un corpus di dipinti astratti geometrici e biomorfici su cui lavorò per decenni nel corso della sua carriera, in realtà lavorò in una gamma di diversi mezzi, tra cui design di costumi, illustrazione di libri, collage e arte pubblica su larga scala. Pardo considerava gli incontri personali con l'arte come l'opposto di—o forse l'antidoto a—una cultura consumistica. Evitava l'imposizione di schemi, centrando invece esperienze uniche per gli spettatori con materia purificata.

Noemi Escandell (1942 - 2019, Argentina)

Amata dai suoi studenti e da altri artisti, e temuta dai politici autoritari, Noemi Escandell credeva fermamente che i gesti politici e artistici siano la stessa cosa. È conosciuta ora, dopo la sua morte, per le sculture e i disegni astratti e spaziali che iniziò a creare negli anni '60, che si collegano visivamente al Minimalismo. Tuttavia, Escandell abbracciò un'incredibile varietà di strategie visive nel corso della sua carriera per rappresentare la sua idea centrale, che era la libertà. Forse la sua invenzione più potente fu ciò che chiamava “mano a mano”—opere d'arte che devono essere passate tra gli spettatori in un'esposizione prima di essere appese al muro. Il suo lavoro si basava sulla bellezza dell'ignoto e esaltava il legame intimo che deve esistere tra le persone e l'arte affinché entrambe possano raggiungere il loro pieno potenziale.

Immagine in evidenza: Lygia Clark - Bicho Linear, 1960. Alluminio. 33 9/10 x 26 x 14 1/5 in (86 x 66 x 36 cm). Bergamin & Gomide, São Paulo
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park