La Pratica Fotografica Versatile di Ryan Foerster

La conservazione è una delle idee fondamentali della fotografia. Catturare una visione della realtà. Non perdere tempo lasciandola scivolare via. Conservare un frammento del momento affinché possa essere vissuto anche dopo che il momento è passato. La spinta a conservare è in parte ciò che rende Ryan Foerster uno degli artisti più coinvolgenti della sua generazione. Foerster dimostra la conservazione fotografica nel senso usuale, cioè cattura immagini fotografiche e realizza film del mondo reale, conservando immagini della realtà affinché altri possano vederle in seguito. Ma pratica anche la conservazione in altri modi. Conserva materiali, trovando nuovi usi per gli scarti rimasti dai suoi progetti. Conserva i reperti della sua comunità, raccogliendo detriti mentre si muove nella sua casa adottiva di Brighton Beach, New York. Conserva energia, permettendo agli elementi della natura e al tempo di collaborare con lui nel suo processo. E conserva il giudizio, non sprecandolo mai, ma aspettando fino a più tardi, molto più tardi, forse mai, prima di considerare qualcosa un successo o un fallimento. Dopotutto, il giudizio non ha valore duraturo per un artista. Come dimostra il lavoro di Ryan Foerster, ciò che sembra rovinato può essere solo in uno stato di transizione; ciò che sembra un prodotto di scarto può solo attendere un nuovo scopo; ciò che sembra un disastro può essere l’inizio di qualcosa di inaspettato; e ciò che appare orribile può solo aver bisogno di essere visto sotto una luce diversa.

Ryan Foerster Riusa Manhattan

Ryan Foerster è nato nel 1983, nella ex città agricola e industriale di Newmarket, Ontario, alla periferia di Toronto. I suoi primi sforzi artistici ruotavano attorno alla scena punk rock di Toronto alla fine degli anni ’90. Pubblicava fanzine con i suoi amici e, nel processo, imparò a scrivere, fotografare, stampare, fare giornalismo e tutti gli altri aspetti della produzione analogica dei media. Le sue fanzine gli diedero accesso alle band, che a volte intervistava in cambio dell’ingresso ai loro concerti, e lo portarono nell’orbita di un gruppo di collaboratori creativi. L’esperienza lo ispirò a diventare artista. In particolare, si sentì spinto verso un aspetto specifico del processo creativo: la fotografia.

Nel 2005, Foerster si trasferì a New York e si iscrisse a corsi presso l’International Center for Photography (ICP). Situato nel cuore di Midtown Manhattan, l’ICP si presenta come un ambiente vitale e all’avanguardia, che guida la pedagogia fotografica d’avanguardia. E forse lo è davvero, ma non era il posto giusto per Foerster. Come disse a BOMB Magazine nel 2015, “Volevo solo creare cose ed essere a New York. Così ho abbandonato.” Invece di crediti accademici, Foerster si dedicò a guadagnare credibilità artistica. Era quasi sempre al verde e in uno stato costante di confusione riguardo alla sua decisione di fare arte a New York. Ma la scarsità del suo stile di vita portò direttamente al suo senso che tutto conta, sia nella sopravvivenza che nell’arte. Invece di usare macchine fotografiche costose e pellicole nuove, lavorava con qualunque materiale riuscisse a trovare, una lista di forniture che includeva gli scarti delle pellicole di altri artisti, carta fotografica danneggiata, lastre di stampa scartate e innumerevoli oggetti trovati come finestre, specchi, rottami metallici, pietre, conchiglie e persino scorie, il residuo del processo di fusione del metallo.

Ryan Foerster - Vista dell’installazione presso C L E A R I N G, New York, USA, 2014, cortesia Cooper Cole Gallery

L’Estetica dell’Evoluzione

All’inizio, Foerster era sconfortato dalle dure qualità estetiche dei materiali di seconda mano che usava. Carta fotografica danneggiata e negativi di pellicola non producono stampe immacolate. Ma il suo sconforto svanì man mano che si collegava maggiormente alle qualità estetiche formali dello stato transitorio. La carta danneggiata ha una sua posizione estetica e, quando le si permette di esprimere le qualità intrinseche che possiede, può portare a nuove scoperte e nuove idee. Invece di combattere con l’estetica del decadimento, Foerster la abbracciò come estetica della rinascita. Cominciò a vedere tutti i materiali scartati e sottovalutati semplicemente come materiali che avevano superato il loro uso previsto, ma che possedevano il potenziale di ricevere una nuova identità attraverso l’intervento artistico.

La gamma di possibilità che Foerster ha scoperto da allora per i suoi materiali trovati, ereditati e riutilizzati è vasta. Dopo aver incaricato una tipografia di stampare una fanzine su carta da giornale, recuperò le lastre di stampa dalla spazzatura e le incorporò nel suo lavoro. Dopo aver appoggiato una tazza d’acqua su un foglio di carta fotografica, notò come l’acqua alterava il colore e la trama della carta e iniziò a sperimentare quel processo nel suo lavoro. Dopo che l’uragano Sandy allagò il suo seminterrato e inumidì molte delle sue foto, era già pronto ad abbracciare il potenziale estetico dell’emulsione danneggiata dall’acqua, e fu in grado di salvare quelle stampe danneggiate e indirizzarle verso fenomeni estetici che superarono il loro intento originale.

Ryan Foerster - Stampa da giardino senza titolo, 2014, stampa C unica, 61 x 51 cm, (Sinistra) e Stampa da giardino senza titolo, 2014, stampa C unica, 61 x 51 cm, (Destra), Foto di Gert Jan van Rooij, cortesia Upstream Gallery

Processi Naturali

Una delle esperienze più formative che Ryan Foerster ebbe con il riuso dei materiali avvenne nel 2009, quando una sua foto fu danneggiata in una mostra in una galleria. La maggior parte degli artisti sarebbe stata devastata, arrabbiata o almeno desiderosa di chiedere risarcimenti dopo un simile evento, ma Foerster rimase fedele alla sua convinzione che gli incidenti possono essere utili e i materiali possono superare il loro scopo originale: anche se il materiale in questione è un’opera d’arte originale. Foerster mise la fotografia danneggiata sul tetto di casa sua e la lasciò sotto la pioggia. Il risultato fu un nuovo lavoro che intitolò Universe/Night Swim. L’immagine potrebbe essere facilmente letta come una foto del cielo notturno, pieno di stelle lontane e galassie esplose, viste attraverso un telescopio. Ma i puntini bianchi sono in realtà solo emulsione danneggiata causata dalla pioggia caduta.

Nel 2012, Foerster elaborò questa idea di permettere ai processi naturali di intervenire nel suo lavoro in un progetto collaborativo che realizzò con la galleria Shoot The Lobster. Per il progetto, Foerster prese possesso di un lotto urbano abbandonato a Miami, Florida, e lo riempì con un’installazione all’aperto delle sue opere. Le opere furono assemblate in loco in modo da fondersi con l’ambiente cosiddetto naturale. Le qualità estetiche dei materiali usati da Foerster, come legno di scarto, metallo, pietre e vecchie lastre di stampa, dialogavano perfettamente con il linguaggio visivo dell’abbandono urbano. Una volta installate, Foerster lasciò che l’opera fosse devastata da qualunque elemento volesse interagire con essa, che fosse il tempo, gli animali o le persone di passaggio.

Ryan Foerster - Installazione presso C L E A R I N G, New York, USA, 2014, cortesia Cooper Cole Gallery

Consigli sulle Relazioni

Ryan Foerster spesso paragona il suo processo al compostaggio. Come qualcuno che raccoglie gli scarti di cibo dalla spazzatura e li sparge in un orto sul retro, raccoglie i prodotti di scarto della società, li mescola con i sottoprodotti delle sue attività e poi usa questa miscela per alimentare la germinazione di una nuova generazione di idee. Proprio come i raccolti un tempo coltivati nelle fattorie ormai scomparse della sua città natale, i cosiddetti prodotti finiti del suo processo sono solo rappresentanti della fase successiva di un altro processo, molto più lungo, antico e senza fine. Formalmente, il lavoro è astratto. Il suo linguaggio è fatto di colori vividi, trame apocalittiche, forme inquietanti e composizioni casuali, bilanciate da occasionali elementi figurativi che appaiono come fantasmi o ricordi sparsi tra esplosioni di energia primordiale. Ma realisticamente, il lavoro non è mai finito. Cattura un momento nel tempo, come una fotografia, ma gli elementi non smetteranno mai di lavorarci sopra, alterandolo, evolvendolo in qualcosa di nuovo.

Nemmeno Foerster può dire con certezza cosa diventeranno alla fine le sue opere. Anche mentre vengono installate, sta ancora negoziando la sua comprensione di esse basandosi sulle loro relazioni reciproche e con l’ambiente circostante. E in questo fatto risiede l’aspetto più importante del lavoro. Si tratta di relazioni. Esprime la relazione che l’artista ha con i materiali. Interroga la relazione che la cultura ha con il consumo. Si impegna in relazioni passeggere con i processi naturali. Indaga la relazione tra l’artista e il desiderio di controllo. Più di tutto, invita gli spettatori a nuove relazioni con tutti questi elementi. Naturalmente, l’arte trovata, i materiali riciclati e l’idea di permettere agli elementi naturali di collaborare nel processo creativo non sono nulla di nuovo. Ma Ryan Foerster si confronta con tutte queste idee in modo indiscutibilmente contemporaneo. Il suo lavoro è umile nel senso che ammette che l’ego dell’artista è solo una parte di un evento più grande, e talvolta addirittura relega l’artista al ruolo di curatore. Tale umiltà ci concede, come spettatori, il permesso di non avere tutte le risposte, ma semplicemente di permetterci di essere partecipanti a qualcosa di continuo, qualcosa di più grande di noi e qualcosa che alla fine potrebbe risultare molto diverso da come era stato pensato o da come avremmo mai immaginato.

Ryan Foerster - Stampe del Giardino Verde, 2013, stampe cromogeniche uniche, cortesia Cooper Cole Gallery

Immagine in evidenza: Ryan Foerster - Stampe da giardino senza titolo, 2014, due stampe C uniche, 61 x 51 cm ciascuna, Foto di Gert Jan van Rooij, cortesia Upstream Gallery
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio