Le forme modellanti di Victor Vasarely al Centre Pompidou di Parigi
Per la prima volta in oltre 50 anni, una grande retrospettiva di Victor Vasarely è in mostra in un museo francese. Il Centre Pompidou ha aperto Vasarely: Sharing Forms lo scorso febbraio, riunendo oltre 300 oggetti, tra cui opere d'arte ed ephemera, documentando l'evoluzione estetica completa di uno dei giganti del Modernismo del XX secolo. La mostra stabilisce fermamente Vasarely non solo come un grande artista, ma anche come un grande idealista, uno che credeva non ci fosse confine tra arte e vita quotidiana. Nato nel 1907 a Pécs, in Austria-Ungheria, Vasarely si iscrisse alla scuola Műhely (laboratorio), la versione locale di Budapest del Bauhaus, nel 1918. La scuola era gestita dall'artista e designer grafico Sándor Bortnyik. Dopo due anni di studio con Bortnyik, Vasarely si trasferì a Parigi e iniziò una carriera come designer grafico. La sua ambizione era applicare le lezioni visive del Modernismo al mondo delle comunicazioni di massa. Una delle sue opere precoci più famose, “Zebra” (1937), incarna lo spazio liminale in cui le discipline apparentemente separate dell'arte e del design si fondono in un'unica entità. La composizione lineare in bianco e nero mostra due zebre intrecciate, forse in combattimento, forse innamorate. L'immagine dichiara abilmente Vasarely un maestro della prospettiva dimostrando la sua capacità di trasformare una superficie piatta in un campo cinetico e tridimensionale. Eppure, fino ad oggi, i critici si confrontano con la questione se questo e le sue altre opere precoci debbano essere classificati come arte o design. Infatti, l'ultima volta che una grande rassegna del suo lavoro è stata allestita in Francia è stata nel 1963, quando l'artista aveva solo 57 anni, al Musée des Arts Décoratifs—non un museo d'arte fine, ma un museo delle arti decorative e del design. Solo due anni dopo, tuttavia, Vasarely fu incluso in The Responsive Eye, la storica mostra del Museum of Modern Art che stabilì gli artisti di punta del movimento Op Art. Vasarely: Sharing Forms riunisce tutti gli aspetti del suo lavoro in modo universale. Piuttosto che forzare definizioni, questa mostra rispetta le complessità e le sfumature della sua visione, offrendo un tanto necessario ampliamento della storia di Vasarely.
Il Riformatore Eterno
Quando Vasarely iniziò la sua carriera come graphic designer, considerava la pubblicità la forma di cultura visiva più ubiqua, quindi si propose di trasformarla adattandola ai linguaggi visivi del Cubismo, De Stijl, Suprematismo e altre posizioni moderniste precoci. Dopo la Seconda Guerra Mondiale, tuttavia, cambiò il suo focus e decise che, piuttosto che usare l'arte per riformare il design, avrebbe cercato nel mondo reale indizi su come trasformare l'arte. Prese nota di tutto ciò che lo circondava visivamente, dalle strutture architettoniche, ai modelli di ombra e luce che cadevano sulle forme naturali, alle superfici dei cristalli. Si rese conto che esiste uno spazio estetico in cui i principi dell'astrazione geometrica coesistono con i principi dei mondi naturale e costruito. Opere come “Kiruna” (1952) mostrano come abbia scomposto il mondo visivo nei suoi elementi costitutivi più essenziali, come cerchi e quadrati, e nella palette di colori più semplice possibile.
Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Vista dell'installazione al Centre Pompidou, Parigi, 2019. Foto per gentile concessione di IdeelArt.
Anche se aveva iniziato a sviluppare il suo linguaggio visivo veramente unico, Vasarely rimase sempre il riformatore. Percepiva che le sue composizioni geometriche non erano ancora complete. Avevano bisogno di un ulteriore aspetto: l'apparenza del movimento. Ma piuttosto che creare arte cinetica reale, come i mobili di Alexander Calder, Vasarely era interessato a come il cervello percepiva il movimento. Osservò come le onde sulla superficie dell'acqua, o nel calore del sole, creano l'illusione che lo spazio sia deformato e che gli oggetti solidi siano fluidi. Applicò questo pensiero alle sue composizioni, introducendo schemi ondulatori nelle sue composizioni geometriche e deformando apparentemente le superfici delle opere. In dipinti come “Re.Na II A” (1968), la superficie sembra gonfiarsi verso l'esterno. In altri dipinti, la superficie sembra collassare. La cosa più sorprendente è che, non appena l'occhio si sofferma su ciò che sta vedendo in questi schemi ondulatori, l'immagine sembra spostarsi, dando sia l'illusione di uno spazio tridimensionale che l'impressione di movimento.
Victor Vasarely - Zante, 1949. Vista dell'installazione al Centre Pompidou, Parigi, 2019. Foto per gentile concessione di IdeelArt.
Un Linguaggio Visivo Universale
Uno degli aspetti più idealistici dell'eredità di Vasarely è stata la sua creazione dell'"unità plastica": uno strumento visivo di base che può essere adattato per creare infinite composizioni visive. L'unità plastica di Vasarely consiste in una forma geometrica di un colore che contiene al suo interno una seconda forma geometrica diversa di un altro colore: ad esempio, un quadrato blu che circonda un cerchio rosso, o viceversa. In termini contemporanei, l'unità plastica è simile a un pixel. Vasarely combinava le unità plastiche insieme in varie combinazioni geometriche e poi usava linee e colori per introdurre onde nelle composizioni. Questo semplice linguaggio visivo era davvero democratico, poiché poteva essere facilmente copiato da chiunque. L'universalità dello stile ispirò persino Vasarely a chiedersi di nuovo come utilizzare ciò che aveva creato per influenzare positivamente la vita quotidiana dei cittadini.
Victor Vasarely - Forma 1009 decor 5110, verso 1973. Edizione 23/50. Forma 1008 decor 5105, verso 1973. Edizione di 75. Forma 1008 decor 5104, verso 1973. Edizione 17/75. Forma 1009 decor 5108, verso 1973. Edizione 22/50. Forma 1007 decor 5101, verso 1973. Edizione 27/100. Forma 1008 decor 5106, verso 1973. Edizione 61/75. Forma 1010 decor 5112, verso 1973. Edizione 31/100. Forma 1007 decor 5100, verso 1973. Edizione 6/100. Vista dell'installazione al Centre Pompidou, Parigi, 2019. Foto per gentile concessione di IdeelArt.
Come mostra "Vasarely: Sharing Forms", Vasarely concepì numerose strategie per portare la sua arte nello spazio pubblico. Creò una moltitudine di murales, manifesti e persino design industriali, come il Set da Caffè e Dessert in 21 pezzi che progettò per Rosenthal. Creò loghi per aziende, come Renault e il Musee de Cinema, tra gli altri. E si dedicò a creare tutti i tipi di arte negli spazi pubblici. Immaginò quella che chiamava una "città policroma della felicità", dove le sue opere pubbliche vibranti, colorate e geometriche avrebbero dato vita ai "sobborghi cupi e grigi". In tutta questa esposizione vediamo come la plasticità sia comune a tutte le forme di cultura visiva. Vasarely dimostrò come essa sia una parte essenziale delle belle arti, ovviamente. Ma vide anche la plasticità come essenziale per le stesse pietre utilizzate per costruire la città, e nei colori e nelle sfumature di luce che cadono sulla natura. Le separazioni artificiali tra i campi dell'arte, del design, della moda, del cinema, dell'architettura e persino della pubblicità svaniscono quando vediamo tutta la cultura visiva in questo modo. Questa è la lezione che Vasarely insegnò: che l'arte è ovunque. "Vasarely: Sharing Forms" è in mostra al Centre Pompidou fino al 6 maggio 2019.
Immagine in evidenza: Victor Vasarely - Alom, 1968. Vista dell'installazione al Centre Pompidou, Parigi, 2019. Foto per gentile concessione di IdeelArt.
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio
