Le forme modellanti di Victor Vasarely al Centre Pompidou di Parigi
Per la prima volta in più di 50 anni, una grande retrospettiva su Victor Vasarely è in mostra in un museo francese. Il Centre Pompidou ha inaugurato Vasarely: Sharing Forms lo scorso febbraio, riunendo più di 300 oggetti, tra opere d’arte ed effimeri, che documentano l’evoluzione estetica completa di uno dei giganti del Modernismo del XX secolo. La mostra stabilisce con fermezza Vasarely non solo come un grande artista, ma come un grande idealista, uno che credeva che non esistesse alcun confine tra arte e vita quotidiana. Nato nel 1907 a Pécs, nell’Impero austro-ungarico, Vasarely si iscrisse nel 1918 alla scuola Műhely (officina), la versione locale di Budapest del Bauhaus. La scuola era diretta dall’artista e grafico Sándor Bortnyik. Dopo due anni di studio con Bortnyik, Vasarely si trasferì a Parigi e iniziò una carriera come grafico. La sua ambizione era applicare le lezioni visive del Modernismo al mondo delle comunicazioni di massa. Una delle sue opere più famose dei primi anni, “Zebra” (1937), incarna lo spazio liminale in cui le discipline apparentemente separate di arte e design si fondono in una sola. La composizione lineare in bianco e nero mostra due zebre intrecciate, forse in combattimento, forse innamorate. L’immagine dichiara abilmente Vasarely maestro della prospettiva dimostrando la sua capacità di trasformare una superficie piatta in un campo cinetico e tridimensionale. Eppure, ancora oggi i critici si interrogano se questa e le sue altre opere iniziali debbano essere classificate come arte o design. Infatti, l’ultima volta che una grande rassegna del suo lavoro fu allestita in Francia risale al 1963, quando l’artista aveva solo 57 anni, al Musée des Arts Décoratifs—non un museo di belle arti, ma un museo di arti decorative e design. Solo due anni dopo, però, Vasarely fu incluso in The Responsive Eye, la mostra storica del Museum of Modern Art che consacrò i principali artisti del movimento Op Art. Vasarely: Sharing Forms riunisce tutti gli aspetti della sua opera in modo universale. Piuttosto che imporre definizioni, questa mostra rispetta le complessità e le sfumature della sua visione, offrendo un ampliamento molto necessario della storia di Vasarely.
L’Eterno Riformatore
Quando Vasarely iniziò la sua carriera come grafico, considerava la pubblicità la forma più diffusa di cultura visiva, così si propose di trasformarla adattandola ai linguaggi visivi del Cubismo, De Stijl, Suprematismo e altre posizioni del primo Modernismo. Dopo la Seconda guerra mondiale, tuttavia, spostò il suo interesse e decise che invece di usare l’arte per riformare il design, avrebbe cercato nel mondo reale indizi su come trasformare l’arte. Notò tutto nel suo paesaggio visivo, dalle strutture architettoniche ai motivi di ombra e luce che cadevano sulle forme naturali, fino alle superfici dei cristalli. Si rese conto che esiste uno spazio estetico in cui i principi dell’astrazione geometrica coesistono con quelli del mondo naturale e costruito. Opere come “Kiruna” (1952) mostrano come abbia scomposto il mondo visivo nei suoi elementi costitutivi più essenziali, come cerchi e quadrati, e nella tavolozza di colori più semplice possibile.
Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Vista dell’installazione al Centre Pompidou, Parigi, 2019. Foto per gentile concessione di IdeelArt.
Anche mentre iniziava a sviluppare il suo linguaggio visivo davvero unico, Vasarely rimase sempre un riformatore. Percepiva che le sue composizioni geometriche non erano ancora complete. Avevano bisogno di un ulteriore aspetto: l’apparenza del movimento. Ma invece di creare arte cinetica reale, come i mobili di Alexander Calder, Vasarely era interessato a come il cervello percepiva il movimento. Osservò come le onde sulla superficie dell’acqua, o nel calore del sole, creano l’illusione che lo spazio sia deformato e che gli oggetti solidi siano fluidi. Applicò questo pensiero alle sue composizioni, introducendo motivi ondulati nelle sue composizioni geometriche e apparentemente deformando le superfici delle opere. In dipinti come “Re.Na II A” (1968), la superficie sembra rigonfiarsi verso l’esterno. In altri dipinti, la superficie sembra crollare. La cosa più sorprendente è che, non appena l’occhio coglie ciò che vede in questi motivi ondulati, l’immagine sembra mutare, dando sia l’illusione di uno spazio tridimensionale sia l’impressione di movimento.
Victor Vasarely - Zante, 1949. Vista dell’installazione al Centre Pompidou, Parigi, 2019. Foto per gentile concessione di IdeelArt.
Un Linguaggio Visivo Universale
Uno degli aspetti più idealistici dell’eredità di Vasarely fu la creazione dell’“unità plastica”: uno strumento visivo di base che può essere adattato per creare infinite composizioni visive. L’unità plastica di Vasarely consiste in una forma geometrica di un colore che contiene al suo interno una seconda forma geometrica diversa di un altro colore—per esempio, un quadrato blu che circonda un cerchio rosso, o viceversa. In termini contemporanei, l’unità plastica è come un pixel. Vasarely combinava le unità plastiche in varie combinazioni geometriche e poi usava linee e colori per introdurre onde nelle composizioni. Questo semplice linguaggio visivo era davvero democratico, poiché poteva essere facilmente copiato da chiunque. L’universalità dello stile ispirò Vasarely a chiedersi ancora come usare ciò che aveva creato per influenzare positivamente la vita quotidiana dei cittadini.
Victor Vasarely - Forme 1009 décor 5110, circa 1973. Edizione 23/50. Forme 1008 décor 5105, circa 1973. Edizione 75. Forme 1008 décor 5104, circa 1973. Edizione 17/75. Forme 1009 décor 5108, circa 1973. Edizione 22/50. Forme 1007 décor 5101, circa 1973. Edizione 27/100. Forme 1008 décor 5106, circa 1973. Edizione 61/75. Forme 1010 décor 5112, circa 1973. Edizione 31/100. Forme 1007 décor 5100, circa 1973. Edizione 6/100. Vista dell’installazione al Centre Pompidou, Parigi, 2019. Foto per gentile concessione di IdeelArt.
Come mostra splendidamente Vasarely: Sharing Forms, Vasarely concepì numerose strategie per portare la sua arte nello spazio pubblico. Creò una moltitudine di murales, manifesti e persino disegni industriali, come il servizio da caffè e dessert di 21 pezzi che progettò per Rosenthal. Creò loghi per aziende, come Renault e il Musee de Cinema, tra gli altri. E si dedicò a creare ogni tipo di arte negli spazi pubblici. Immaginò quella che chiamava una “città policroma della felicità”, dove le sue opere pubbliche vibranti, colorate e geometriche avrebbero dato vita alle “grigie e cupe periferie”. In tutta questa mostra vediamo come la plasticità sia comune a tutte le forme di cultura visiva. Vasarely dimostrò come essa sia parte essenziale delle belle arti, naturalmente. Ma la vedeva anche come essenziale nelle pietre stesse usate per costruire la città, e nei colori e nelle sfumature di luce che cadono sulla natura. Le separazioni artificiali tra i campi dell’arte, del design, della moda, del cinema, dell’architettura e persino della pubblicità si dissolvono quando vediamo tutta la cultura visiva in questo modo. Questa è la lezione che Vasarely ha insegnato: che l’arte è ovunque. Vasarely: Sharing Forms è in mostra al Centre Pompidou fino al 6 maggio 2019.
Immagine in evidenza: Victor Vasarely - Alom, 1968. Vista dell’installazione al Centre Pompidou, Parigi, 2019. Foto per gentile concessione di IdeelArt.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio
