La pittura americana seminale: la mostra degli anni Ottanta, rivisitata

Nel 2018, ho dichiarato Who RU2 Day: Mass Media and the Fine Art Print, al Cleveland Museum of Art, la mostra più importante in America. Oggi, credo di nuovo che la mostra americana più importante si trovi in un museo dell'Ohio—questa intitolata American Painting: The Eighties Revisited, al Cincinnati Art Museum. La mostra di Cleveland era importante perché sfidava la alfabetizzazione visiva in un momento in cui la saturazione delle immagini stava raggiungendo il suo punto più alto di sempre, e la capacità umana di tradurre le immagini in pensieri e azioni sensati stava raggiungendo il suo punto più basso di sempre. L'attuale mostra di Cincinnati è importante per motivi simili. Sfida direttamente l'abbraccio diffuso da parte del pubblico contemporaneo dell'arte narrativa e ricca di contenuti, proponendo invece il valore duraturo dell'astrazione. Come suggerisce il suo titolo, è una ricreazione di una mostra che si è aperta più di 40 anni fa. L'originale debuttò alla Grey Gallery della New York University nel 1979 e presentava 41 opere di 41 artisti che erano quasi tutti sconosciuti all'epoca. La curatrice era la rinomata critica e educatrice Barbara Rose, che purtroppo morì di cancro al seno alla fine di dicembre 2020, poco prima che questo tributo alla sua lungimiranza aprisse. Quella mostra originale fu stroncata dai critici. Nonostante l'indignazione critica, molti simpatizzanti espressero il loro supporto, inclusi numerosi curatori e direttori di musei che visitarono entusiasticamente la mostra controversa in più di una dozzina di città in tutto il mondo. Il supporto più importante venne da Ronnie e John Shore, una coppia di Cincinnati che all'epoca era già da un decennio in quello che sarebbe diventato un passatempo di 53 anni nella raccolta d'arte. Considerando importante che una mostra di tale importanza storica fosse mantenuta intatta, e credendo fosse essenziale che gli artisti trovassero incoraggiamento nel supporto materiale, i Shore acquistarono l'intera mostra. Un dono di quell'acquisto al Cincinnati Art Museum è ciò che ha reso possibile la ricreazione attuale della mostra originale.

La controversia

Per alcuni lettori, può sembrare assurdo che un tempo fosse controverso esprimere una convinzione nel valore dell'arte astratta. Tuttavia, per molti altri, suona molto simile alla stessa resistenza che gli artisti astratti continuano a sperimentare oggi. I tradizionalisti sembrano sempre voler che la loro arte racconti storie e mostri scene facilmente riconoscibili del cosiddetto mondo reale. Soprattutto tra i mecenati d'élite delle arti, si è sempre creduto che lo scopo dell'arte sia mostrare un ideale di ciò che la cultura umana dovrebbe valorizzare e imitare. Gli artisti astratti non disapprovano necessariamente quella convinzione. Tuttavia, certamente non sono d'accordo con le limitazioni nell'esprimere ideali attraverso la mimica. L'astrazione è un percorso verso qualcosa di universale; qualcosa di invisibile; qualcosa di inesprimibile con i lessici esistenti. Questo è un percorso difficile per molte persone. L'economia, quindi, tende a premiare gli artisti che offrono lezioni semplici e dirette alle masse su ciò che dovrebbero amare e odiare.

Nancy Graves (1939–1995), Stati Uniti, Strobia, 1978, olio e encausto su tela, Dono di Ronnie e John Shore, 2018.195, © 2019 Nancy Graves Foundation / Licenziato da VAGA presso Artists Rights Society (ARS), NY

A parte la complessità generale dell'astrazione, l'altra lamentela centrale espressa dai critici riguardo all'originale American Painting: The Eighties era che gli artisti presenti nella mostra erano nuovi sulla scena. Si chiedevano come potesse un curatore affermare che questi pittori sconosciuti fossero rappresentanti idonei dell'intera nazione in quel momento. Nel caso di diversi artisti—come Elizabeth Murray, Sam Gilliam, Nancy Graves, Dennis Ashbaugh, Frances Barth, Howard Buchwald, Louisa Chase, Rachelle Epstein e Ron Gorchov—essi sono effettivamente diventati molto di successo. Tuttavia, non tutti gli artisti presenti nell'esposizione possono dire lo stesso. Molti dei loro nomi, mi vergogno di dirlo, rimangono completamente nuovi per me oggi—come Susan Crile, Elaine Lustig Cohen, Catharine Warren, Peter Pinchbeck e Susanna Tanger. Tuttavia, i dipinti che questi artisti hanno contribuito alla mostra sono sorprendentemente freschi. Posso, infatti, nominare diversi artisti che da allora hanno copiato il loro stile. Potrebbero non essere diventati famosi, ma sono stati chiaramente influenti.

Lois Lane (n. 1948), Stati Uniti, Senza titolo, 1979, olio su tela, Dono di Ronnie e John Shore, 2018.213

La Visionaria Barbara Rose

Per quanto riguarda Barbara Rose, l'ultima cosa di cui aveva bisogno era la convalida da parte dei critici. Nel 1965, quando aveva solo 29 anni, Rose scrisse uno dei saggi più duraturi mai pubblicati sul valore duraturo dell'arte astratta. Intitolato ABC Art, fu uno dei primi tentativi critici di definire il movimento che sarebbe stato successivamente chiamato Minimalismo. Molto diverso dalla comprensione che molti curatori e spettatori hanno dell'Arte Minima oggi—che è elegante, semplice, discreta e piacevole da guardare—Rose considerava l'Arte Minima al suo meglio come "difficile, ostile" e "goffa". La definì un "arte di negazione e rinuncia" radicata in un ascetismo quasi monastico. Descrivendola come un antidoto non egotistico, a volte persino mistico, per la Pop Art, la collocò in una linea di discendenza che includeva filosofi, romanzieri, coreografi e artisti come Kazimir Malevich e Marcel Duchamp.

Ron Gorchov (1930–2020), Stati Uniti, Strega, 1979, olio su lino, Dono di Ronnie e John Shore, 2018.219

Rose ha fatto molte altre contribuzioni durature alla teoria dell'arte. Ha coniato il termine Neo-Dada; ha scritto un saggio influente che stabiliva Lee Krasner come l'Abstract Expressionist più trascurato; ha insegnato arte sia a detenuti che a studenti di Yale; ha scritto di astrazione per le pubblicazioni d'arte più influenti della sua epoca; e ha redatto monografie che documentano le carriere di quasi due dozzine di artiste astratte. Le sue credenziali negli anni '80 erano innegabili come lo sono oggi, ma era vista come una radicale. Allora, come adesso, suppongo che la gente amasse davvero l'arte figurativa. Anche oggi, la storia dell'arte astratta è raramente insegnata nelle scuole (comprese le scuole d'arte), e anche quando lo è, la sua rilevanza politica e sociale viene trascurata dai professori che a loro volta non sono mai stati adeguatamente istruiti. Tuttavia, per innumerevoli milioni di spettatori, l'astrazione continua a essere una parte duratura, persino essenziale, del nostro rapporto con l'arte e la vita. Grazie a collezionisti intrepidi come Ronnie e John Shore, curatori audaci come Barbara Rose, e istituzioni coraggiose come il Cincinnati Art Museum, questo aspetto vitale della cultura umana continua a prosperare.

Pittura Americana: Gli Anni Ottanta Rivisitati sarà in mostra dal 12 marzo all'11 luglio 2021, in attesa delle restrizioni locali COVID-19.

Immagine in evidenza: Sam Gilliam (nato nel 1933), Stati Uniti, Tequila, 1979, acrilico e media misti su tela, Dono di Ronnie e John Shore, 2018.194, © 2019 Sam Gilliam / Artists Rights Society (ARS), New York
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park